On My Own es un dueto de los cantantes estadounidenses Patti LaBelle y Michael McDonald. Fue escrita y producida por Burt Bacharach y su entonces esposa Carole Bayer Sager y originalmente grabada por la cantante Dionne Warwick para incluirla en su álbum 'Friends' (1985).
La canción finalmente fue grabada por LaBelle y McDonald para su octavo álbum de estudio, Winner In You (28-Abr-1986). Fue lanzado como el sencillo principal del álbum el 22 de marzo de 1986 por MCA Records. Líricamente, On My Own se basó en una relación que había llegado a su fin con ambas partes tomando caminos separados en un estado melancólico con la opción ocasional de volver a estar juntos algún día.
Los dos artistas estaban en ciudades separadas cuando grabaron sus partes individuales que luego se "casaron" durante la mezcla. Esto se reflejó en el video musical producido para promocionar la canción, que mostraba a LaBelle y McDonald interpretando la canción simultáneamente en diferentes costas.
Los cantantes se mostraron en lados separados de una pantalla dividida, cada uno cantando la canción mientras caminaba por apartamentos que tenían diseños idénticos pero decoración y muebles diferentes. Las vistas desde sus respectivos porches, donde terminaron el canto, dejaban patente su separación por el continente.
On My Own se convirtió en el sencillo más exitoso de ambos cantantes, ya que alcanzó el número uno en el Billboard Hot 100 durante tres semanas. La canción también alcanzó el puesto número uno en la lista Hot Black Singles (durante cuatro semanas) y el número dos en la lista Hot Adult Contemporary.
En el Reino Unido, la canción alcanzó el puesto número dos en la lista de singles del Reino Unido y ha sido certificada como oro por la Industria Fonográfica Británica (BPI), convirtiéndose en el 22º sencillo más vendido de 1986 en el país.
Inicialmente, la canción no estaba destinada a ser un dúo, pero LaBelle decidió invitar a McDonald para que la ayudara a convertir la canción en un dúo, y dijo: "Me enviaron la canción e hice una versión de ella, pero de alguna manera simplemente no funcionó del todo. Estábamos repasando cosas que había hecho y hablamos de convertirlo en un dúo. Alguien preguntó: 'Si pudieras hacerlo con alguien, ¿con quién lo cantarías?', y Michael estaba como mi primera opción".
1940. Nace Joe South (de nombre real Joe Souter), en Atlanta, Georgia Estados Unidos. Cantautor pop rock de los años sesenta y setenta, también trabajó como músico de sesión en Nashville; su nombre figura en elepés de gente tan diversa como Marty Robbins, Eddy Arnold, Aretha Franklin, Wilson Pickett, Bob Dylan (“Blonde on blonde”) y Simon & Garfunkel. También escribió para otros (Deep Purple). El mayor éxito lo obtuvo en 1970, cuando Lynn Anderson grabó su canción ‘(I never promised you a) Rose garden’. Muy afectado por el suicidio de su hermano, dejó la música en 1971, con un breve regreso en 1975. Murió en 2012.
1942. Nace Brian Jones, en Cheltenham Reino Unido. Guitarra original de los Rolling Stones desde 1962 hasta el 8 de junio de 1969; murió ahogado en su piscina días después, el 3 de julio. El grupo, en principio, se organizó alrededor suyo, lo que ocasionó que él lo considerase «su» grupo, pero pronto Keith Richards y Mick Jagger se hicieron con las riendas, haciéndose cargo, además, de la composición de los temas. El carácter extraño y díscolo de Jones acabaría por pasarle factura y, poco a poco, se fue alejando de sus compañeros de banda, a lo que se sumó la ruptura sentimental con Anita Pallenberg, que lo abandonó por Richards, algo que Jones nunca superó.
1957. Nace Cindy Wilson, en Athens, Georgia Estados Unidos. Cantante del vitalista grupo de la new wave estadounidense B-52’s. En 2007 se sumó al regreso del grupo.
1985. Muere David Byron, en Maidenhead, Berkshire Inglaterra, debido a complicaciones del hígado causadas por su alcoholismo. Tenía 38 años. Fue uno de los fundadores y el vocalista del grupo de hard rock de los setenta Uriah Heep. En 1975 comenzó a grabar en solitario, dejando tres álbumes espaciados en el tiempo. En 1977 grabó con Geoff Britton con el nombre de Rough Diamond, publicando un único disco. En 1981 formó la Byron Band.
1986. George Michael hace pública la separación de Wham. Sería el inicio de su carrera solista.
2006. Se pone a la venta “Hammersmith Odeon London ’75”, de Bruce Springsteen & The E Street Band, álbum que recoge el concierto que Springsteen y los suyos ofrecieron el 18 de noviembre de 1975 en Londres, dentro de la gira de «Born to run», la que lo lanzaría a nivel europeo. En 2005, la filmación de este mismo concierto fue incluida en formato de deuvedé en la caja «Born to run 30th anniversary edition».
2008. Muere a los 64 años Mike Smith, vocalista y teclista de The Dave Clark Five, como consecuencia de una neumonía, en Buckinghamshire Reino Unido.
'Live: In The Round, In Your Face' es un video en vivo de Def Leppard. El video contiene un show en vivo completo de Def Leppard en el McNichols Sports Arena en Denver, Colorado e imágenes adicionales de los espectáculos en The Omni en Atlanta, Georgia, recopiladas a partir de imágenes filmadas durante la gira mundial de la banda 'Hysteria' de 1987/1988 en los Estados Unidos. En DVD, se incluye con 'Historia'.
El instrumental que se reproduce durante el montaje de apertura de la audiencia que ingresa a la arena mientras la banda se calienta detrás del escenario es una edición de "Lunar Mix" de "Rocket" (que se encuentra en la "Deluxe Edition" de 'Hysteria' de 2006) mientras que el instrumental "Switch 625 se reproduce sobre los créditos, junto con clips de backstage de la banda.
Las canciones "Don't Shoot Shotgun", "Let It Go", "Tear It Down" y "Travelin 'Band" se interpretaron y grabaron, pero no se incluyeron en el VHS ni en el DVD. Además, "Armageddon It" y "Pour Some Sugar on Me" se interpretaron y grabaron dos veces para sus respectivos videos musicales, pero ninguna de las primeras interpretaciones de esas canciones esa noche se mostró en VHS o DVD. Se pueden encontrar en un bootleg con el resto de la grabación de la caja de resonancia sin mezclar y la prueba de sonido.
Lista de canciones:
01.Rocket Intro/Do I Feel Lucky?
