lunes, 20 de octubre de 2014

Video del día: Chicago - Now


Chicago - Now

Now es una canción interpretada por la banda estadounidense Chicago, se incluye en su álbum de estudio no. 23 (y no. 36 por todos) de titulo Chicago XXXVI: Now  (04-Jul-2014). 

Después de ocho años de silencio en el estudio de grabación (cabe recordar que su último trabajo de estudio había sido su fabuloso Chicago 30), giras por todo el mundo  y del alejamiento de Bill Champlin (una gran pérdida desde mi punto de vista) e ingreso de Lou Pardini (Koinonia, Stevie Wonder, Santana) en 2009, los miembros actuales del grupo (Robert Lamm, Walter Parazaider, Lee Loughnane, James Pankow, Jason Scheff, Keith Howland, Tris Imboden, Lou Pardini, Walfredo Reyes, Jr.) deciden deleitarnos con una nueva entrega titulada sencillamente “Now” Chicago 36. 

En este nuevo trabajo podemos encontrar algunos momentos brillantes con su sello característico (“Now”, “More Will Be Revealed”, “Love Lives On”) y otros momentos experimentales donde los músicos dan rienda suelta a su imaginación indagando en otros estilos musicales (“Free At Last”, “Crazy Happy”, “Naked In The Garden Of Allah”, “Watching All The Colors”).

Categóricamente está claro que Chicago 36 es una digna continuación de su excelente antecesor (que por cierto, considero que Chicago 30 está uno o dos escalones por arriba de esta última entrega), principalmente porque conserva el sonido y el espíritu del grupo a la perfección. 

Ahora bien, si la gente espera un regreso a los trabajos de los 80's se va a llevar una desilusión, ya que “Now” es mucho más “intimista” que sus anteriores producciones. No puedo afirmar que la ausencia del señor Bill Champlin haya afectado en el resultado de este nuevo trabajo (ya que Chicago está más allá de los nombres), pero es indudable que su magia se echa de menos en todos los aspectos. 

Con esto no quiero decir que la presencia de Lou Pardini es culpable de este hecho (estos dos músicos hubieran sido perfectamente compatibles en el grupo), lo que quiero decir es que Chicago carece actualmente de ese fuego sagrado que sólo Bill Champlin sabe generar.

Efemérides 21 de Octubre

Un día como hoy, 21 de octubre en el año...


1992
Madonna publica el libro "Sex"
Artista polifacética donde las haya, Madonna ha demostrado que es capaz de hacer todo lo que se proponga: baile, cine, música e, incluso, se atrevió con un libro de cuentos. Pero años antes, el 21 de octubre de 1992, la ambición rubia sacó a la venta otro libro, por cierto, muy polémico, bajo el título de Sex.

En él se incluía un nutrido compendio de las fotos más eróticas de la cantante. La publicación coincidió con el lanzamiento, un día antes, de su nuevo disco, Erótica, el octavo de su carrera. Aunque el álbum no alcanzó el éxito de los anteriores, sí que tuvo un par de sencillos, Deeper and deeper y Rain, que lo salvaron del olvido.

Provocadora de voluntad, la publicación de Sex, fue sin duda, otra de sus estrategias para romper barreras y generar polémica. Dos años después en 1994, Madonna respondía a todos los que habían criticado y censurado el libro, en la canción Human nature, del álbum Bedtime stories (1994).



1974
John Lennon comienza a producir su disco 'Rock n' roll'
Tal día como hoy, el ex Beatle inició las operaciones pertinentes para empezar a producir el álbum Rock n' roll. La producción se gestó en los estudios Record Plt en Los Angeles.

El disco vio finalmente la luz el 17 de febrero de 1975, y era un trabajo lleno de versiones de algunos de los clásicos más populares del rock and roll como Be bop a lula, Sweet little sixteen y You can't catch me. El disco ocupó el puesto nº 6 en el Billboard 200.



1961
Bob Dylan graba su primer álbum
Con tan sólo 400,000 dólares, Bob Dylan grabó el que sería su primer trabajo discográfico para el sello Columbia Records. El disco, homónimo, presentaba a un, entonces, joven cantautor acompañado de su guitarra y su armónica.

Unos meses antes, el cantante se había dado a conocer teloneando a John Lee Hooker, en un concierto que dio este último. Ahí le descubrió John Hammond y así fue como se firmo su ingreso en la nómina de Columbia Records. Eran los modestos comienzos de una futura gran figura de la música contemporánea.



1953
Nace Charlotte Caffey (ex The Go-Go's)
Nació en Santa Mónica (EE UU). Fue guitarrista y cofundadora de The Go-Go's, banda en la que también se encontraba Belinda Carlisle como vocalista. Fue el grupo femenino más representativo de la new wave americana surgida a finales de los años 70.

Uno de sus mayores éxitos fue el tema We got the beat, al que siguieron otros títulos como Our lips are sealed y Vacation. Tras la publicación en 1984 de Talk show, un álbum que incluía temas como Head over heels y Turn to you, el grupo decidió separarse. En un principio Caffey se quedó haciéndole los coros a Belinda Carlisle, que se lanzó en solitario. Poco después, la ex guitarrista de The Go-Go's, fundó una banda llamada The Graces.

Spandau Ballet publica disco recopilatorio: "The Story"



Fuente: M80Radio
El grupo estrena tres canciones nuevas y una película documental.

Tras cinco años, nuevo trabajo de Spandau Ballet "The Story". Disco recopilatorio con tres temas nuevos y película documental.

La banda británica publica su nuevo disco recopilatorio: "The Story". Con todos los éxitos del grupo más tres canciones nuevas, grabadas con el productor de sus primeros trabajos, Trevor Horn y que reivindican la madurez del grupo. Tres canciones fieles al sonido del grupo londinense, estilo que les llevó a reinar las listas de las emisoras de radio de todo el mundo en los años 80, llegando a vender 25 millones de copias.

El nuevo disco salió a la venta el 14 de octubre. Disco que, además de los tres nuevos temas y sus grandes éxitos como "True", "Gold" y "Through the barricades", contiene un segundo CD con remixes y rarezas de su catálogo.

Además, Spandau Ballet estrena película documental, "Soulboys Of The Western World". Un documental que repasa la carrera de la banda londinense y el movimiento de los Nuevos Románticos.

Aquí puedes ver el tráiler del documental:

Chrissie Hynde: “Morrissey es una de las personas más divertidas que conozco”

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Fuente: Rolling Stone
La líder de los Pretenders habla de su primer disco en solitario justo antes de venir al Kursaal, el 22 de octubre. Y, ojo, quiere ser Graham Greene.

Chrissie Hynde ha usado el nombre de Pretenders desde 1978, pese a ser el único miembro constante en el grupo. Pero después de grabar su nuevo álbum en Suecia casi íntegramente con Björn Yttling, del trío de indie-rock Peter Björn and John, dejó de aparentar que tenía un grupo, lo que convierte a Stockholm en su primer álbum en solitario. “Nunca había usado mi nombre porque me gusta permanecer en la sombra”, dice Hynde, de 62 años. “Pero llegado a este punto, es absurdo pensar que nadie sabe quien soy. Debía coger el toro por los cuernos”.

Pese a nacer en Ohio (Akron), has vivido en Inglaterra la mayor parte de tu vida adulta. ¿Qué te gusta del país?
Estoy enamorada de Inglaterra. Me gusta el clima, me gusta el humor, me gusta su transporte público. Me gusta la vida en la calle, puedo ir andando a la tienda del barrio desde mi casa. ¿Has leído las memorias de Morrissey? En ella dice que “se puede hacer reír a la gente incluso en el funeral de unos trillizos”. La última vez que le vi, me dijo: “Eres la persona más divertida que conozco, pero no tienes sentido del humor”.

También dice eso en el libro.
Ahí lo tienes. Es una de las personas más divertidas que conozco. Mucho de eso se pierde cuando ves sus palabras en negro sobre blanco. A Bob Dylan no se le considera un cómico, pero si lo buscas en sus letras, es la bomba. Al parecer, yo también soy divertida.

Tenías 28 años cuando salió tu primer disco, una edad bastante avanzada para un debut. Impresiona que no te rindieras y buscaras un trabajo.
La gente que está en grupos no piensa en dejarlos. Si piensas así, no vas a hacer nada. Yo pensaba que ya era bastante mayor, pero me di cuenta de que debía vivir para tener algo que decir.

Una de tus canciones nuevas, Adding the blue, menciona al dibujante de cómics S. Clay Wilson. ¿Fueron los cómics una influencia para ti?
Sí, claro. Si eras hippie a finales de los 60, leías [la revista] Zap Comix. Los cómics tienen mucha relación con el rock. S. Clay Wilson hablaba de los puntos vulnerables de la sociedad: demonios mancillando a brujas, la cultura de la droga. Es el tipo de material que ves pintado en los depósitos de gasolina de los moteros.