(from the film Dirty Harry)
02.Stagefight
03.Rock! Rock! ('Til You Drop)
04.Women
05.Too Late For Love
06.Hysteria
07.Gods Of War
08.Die Hard The Hunter
09.Bringin' On The Heartbreak
10.Foolin'
11.Armageddon It
12.Animal
13.Pour Some Sugar On Me
Phill Collen Solo
14.Rock Of Ages
15.Photograph
Credits and Switch 625
Interview
Def Leppard:
Joe Elliott – voz, guitarra rítmica en "Hysteria", teclados en "Gods of War"
Rick Savage – bajo, coros, teclados (4-5, 14), guitarra acústica en "Gods of War"
Rick Allen – batería, coros, introducción hablada en "Rock of Ages"
Phil Collen – guitarra (guitarra principal en 2-4, 6, 10-15; guitarra acústica en "Bringin' On The Heartbreak"), coros
Steve Clark – guitarra (guitarra principal en 5-9, 11, 13-15; Gibson EDS-1275 on 8-10), coros
La banda de Sheffield, a diferencia de muchos colegas y contemporáneos, no se duerme en sus laureles, y continúa creando música valiosa.
A Def Leppard le sobran los hits y su historia está llena de grandeza, sin embargo, no se limita a vivir del pasado, y continúa dando la batalla por mantener su relevancia con base en buenas canciones y grandes presentaciones en vivo. La banda -conformada por el cantante Joe Elliot, los guitarristas Phil Collen y Vivian Campbell, el bajista Rick Savage, y el impresionante baterista Rick Allen- lanzó en mayo de 2022 'Diamond Star Halos', un disco nuevo con música original, en el que reafirma su amor por la historia que escribieron artistas de los 70 como David Bowie, T Rex, Sweet y Mott The Hoople, leyendas indiscutidas del glam rock original.
Con temas sencillos, directos y energéticos, llenos de coros y ganchos irresistibles, creados por cinco tipos absolutamente enamorados de las guitarras y el rock & roll, 'Diamond Star Halos' no decepciona. Esas canciones en vivo deben sonar maravillosamente, conociendo de sobra la calidad de la banda sobre la tarima.
Este álbum llega siete años después de 'Def Leppard', de 2015, y está cargado de piezas como ‘Fire it Up’, ‘Kick’ o ‘Take What You Want’, que se grabaron durante la pandemia, y celebran con orgullo la marca registrada por el quinteto. La participación de Alison Krauss, una auténtica leyenda del country y el bluegrass, en ‘Lifeless’ y ‘This Guitar’ enriquece aún más el trabajo vocal, siempre tan cuidado en la obra de Def Leppard, siendo uno de sus sellos inconfundibles.
Con Joe Elliot y sus amigos hay que tener en cuenta que siguen en esto por puro amor al arte, por una pasión que continúa impulsándolos, aunque sus momentos más exitosos hayan pasado, dejándoles un catálogo lleno de hits, toneladas de fans y montañas de dinero. Son los mismos tipos que desafiaron todas las sonoridades del rock & roll con 'Hysteria', que a su vez fue la continuación del exitosísimo 'Pyromania'.
Esa misma banda anda tocando por el mundo al lado de Mötley Crüe, en el marco de una de las giras más arrolladoras de los últimos años. Ya pasaron por México, en estos días llegan a Bogotá teloneados por Kraken, y después pasarán a Lima, Santiago, Sao Paulo y Buenos Aires.
Serán oportunidades de lujo para verlos interpretar sus clásicos y nuevas canciones de 'Diamond Star Halos'.
El álbum fue el primero de la banda publicado bajo su propio sello, Swan Song Records.
El sexto álbum de una de las bandas más trascendentes, 'Physical Graffiti', engloba a Led Zeppelin en un disco doble que funge como una vitrina a todo lo que Robert Plant, Jimmy Page, John Bonham y John Paul Jones eran capaces de realizar en conjunto.
Música disruptiva en los años setenta
Antes de que 'Physical Graffiti' se intergara a la discografía de Led Zeppelin, la escena musical en Inglaterra se vio sujeta a una brusca revolución estilística. El inicio de este cambio data 10 años antes de la entrega del álbum, cuando empezó la famosa “Invasión británica”. Fue esta etapa la que renovó la industria a nivel mundial y puso los cimientos para que el sexto disco de Led Zeppelin pudiera materializarse.
A inicios de los años sesenta, las bandas inglesas lideraban la música. Las listas eran encabezadas por bandas como The Dave Clark Five, The Who y The Beatles. Estos últimos son considerados como los líderes de aquella revolución, que inició desde la entrega de su primer sencillo americano, “Please Please Me”, en 1963.
Inglaterra se apropió así del género y todo amante del rock debía incluir en su repertorio a grupos como Herman’s Hermits, The Searchers y The Kinks. Por media década, jóvenes y adultos escuchaban casi exclusivamente canciones sobre sexo, drogas psicodélicas y la imparable lucha política contra el status quo. Sin embargo, algo empezó a cambiar de nuevo a inicios de los años setenta.
Los primeros años de esta década en el Reino Unido fueron caracterizados por la popularización de múltiples géneros musicales bastante disruptivos. Por ejemplo, ciertos géneros que ya existían para nichos específicos llegaron a la cultura mainstream, como el reggae, el punk rock y la música folk. Asimismo, los setenta marcó el ascenso del glam rock, representado por celebridades excéntricas y andróginas como David Bowie, Freddie Mercury y Elton John.
Esta renovación estilística se puede ver como una reacción ante los problemas sociales más relevantes que percibían los artistas del momento. Una gran parte de la música británica de los setenta se consideraba “política”, ya que trataba graves temáticas sociales como el sexismo, la homosexualidad, la opresión de la juventud y el racismo.
Muchos artistas también usaban su música como un medio para hablar de eventos relevantes en la historia del Reino Unido y del mundo. Por ejemplo, Paul McCartney lanzó “Give Ireland Back to the Irish”, tema alusivo a la masacre de Bogside, un mortífero evento que ocurrió durante el conflicto norirlandés en 1972.
También se podían apreciar canciones de protesta que condenaban el apartheid sudafricano (“Biko” de Peter Gabriel), la monarquía inglesa (“God Save the Queen” de The Sex Pistols), la supremacía caucásica (“Ku Klux Klan” de Steel Pulse), la inquisición de las personas queer en el Reino Unido (“Sing If You’re Glad to Be Gay” de The Tom Robinson Band), entre otras problemáticas.
De manera simultánea a la propagación de todas estas vertientes musicales, se dio el fenómeno que hoy en día se conoce como el rock progresivo. Éste fue un movimiento que priorizó sobre todo la experimentación lírica y compositiva: las letras eran más poéticas, los mensajes más filosóficos y reflexivos, los álbumes tendían a ser conceptuales y las canciones destacaban por su extensa duración. Entre las agrupaciones más populares del subgénero estaban Pink Floyd, King Crimson, Genesis.
La banda a la perfección
Musicalmente, el disco ofrece una gran variedad de estilos; desde los blues de “Custard Pie” y “In My Time of Dying”, la delicadeza de “Bron-Yr-Aur” y la magnificencia de “Kashmir”, Physical Graffiti es una auténtica demostración del repertorio de Led Zeppelin. Según Robert Plant, este LP marcó la carrera de Led Zeppelin. “Quisiera que fuéramos recordados más por “Kashmir” que por “Stairway To Heaven”. El cantante expresó su gusto por el tema: “Es tan correcta, no hay nada fuera de lugar, ninguna histeria en la voz, Led Zeppelin a la perfección”.
«In My Time of Dying» es una canción atípica por su duración de 11 minutos. Jimmy Page la describe como algo “extremadamente complicado”. “Tiene muchos cambios y pausas que pueden durar diferentes tiempos a lo largo de la canción. Recordar en qué momento debe ocurrir cada cosa en este paisaje musical es realmente difícil. Esta fusión de los cuatro integrantes era algo fenomenal”, comentó Page en una entrevista.
En 1975, la banda logró cubrir una amplia cantidad de estilos en un solo disco. El tiempo que pasaron en el estudio durante esos meses de grabación, fue uno de los periodos más productivos de Led Zeppelin, en cuanto a la cantidad de música que escribieron. Es por eso que para el sexto álbum, Led Zeppelin tuvo la oportunidad de hacer un disco doble.
Para este LP, Led Zeppelin había alcanzado un punto de madurez importante como grupo y musicalmente. La inspiración de Led Zeppelin fue la banda misma; Jimmy Page lo describe como un intercambio de energía en el que todos los integrantes estaban conectados musicalmente y tenían química en su mayor expresión, aunado a que recientemente habían acabado una larga gira, es decir, se conjuntaron varios factores que propiciaron un ambiente de mucha productividad y creatividad para el grupo.
El grupo venía de una larga fase de giras, pero ya tenían fecha para regresar a grabar al estudio en Headley Grange. Los integrantes de la banda vivieron en la misma casa durante el proceso de grabación; soñaban, respiraban y vivían música. Page era muy metódico en cuanto al sonido de las canciones, por lo que le entusiasmó el hecho de regresar a Headley Grange. En total, la grabación del disco duró 15 meses.
Estaba emocionado por intentar cosas nuevas, probar material que ya tenía preparado, entre otras ese material estaba una parte de lo que se convertiría en “Kashmir”. “Eso era lo grandioso. Instintivamente sabía que cosas grandes estaban por suceder y así fue. El álbum no tiene nada de relleno, por más que sea nuestro material discográfico más largo”, mencionó Jimmy Page.
Jimmy Page nombró el álbum, 'Physical Graffiti', para ilustrar la energía física y escrita que invirtieron para producir las canciones. El disco alcanzó el rango de platino 16 veces y vendió ocho millones de copias en Estados Unidos.
La portada de 'Physical Graffiti' fue tomada por el fotógrafo Elliott Erwitt y diseñada por Peter Corriston (quien también trabajó con The Rolling Stones como diseñador de las portadas de 'Some Girls' y 'Emotional Rescue' y 'Tattoo'). Ésta es de edificio ubicado entre la calle 96 y la calle 98 en Mark’s Place, East Village en Nueva York.
El artista, Peter Corriston, trabajó con el diseñador Mike Doud, al momento de convencer al tour manager de Led Zeppelin, Peter Grant, de aceptar esta portada. Ésta fue influenciada por el arte del disco 'Compartments' (1973), del artista alemán de funk rock, José Feliciano.
“Caminamos alrededor de la ciudad por unas cuantas semanas, buscando el edificio correcto”, comentó Peter Corriston a The New York Times: “Había creando un concepto basado en la vida, la gente que se vivía ahí e iban y venían. El álbum (vinilo) original incluía al edificio con las ventanas cortadas en la portada y varias mangas que podían ser colocadas bajo la portada, llenando las ventanas con el nombre del álbum, información sobre las canciones o notas».
Corriston buscaba un edificio simétrico con detalles interesantes, y que no fuera obstruido por ningún objeto. Necesitaba que tuviera la estructura ideal para encajar en la portada cuadrada del álbum. Aún habiendo encontrado este edificio, se tuvo que recortar el quinto piso del mismo para que cuadrara perfectamente, y realizar pequeñas modificaciones, como eliminar parte del balcón superior derecho para que la ventana quedara completamente descubierta. Este edificio fue también utilizado en el video de “Waiting for a Friend” de The Rolling Stones, donde Keith Richards y Mick Jagger fueron grabados.
El diseño original de Mike Doud para el álbum constaba de cuatro artes diferentes: dos impresiones sepia fueron hechas para el empaque exterior, éstas y los sobres interiores fueron coloreados a mano por Maurice Tarte, quien era el mejor retocador de arte en Londres. La portada del disco es una fotografía tomada de día con las letras que conforman el nombre del álbum en cada ventana, y la contraportada es otra fotografía tomada desde el mismo ángulo, de noche. La cuarta portada contaba con imágenes de celebridades y momentos importantes como: Lee Harvey Oswald, el asesino de John F. Kennedy; el astronauta Neil Armstrong; Elizabeth Taylor; la Reina Isabel I; y los comediantes Stan Laurel y Oliver Hardy. Doud buscaba cambiar la portada interior entre las fotografías y las letras en cada LP.
Durante el desarrollo, Jimmy Page describió la portada como “el deleite de un mirón”, y más adelante sugirió el título para transmitir la cantidad de energía física y la escritura creativa que se utilizó para producir la producción discográfica.
La elaborada portada retrasó el lanzamiento del álbum. Sin embargo, fue nominada a un premio Grammy al año siguiente (1976) dentro de la categoría Mejor diseño de embalaje.
“No podríamos usar ese edificio el día de hoy, porque ahora un gran árbol taparía la fotografía”, comentó Corriston a The New York Times. Actualmente, el edificio aún existe, y contiene una tienda de ropa de segunda mano en el primer piso, llamada 'Physical Graffiti'. La realización de esta portada también está descrita en el libro del 50 aniversario de la banda, llamado Led Zeppelin by Led Zeppelin.
Inspirado por blues, funk, jazz, folk, y sonidos ancestrales
Por supuesto, una obra tan compleja y expresiva como lo fue 'Physical Graffiti', tomó inspiración de una gran cantidad de proyectos igual de diversos e impactantes. Esta combinación de sonidos se ve reflejada en “Trampled Under Foot”, tema fuertemente inspirado en el funk, específicamente a lo hecho por Stevie Wonder en en clásico “Superstition” de 1972, así lo afirmó en su momento John Paul Jones.
“In My Time of Dying”, la canción más larga de la banda que lleva al escucha a través de un viaje de blues/rock con una duración de 11 minutos con 6 segundos. Este icónico tema es en realidad una reinterpretación de un clásico americano de 1927 titulado “Jesus make up my dying bed” de la autoría del músico de blues y gospel Blind Willie Johnson. Robert Plant reestructuró la letra para esta versión y el resultado fue memorable. Otra versión muy famosa de este tema fue la hecha por el ganador del premio nobel de literatura Bob Dylan.
“Down by the Seaside” es uno de los temas que también tomó mucha inspiración de un coloso contemporáneo. En 1969, Neil Young lanzó junto a Crazy Horse el disco 'Everybody Knows This Is Nowhere', uno de sus más aplaudidas producciones de donde se desprende el clásico del siglo XX “Down by the River”, el cual sirvió como maqueta para la creación de “Down by the Seaside”. Esta canción fue grabada desde 1971, incluso estuvo a punto de ser parte del cuarto álbum de la banda, sin embargo, terminó por ser el track número 9 de las 15 que conforman a 'Physical Graffiti'.
De la misma forma, «Bron-Yr-Aur», el tema más corto en la discografía del cuarteto con tan sólo 2 minutos y cinco segundos de duración encuentra sus raíces en el folk británico, así como otro gran éxito de la banda “Babe I’m Gonna Leave You”, específicamente de guitarristas como Bert Jansch y Davy Graham, grandes inspiraciones para Page. Para “Kashmir”, tema considerado por los miembros de Zeppelin como su obra maestra, el músico y productor se paseó por las calles de la India con una grabadora y así poder registrar los sonidos y melodías que rodean al subcontinente, además de agregar con el tiempo indicios de música celta, mientras que Plant escribió la majestuosa letra mientras conducía por el desierto de Marruecos.
Blues, funk, jazz, folk, y sonidos ancestrales son algunos de los componentes principales que ayudaron a dar vida a uno de los discos más importantes en la historia de la música.
Curiosidades
Originalmente, la producción era demasiado larga, por lo cual decidieron convertirla en un álbum doble, agregando temas inéditos que no lograron entrar en otros de sus LPs. Algunas de las canciones que se agregaron son “Boogie With Stu”, “Night Flight”, “Down by the Seaside” y “Houses of the Holy”; curiosamente, el último tema no aparece en el álbum del mismo nombre.
El tema «Boogie With Stu» fue inspirado en la canción de 1959 “Ooh My Head”, de Ritchie Valens. Los integrantes de Led Zeppelin se enteraron de que la madre de Valens nunca recibió regalías por ninguno de los éxitos de su hijo Ritchie, así que decidieron acreditar en “Boogie With Stu”, con el fin de honrarla a ella y al tema que inspiró la canción.
Se pensaba que la Catedral de Winchester le ofreció el puesto de maestro de coro al tecladista y bajista John Paul Jones, y se rumoró que él consideró abandonar la agrupación para aceptarlo, sin embargo, Rolling Stone desmintió esto en una de sus publicaciones.
La gira promocional del disco duró dos meses y medio, y la agrupación consiguió agotar todas las entradas. A pesar del éxito, la gira estuvo llena de irregularidades debido a problemas de salud de los miembros de Led Zeppelin, y los malos comportamientos del público. Jimmy Page fracturó su dedo anular izquierdo, lo cual no le permitía tocar correctamente durante la primera parte del tour; después, Robert Plant cogió un resfriado, y justo cuando pudo recuperarse, el baterista “Bonzo” Bonham comenzó a sufrir de problemas estomacales. Por otro lado, los espectadores influyeron en algunos de los inconvenientes: en Boston, el concierto se canceló debido a que la policía reportó daños de $30 mil dólares (poco más de medio millón de pesos), causados por aquellas personas que llegaron temprano al show; en Seattle, no se le permitió la entrada a un número aproximado de 500 espectadores, gracias al hecho de que sus boletos eran falsos. Por otra parte, tres admiradores decidieron robar una guitarra Les Paul de $2,100 dólares (casi 40 mil pesos mexicanos) y obsequiarla a Jimmy Page… no pasó mucho tiempo antes de que la policía los detuviera. Respecto a los deslices de parte del público, Page dijo “lo último que quiero ser, es decente”.
Más de 45 años después
Hoy en día existen diferentes puntos de vista sobre este álbum. Sin embargo, la mayoría de ellos aplaude a 'Physical Graffiti' por ser el LP donde Page, Plant, Bonham y Jones hicieron a un lado a los éxitos para mostrar cuáles eran sus inquietudes musicales. Probablemente este álbum no cuente con “Black Dog”, “Rock And Roll” o “Heartbreaker”, pero sí contaba con una complejidad sonora que permite escuchar la experimentación de Page, Plant, Bonham y Jones ante diferentes géneros.
Para Jimmy Page y compañía este fue el disco que mostraba la total experimentación y libertad sobre su música. «Todos sabíamos que era una obra monumental, solo por los diversos caminos que habíamos recorrido para llegar a esto», mencionó Page a Rolling Stone en 2015.
Con cinco discos en su carrera Led Zeppelin ya no tenía que demostrar nada. Así que decidieron salir de lo habitual y crear algo totalmente diferente, un álbum que les permitiera expresar su amor por la música. “La madre de todos los discos dobles”, fue como describió Page a 'Physical Graffiti', ya que para él, este es el LP más importante de la agrupación.
Actualmente 'Physical Graffiti' es recordado como una producción discográfica que mostraba el interés de Jimmy Page, Robert Plant, John Bonham y John Paul Jones de alejarse de lo convencional y hacer un LP que plasmara la intelectualidad musical de cada uno de sus miembros, mientras experimentaban con diferentes instrumentos, ritmos, afinaciones y géneros musicales .
Algunos de los seguidores de Led Zeppelin consideran a este material como el más importante de la banda, puesto que la diversidad de sonidos hacían de 'Physical Graffiti' un disco complejo que mostraba diferentes caras y facetas –algunas nunca antes oídas– de Led Zeppelin. Otros miran al LP como un acto de valentía, ya que la a banda arriesgó su fama y legado con un disco variado que se alejaba de su sonido base.
Con 15 canciones logró pasar a la historia como uno de los mejores discos de rock de todos los tiempos. Y aunque algunas de sus canciones fueron rescatadas de producciones pasadas, no existen rellenos, ni canciones sin sentido. En 'Physical Graffiti' escuchamos a cuatro amigos alcanzando la perpetuidad de su música, mientras buscaban la innovación con el hard rock, rock & roll, blues, música acústica e instrumental.
El documental, 'Bono & The Edge: A Sort of Homecoming' con Dave Letterman, se estrenará el 17 de marzo.
El presentador David Letterman encontró a los mejores guías turísticos para su visita a Dublín. El documental 'Bono & The Edge: A Sort of Homecoming' con Dave Letterman registra cómo el conductor de television conoce la ciudad de la mano de los músicos de U2, resultando en la mejor ocasión para repasar las canciones que han escrito por décadas.
“La tradición de la narrativa es parte de Dublín”, dice Bono al inicio del tráiler del documental que se estrenará el próximo 17 de marzo. “Está en nuestra música. Nuestras canciones siguen creciendo, todavía están despuntando”. “La pregunta entonces es, ¿qué nos queda cuando todo se ha ido? ¿Desde dónde empiezas?”, agrega The Edge.
En este caso, los dos miembros de U2 consideran imperativo regresar al origen. “Mientras Larry [Mullen Jr] estaba lesionado y Adam [Clayton] estaba haciendo una película, Edge y yo le pedimos a David Letterman que viniera a Dublín a hablar de nuestras canciones”, explica el frontman de la agrupación.
Entretanto, el dúo se preparaba para un show especial en el Teatro Ambassador en la ciudad. Desde el escenario y en compañía del presentador, los músicos repasan su relación con la composición lírica y con las palabras que escribieron hace tanto tiempo. Algunas de las canciones continúan vigentes, mientras que otras fueron actualizadas para que encajaran con el momento de sus vidas en el que se encuentran.
“Queríamos deshacernos de los artificios que inevitablemente surgen después de haber hecho esto por tanto tiempo”, comenta Bono y enseguida The Edge complementa: “Al parecer nos va muy bien haciendo algo que nunca se ha hecho antes”.
“Hace poco gané un concurso radial”, bromeó Letterman en un comunicado cuando se anunció el filme dirigido por Morgan Neville. “El ganador viajaría a Dublín con Bono y The Edge (la parte del concurso no es cierta, pero me siento como un ganador). Me dieron un recorrido, me presentaron a sus colegas e interpretaron algunas de sus mejores canciones en un pequeño teatro”.
Bono & The Edge: A Sort of Homecoming con Dave Letterman | Tráiler Oficial | Disney+:https://youtu.be/mkKMS2LOSEM
*Esta reseña fue publicada originalmente el 21 de enero de 1971
En aquellos días en que los Beatles no tenían destinos, solo personalidades, y cada fanático de los Beatles tenía un Beatle favorito, John una vez satirizó a sus compañeros como «Paul con los ojos muy abiertos, el acogedor Ringo y el esqueleto de George». George, eclipsado como estaba por dos egos enormes y sin la franqueza de Ringo, era el más difícil de reconocer.
Hasta ahora, George ha sido quizás el principal músico de estudio entre los guitarristas de bandas de rock. Desde el quejido electrónico que comenzó con ‘I Feel Fine’ hasta la pausa que hace en ‘Hard Day’s Night’ y el enloquecido estallido influenciado por el sitar en ‘Taxman’, George exhibió una imaginación vanguardista y una perfección técnica, así como la habilidad de permanecer dentro de los límites de una canción, que no ha tenido paralelo.
No es de extrañar que sus ambiciones no se hayan cumplido con este papel y lo que presumiblemente ha estado brotando en él desde al menos 'Let It Be', tal vez desde 'Meet The Beatles', sale por montones en 'All Things Must Pass'. Es a la vez una declaración intensamente personal y un gesto grandioso, un triunfo sobre la modestia artística, incluso la frustración. En esta extravagancia de piedad, sacrificio y alegría, cuya magnitud y ambición pueden llamarla la Guerra y la Paz del rock and roll, la música en sí misma ya no es el único mensaje.
Las letras son centrales. Se muestran de manera destacada en las portadas de los álbumes y parecen haber sido escritos antes que la música. A menudo hay más sílabas que notas, y las líneas tienen que ser apresuradas para poder entenderlo todo. A menudo, también, hay fragmentos de oraciones sin resolver («Ojos que brillan llenos de luz interior»), usos divertidos de palabras («Otro día para tú para darte cuenta de mí”), e intentos conscientes de efectos literarios (“cuidado con los que arrastran los pies con zapatos blandos/bailando por las aceras”). Sus palabras a veces se esfuerzan demasiado; se toma a sí mismo o al tema demasiado en serio o, si el tema es imposible de tomar demasiado en serio, no siempre posee los medios para transmitir esa impresión de manera convincente.
El material de Dylan es desigual. Harrison y Dylan fueron coautores de ‘I’d Have You Anytime’, el corte de apertura del álbum, pero los dos juntos no logran mucho. También está ‘If Not For You’. Sin embargo, uno de los cortes más maravillosos del álbum es ‘Apple Scruffs’, inspirado en Dylan. Hecho con armónica y guitarra acústica, suena como si hubiera sido grabado mientras Spector estuviera tomándose un café. La canción en sí es el cariñoso aprecio de George por sus famosos fans, y la primera canción de los años setenta en recuperar esos ojos húmedos de los años sesenta.
Las dos canciones clásicas de los Beatles son ‘Run of the Mill’, una canción conmovedora y de lirismo McCartneyesco y ‘Wah Wah’, una gran cacafonía de sonido en la que las trompetas suenan como guitarras y viceversa.
Finalmente, la definición del núcleo musical del álbum son los ensayos inquietantes de George sobre vivir, amar y morir. ‘Ballad of Sir Franky Crisp (Let It Roll)’, con muchos “Ye’s» para recordarnos que es una balada, es a la vez acuosa y oceánica. ‘All Things Must Pass’ con sus vientos apagados y su cadencia, Harrison pone todas sus esperanzas en:
Sunrise doesn’t last all morning
A cloudburst doesn’t last all day
Seems my love is up, and has
left you with no warning
But it’s not always going to be this grey
All things must pass, all things
must pass away.
‘Beware of Darkness’ puede ser la mejor canción del álbum. Musicalmente enigmática y extrañamente incompleta, es tanto una advertencia como una afirmación:
Beware of sadness
It can hit you; it can hurt you–
Make you sore and what is
more, that is
not what you are here for.
Más allá de valoraciones particulares, este es un álbum de una honestidad y una fuerza impactantes, mayores que la suma de sus partes. Pero más allá de eso, sugiere las estructuras de apoyo, la filosofía y los rituales, que hasta ahora han faltado en gran parte de la música contemporánea. Las críticas de George son explícitas: “ahora no necesito wah-wah / y sé lo dulce que puede ser la vida. / Así que me mantendré libre de wah-wah”. O, en “Esperando por todos ustedes”; “No necesitas un amor… para ver/el lío en el que estás”.
Como señaló Leon Russell en una entrevista reciente: “Pero en India [la música es] una religión, y todos conocen las restricciones y saben cuál es su participación y es como una forma de vida”. George es plenamente consciente de este fenómeno. 'All Things Must Pass' es su esfuerzo por dedicarle su música.
Stevie Nicks With Tom Petty And The Heartbreakers - Stop Draggin’ My Heart Around
Stop Draggin' My Heart Around es una canción grabada por Stevie Nicks y Tom Petty and the Heartbreakers y lanzada el 08 de julio de 1981 como el primer sencillo del álbum debut en solitario de Nicks de titulo Bella Donna (27-Jul-1981).
La pista es la única canción del álbum que no fue escrita ni coescrita por Nicks. Escrita por Tom Petty y Mike Campbell como una canción de Tom Petty and the Heartbreakers, Jimmy Iovine, que también trabajaba para Stevie Nicks en ese momento, hizo los arreglos para que ella la cantara. Petty cantó con Nicks en el coro y el puente, mientras que toda su banda (excepto Ron Blair, cuya pista de bajo fue tocada por Donald "Duck" Dunn en su lugar) tocó en la canción.
Se utilizó una interpretación de la canción en el estudio como video promocional. El video fue el video número 25 que se reprodujo en la fecha de lanzamiento de MTV el 1 de agosto de 1981. Petty y Nicks también cantaron juntos en las canciones "Insider" (del álbum de Petty 'Hard Promises' (1981)) y "I Will Run to You" (del álbum de Nicks 'The Wild Heart' (1983)), y con frecuencia interpretaban versiones improvisadas en vivo de estos. y el clásico de la década de 1960 "Needles and Pins" en muchos espectáculos durante la década de 1980.
A partir de 2017, Stop Draggin' My Heart Around sigue siendo un pilar de las actuaciones en solitario de Stevie Nicks, y el 9 de julio de 2017, Nicks interpretó la canción junto con Petty and the Heartbreakers en el festival 'British Summer Time' en Hyde Park en Londres en lo que resultó ser su última interpretación de la canción juntos antes de la muerte de Petty en octubre de 2017.
La canción alcanzó el puesto número 3 en el American Billboard Hot 100 durante seis semanas consecutivas (el mayor éxito en solitario de Nicks y también el mayor éxito de los Heartbreakers). Sin embargo, en el Reino Unido, la canción solo logró alcanzar el puesto 50.
1923. Nace Dexter Gordon, en Los Ángeles. Saxofonista de jazz. Fue uno de los impulsores del be bop en evolución hacia el hard bop. Se inició en el jazz en la banda de Lionel Hampton a principios de los años cuarenta para pasar a las orquestas de Lionel Hampton y Louis Armstrong hasta su traslado a Nueva York, sumándose a la orquesta de Billy Eckstine, primer paso para tocar con Dizzy Gillespie, con el que llegó a grabar. En los cincuenta, aunque registró discos a su nombre, estuvo sumido en las drogas, para ponerse en funcionamiento de nuevo ya en los sesenta, con sus grabaciones para el sello Blue Note. Entre 1962 y 1976 vivió en Europa. Su último gran trabajó fue su colaboración en “Round midnight”, la película de 1986 de Bernard Tavernier. Murió en 1990.
1955. Nace Garry Christian, en Liverpool. Miembro del grupo de pop soul de los noventa The Christians.
1967. Se publica 'Arnold Layne', primer sencillo de Pink Floyd, canción compuesta por Syd Barret era la cara A. La segunda cara incluía ‘Candy And A Currant Bun’.
2007. Se pone a la venta en DVD una edición para coleccionistas de “Don’t Look Back”, el mítico documental de D. A. Pennebaker sobre la gira inglesa de 1965 de Bob Dylan. Junto a la edición restaurada del “Don’t look back” original, se presenta otra producción del mismo director: “Bob Dylan 65 revisited”.
2008. Muere ahogado el guitarrista de jazz Zachary Breaux, en Miami, al intentar salvar a una mujer que era arrastrada por la corriente. Tenía 37 años.
2013. Muere Richard Street, en un hospital de Las Vegas, tras una breve enfermedad. Tenía 70 años. Fue integrante de los Temptations. Nacido en Detroit, comenzó trabajando en el departamento de control de calidad de Motown. Fue el cantante principal del grupo Otis Williams & The Distants, que contaba en sus filas con los futuros miembros de los Temptations Otis Williams, Melvin Franklin y Elbridge “Al” Bryant. Luego pasó a The Monitors. A finales de los sesenta comenzó a participar en las giras de los Temptations en sustitución de Paul Williams, que tenía problemas de alcoholismo. Finalmente, se incorporó a los Temptations en 1970, permaneciendo en el grupo hasta 1993.
En 2013, celebrando su 35 aniversario, Toto se embarcó en una gira por Europa y América del Norte, junto con fechas japonesas a seguir en 2014.
Su show del 25 de junio de 2013, en Łódź, Polonia, fue grabado para un lanzamiento en vivo y fue lanzado el 29 de abril de 2014. El 5 de noviembre, se confirmó tanto en las páginas oficiales de Facebook de Toto como de David Paich que se estaba preparando un nuevo álbum de estudio y que la banda planeaba entrar al estudio a principios de 2014.
Después de la etapa de la gira del 35 aniversario en el 2013 , se reveló a través del sitio web oficial de la banda el 23 de enero de 2014 que Simon Phillips había dejado la banda para seguir una carrera en solitario. Luego, Phillips fue reemplazado por el baterista de Steely Dan, Keith Carlock.
El quinto álbum de estudio de la banda llegará en CD, vinilo y audio espacial para las plataformas de streaming.
Pearl Jam ha anunciado una edición especial de aniversario número 25 de 'Yield'. Su quinto álbum de estudio que llegó en febrero de 1998, se editará en vinilo y CD por primera vez para el Record Store Day de 2023.
Con el respaldo de Vinyl Me, Please, que distribuirá los vinilos traslúcidos rojos y negros, la entrega supone el primer lanzamiento de la nueva planta de prensado de la compañía en Denver, Colorado. Por su parte, los servicios de streaming ofrecerán la posibilidad de escuchar el álbum completo en audio espacial, producido y mezclado por Josh Evans y Nick Rives.
La agrupación publicará por primera vez las grabaciones en vivo tomadas del concierto Give Way, el cual tuvo lugar en Melbourne Park, Australia, el 5 de marzo de 1998, una de las últimas presentaciones de su baterista Jack Irons, antes de ser sustituido por Matt Cameron. En un comienzo, se esperaba que esta adaptación fuera lanzado como un CD promocional, pero ahora estará disponible en otros formatos físicos como vinilo negro 2xLP y CD.
Pearl Jam también planea relanzar su documental Single Video Theory, el cual retrata la elaboración del mencionado álbum, pero ahora en alta definición. La remasterización del dirigido por Mark Pellington ha tenido algunos adelantos en los cuales podemos ver a sus miembros ensayando sencillos destacados del disco como ‘Given to Fly’ y ‘Do the Evolution’.
Recientemente el guitarrista Stone Gossard reveló algunos detalles de su siguiente entrega discográfica que dará continuación a Gigaton de 2020. En esta ocasión, Andrew Watt se encuentra detrás de la producción para este proyecto.
“El plan es que vamos a hacer algunas grabaciones más, y vamos a tratar de terminar un disco aquí muy pronto. Hay canciones que están a punto de terminarse y hay un montón que no. Y vamos a hacer algo aquí muy pronto”, dijo Gossard a Riff TV. “Tenemos maquetas para días. Todo el mundo escribe en la banda, así que ahora es realmente tratar de averiguar lo que es algo diferente para nosotros y lo que es algo emocionante. Y estamos trabajando en ello. Creo que tenemos un buen comienzo para otro disco que esperemos que sea bueno”.
Yield (25th Anniversary Edition) ya se puede preordenar a través de Vinyl Me, Please. Mientras tanto, puedes echar un vistazo al arte de portada y lista de canciones de esta edición especial a continuación:
Lista de canciones de Yield (25th Anniversary Edition)
“Es uno de los antisemitas más populares del mundo", argumenta un comunicado emitido por la ciudad alemana.
El gobierno de Fráncfort ha cancelado el concierto de Roger Waters, originalmente programado para llevarse a cabo el 28 de mayo. En un comunicado, la ciudad alemana compartió que el ex miembro de Pink Floyd es «uno de los antisemitas más populares del mundo».
El recinto, llamado Festhalle concert hall, es 60% propiedad del gobierno de Fráncfort, por lo que tuvieron el poder de tomar dicha decisión.
El comunicado oficial es titulado “Fráncfort pone el ejemplo contra el antisemitismo” y dice: «La ciudad de Fráncfort y el gobierno de la región de Hesse han acordado cancelar el concierto de Roger Waters programado en el Festhalle para el domingo 28 de mayo» debido al «persistente comportamiento antiisraelí del ex líder de Pink Floyd, considerado uno de los antisemitas más populares del mundo».
También argumenta que Waters ha realizado «un boicot cultural a Israel, hizo comparaciones con el régimen del apartheid en Sudáfrica y presionó a artistas para que cancelaran eventos en Israel».
“Un globo con forma de cerdo y representaciones de la estrella de David y varios logotipos fue parte del espectáculo de Waters en más de 200 conciertos como parte de 'The Wall Live Tour' de 2010 a 2013”, se agrega en el comunicado.
La ciudad de Fráncfort también explicó que la relevancia histórica del concierto fue relevante para la decisión, ya que el Festhalle concert hall se utilizó en 1938 para la detención de 3,000 hombres judíos que fueron arrestados después de que nazis destruyeran tiendas, edificios y sinagogas de su propiedad. «Muchos de ellos fueron asesinados”, recuerda el comunicado. “En la plaza frente al Festhalle, una placa conmemora los hechos de noviembre de 1938, es un llamado para tomar una posición contra el antisemitismo, el odio y la incitación al odio».
En respuesta a la decisión de los alemanes, Waters compartió un video en su cuenta de Twitter realizado por el Dr. Ramzy Baroud, quien opina que el apoyo de Waters a Palestina es la verdadera razón por la cual fue cancelado el show. “¡Gracias, Ramzy! Diles, hermano”, publicó Roger.
Gorillaz ha lanzado una edición deluxe de su más reciente álbum de estudio 'Cracker Island'.
Gorillaz ha lanzado una edición deluxe de su más reciente álbum de estudio 'Cracker Island'. Esta nueva versión del disco viene con cinco pistas adicionales.
El nuevo álbum repleto de estrellas e invitados salió la semana pasada (24 de febrero), y el domingo (27 de febrero) la banda amplió el disco con una serie de canciones extra.
Estas son las nuevas canciones de 'Cracker Island'. ‘Captain Chicken’ (con Del The Funky Homosapien), ‘Controllah’ (con MC Bin Laden) y ‘Crockadillaz’ (con De La Soul y Dawn Penn), junto con un ‘2D Piano Version’ de ‘Silent Running’ (con Adeleye Omotayo), y un remix por Dom Dolla del track junto a Tame Impala y Bootie Brown ‘New Gold’.
'Cracker Island' es la continuación de 'Song Machine, Season One – Strange Timez' de 2020. La banda virtual, encabezada por Damon Albarn, tiene una gran cantidad de colaboradores en su octavo álbum de estudio, incluidos Stevie Nicks, Bad Bunny, Beck, Thundercat, Adeleye Omotayond y más.
“Esto es una guerra sobre la decencia y la dignidad enfrentándose a la dominación y la oscuridad”, dijo el líder de U2 durante un concierto de Antytila en Londres.
Bono y The Edge hicieron una aparición especial durante un reciente concierto de la agrupación ucraniana Antytila en el club Electric Brixton, Londres, en donde interpretaron una versión de ‘Mothers of the Disappeared’.
En la presentación, el frontman de U2 aprovechó sus minutos con el micrófono para hablar de los músicos ucranianos. “Ellos quieren paz, pero no la quieren sin libertad. Nunca busques pelea con alguien que está listo para perderlo todo”, dijo. “Esto no es una guerra únicamente por territorio o soberanía, es una guerra sobre la decencia y la dignidad enfrentándose a la dominación y la oscuridad”.
Horas después del evento, el grupo irlandés compartió una serie de fotografías del momento en su cuenta de Instagram, acompañadas de una dedicatoria a las madres de Ucrania y a cualquier persona que lo haya perdido todo.
‘Mothers of the Disappeared» es la canción que cierra el quinto álbum de U2, 'The Joshua Tree'. Para componerla, Bono se basó en la historia de las Madres de la Plaza de Mayo, una asociación de mujeres que se originó en 1977 tras una protesta por las desapariciones forzadas de jóvenes durante la dictadura de Jorge Rafael Videla en Argentina. El músico también dedicó el tema a COMADRES, una organización también de madres que buscaban respuestas de sus familiares desaparecidos durante la Guerra Civil de El Salvador.
La canción ha adquirido un significado más, justamente previo al lanzamiento de 'Songs of Surrender', el álbum en el que U2 reimaginará 40 de sus más grandes éxitos. La premisa del proyecto es que aquellos temas fueron creados por “hombres jóvenes” en momentos distintos de la historia, por lo que ahora han tenido que evolucionar.
“Algunas [canciones] han crecido con nosotros y otras se han superado, pero no hemos perdido de vista las razones que nos impulsaron a escribirlas en un principio”, explicó The Edge en el newsletter de la agrupación. “Su espíritu continúa dentro de nosotros pero, ¿cómo reconectar con aquella esencia cuando hemos avanzado y crecido tanto?”.
Separate Lives es una canción que se promueve como sencillo en septiembre de 1985 grabada por Phil Collins y Marilyn Martin y que aparece en la banda sonora de la película White Nights (16-Oct-1985). Alcanzó el número 1 en las listas Billboard Hot 100 y Adult Contemporary de EE. UU., así como en Canadá e Irlanda. Alcanzó el puesto número 4 en la lista de singles del Reino Unido y fue certificado plata por la industria fonográfica británica.
El compositor Stephen Bishop grabó su propia versión para su álbum 'Sleeping With Girls' para Polydor Records, lanzado en 1985. Bishop recibió una nominación al Oscar a la Mejor Canción Original en 1986. Perdió ante la canción de Lionel Richie "Say You, Say Me" de la misma película. .
Collins grabó otras versiones de Separate Lives mientras estaba de gira. Cantó con la cantante de gira Amy Keys en 1994, y la canción apareció en el álbum 'Live From The Board'. A partir de 1997 ha interpretado la canción muchas veces con la cantante italiana Laura Pausini. En 2004, Collins grabó una versión con Bridgette Bryant, quien había estado de gira con él en 1990 en apoyo del álbum '...But Seriously'.
El video musical presenta a Martin y Collins cantando y tocando el piano, intercalados con escenas de la película. Se editó para que pareciera que Phil y Marilyn estaban en el mismo edificio que las estrellas de la película, Mikhail Baryshnikov y Gregory Hines, pero en un estudio separado. Fue dirigida por Jim Yukich y producida por Paul Flattery de FYI. El director de la película, Taylor Hackford, también estuvo en el rodaje.
1947. Hoy cumple 76 años el músico, compositor y autor estadounidense Rupert Holmes, nacido en Northwith (Inglaterra), conocido principalmente, por su gran hit de 1979, 'Escape' (The piña colada song). Actualmente escribe guiones para teatro y TV y adaptaciones de musicales.
El padre de Rupert, además de ser un oficial del ejército norteamericano destinado en Cheshire (Inglaterra), era director de banda y su madre, inglesa, era una gran aficionada a la música. Cuando cumplió seis años, la familia se trasladó a Nueva York, donde Holmes asistió a la Nyack Highschool y más tarde a la Manhattan School of Music, donde estudió clarinete. Su hermano Richard es un afamado cantante de ópera de Nueva York.
Con 20 años, Holmes trabajaba como músico de sesión así como produciendo, arreglando y componiendo. Con Ron Dante (creador de los Archies) pone en marcha un grupo de estudio, The Street People, con el que publica en 1970 'Jennifer Tomkins', que alcanza el Top40, permaneciendo quince semanas en el Top100. Siguió escribiendo jingles y canciones para otros como The Buoys, para quienes compuso en 1971 temas como 'Timothy', 'Give up your guns' y 'The prince of thieves'. También escribió canciones para Gene Pitney, Platters, Drifters, Wayne Newton, Dolly Parton, Barry Manilow y The Partridge Family.
En 1974 publicó su primer álbum en solitario, 'Widescreen', en el que ya presentaba sus románticas y orquestadas 'canciones con historia' contadas con ingenio y humor. Barbra Streisand descubrió el álbum y pidió usar alguno de sus temas en su film 'A star is born'. Esto le dio a Holmes relevancia como compositor y en 1975 escribió más temas para el álbum de Barbra 'Lazy Afternoon', cuya producción y arreglos realizó el músico, así como la de cinco álbumes más de Streisand. Continuó publicando álbumes como 'Rupert Holmes' (1975), 'Singles' (1977) y 'Pursuit of Happiness' (1978).
Su quinto álbum, 'Partners in Crime' (1979), contenía el tema 'Escape', que con su ritmo machacón y su ingeniosa letra cautivaron a medio mundo, consiguiendo Rupert con él el último nº1 en USA de la década de los setenta.
Hasta entonces, solo se podía degustar una piña colada en determinados establecimientos. Tras el éxito internacional de la canción, la gran mayoría de bares lo ofrecían en su carta de cocktails. Once años después el avispado Emilio Aragón copió descaradamente la idea e incluso algunas frases de 'Escape' en su tema '422 de Berlin'. Otros temas del mismo álbum fueron 'The answering machine', 'Him', 'The people that you never get to love' y 'Nearsighted'.
En los años ochenta actuó en numerosas ocasiones en cabarets y clubs, especialmente de Nueva York. Sus siguientes álbumes, 'Adventure' (1980) y 'Full Circle' (1981) tuvieron menos relevancia. En 1986 escribió el libreto y la música del musical de Broadway 'The Mistery of Edwin Drood', por el que obtuvo dos premios Tony. Desde el principio de los años noventa escribe con éxito obras de teatro, adaptaciones para musicales y guiones para TV. En 2003 publicó su primera novela, 'Where the truth lies', a la que siguió 'Swing', una publicación multimedia que incluía un CD y en 2010 la novela 'The McMasters Guide to Homicide: Murder Your Employer'. Sigue escribiendo para el teatro y TV y en 2013 compuso canciones para la banda sonora del biopic del pianista Liberace 'Behind the Candelabra'.
1962. Nace Michelle Shocked (de nombre real Michelle Johnston), en Dallas, Texas. Cantautora folk rock que arrancó su carrera en el punk y en los movimientos de izquierda y okupas, aunque sorprendentemente se había educado, junto a su madre, en una comunidad mormona, quien llegó a internarla en un psiquiátrico. Comenzó a grabar en 1986, aunque su mejor álbum es el segundo, “Short sharp shocked”, de 1988.
1973. Los Byrds ofrecen su último concierto: en el teatro Capitol de Detroit, en lo que fue una reunión especial para despedirse. Con su final se iba una de las formaciones esenciales del folk rock de los años sesenta, de las más influyentes y decisivas.
1975. Se edita el doble disco de Led Zeppelin “Physical Graffiti”. Su obra más ambiciosa, que queda marcada por las individualidades de sus componentes. De alguna manera, es el disco que cierra la etapa dorada del grupo.
1981. Dave Edmunds y Nick Lowe deciden, desgraciadamente, disolver Rockpile, grupo que fundaron ambos y que fue puro espíritu de la new wave. El único álbum que grabó la banda, “Seconds of pleasure” (1980), es imprescindible para entender aquel movimiento.
1988. Muere, a los 73 años, el cantante y pianista de blues Memphis Slim (de nombre real John Peter Chatman), en París Francia. Fue una de las mayores figuras del blues, su manera de tocar el piano fue absolutamente revolucionaria y marcó a muchos de los que tras él quisieron aproximarse al piano en el blues.
1992. Boda grunge: se casan Kurt Cobain (Nirvana) y Courtney Love (Hole), en Hawaii. Para ambos fue el inicio de un periodo tormentoso.
2009. Se edita “Neil Young Archives, Vol. 1: 1963-1972”, de Neil Young, una caja que en diez cedés recoge toda la primera parte de la obra del rockero canadiense, hasta el elepé «Harvest».
2009. Se edita el álbum “Roll On”, de J.J. Cale, que presenta al músico, a sus setenta años, en plena forma, con su sonido característico, ese con el que ha trazado una discografía ejemplar. Acabó por ser su último trabajo en estudio.
2011. Muere Clare Amory, miembro del grupo experimental de Nueva York Excepter, a causa de un cáncer. Tenía 35 años.