Te identificas como hippie, pero también como punk. ¿Se solapan ambas culturas?
No, o eso te dirían los punks. No les gustaban los hippies, porque sus padres lo habían sido. Yo estuve en EE UU durante la era hippie y en Inglaterra durante la era punk. Ambos eran anti-sistemas, eso tenían en común. Pero los hippies fumaban maría, que te hace complaciente, y en el punk lo importante era la acción.

Eres vegetariana desde los 17. ¿Fue el resultado de una epifanía o algo gradual?
En cuanto escuché la palabra supe que era algo me iba a gustar. Desde entonces sé que vivo al margen del resto de la sociedad, y me parece bien. No quiero ser como ellos. Creo que matar por placer está mal. Es tan simple como eso.

Si te hiciéramos una prueba de drogas, ¿qué encontraríamos?
Algo de cafeína. No tomo fármacos y dejé de fumar hace un año. Hace años que no fumo hierba. Es la única droga que le sugeriría a alguien que tomara, a no ser que fuera un enemigo.

¿Te parecería interesante escribir tus memorias?
No soy una persona pública. Echo un poco de menos los viejos tiempos, en los que un artista te ofrecía su trabajo y ya estaba. Habré leído unas 10 novelas de Graham Greene y no tengo ni idea de cuál era su aspecto. No necesito saber si estaba casado o dónde vivió.

Tu nueva canción Dark sunglasses trata sobre un gigoló masculino que parece ser una persona real. ¿Cuando escribes una canción sobre alguien, lo sabe ese alguien?
Todos creen que las canciones tratan sobre ellos, ¿sabes?

Muse finalizan su primera sesión de grabación del nuevo álbum


Fuente: Rolling Stone
"Ha sido emotivo" han dicho los músicos a través de la red social Instagram.

A principios de octubre Muse anunciaron que habían empezado a grabar su séptimo álbum, la continuación de The 2nd law, disco que viera la luz en 2012. Ahora la banda confirma que la primera sesión de grabación ha finalizado.

En su cuenta de Instagram – la cual abrieron recientemente – han publicado una foto en picado del estudio, en la que vemos a Dominic Howard, batería de la banda, a los platos, y el líder Matt Bellamy tirado en el suelo con su guitarra. En la parte de abajo de la fotografía han escrito “Final de la primera sesión. Ha sido emotivo”. 

Muse ha asegurado que intentarán tener listo el nuevo material para finales del año que viene, aunque ya se estén oyendo rumores de la posibilidad de que participen en el próximo Glastonbury.

La banda desveló hace unos meses que tomarían una dirección más guitarrera en este nuevo trabajo, y que las cosas se pondrían más “heavies”.

Bono usa gafas de sol porque sufre de glaucoma


Fuente: Rolling Stone
El líder de U2 ha desvelado su secreto. También ha hablado acerca del famoso lanzamiento de 'Songs of innocence'.

El líder de U2 ha desvelado la razón por la que siempre lleva sus características gafas de sol: sufre de glaucoma.

“Este es un buen lugar para explicar a la gente que tengo glaucoma desde hace 20 años“, ha explicado en una entrevista en el Graham Norton Show de la BBC. “Pero estoy recibiendo un buen tratamiento y estaré bien”.

El músico ha bromeado después diciendo: “Ahora no podrán quitarse esto de la cabeza y estarán diciendo, ‘Ah, pobre Bono, viejo y ciego“.

En la misma entrevista también ha salido a colación el tema de su reciente lanzamiento masivo de Songs of innocence, álbum que publicaron a través de iTunes. “Queríamos hacer algo fresco pero parece que algunos no creen en el Papá Noel“, ha dicho Bono. “Todos aquellos que antes no estaban interesados en U2, ahora están enfadados con U2. Hasta donde nos concierne, eso es un adelanto”. 

En otra conversación con la presentadora Jo Whiley, Bono dijo: “Por el amor de dios, de verdad que hay gente que podría querer eliminarlo, pero te aseguro que nadie ha eliminado más canciones de U2 en los últimos cinco años ¡que los propios U2!”

Al parecer, y según cuenta el músico, 38 millones de personas han escuchado ya Songs of innocence.

Damon Albarn habla acerca de un nuevo álbum de Gorillaz en 2016

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Fuente: Rolling Stone
El músico reanuda el proyecto y también retoma The good, the bad and the queen, su otro proyecto en paralelo.

Damon Albarn se ha pasado la mayor parte del 2014 de gira con la presentación de su primer álbum en solitario, Everyday Robots. Ya conocemos la siguiente parada del prolífico cantante: reanudar dos de sus más conocidos proyectos en paralelo. En una entrevista con Sydney Morning Herald, Albarn ha desvelado que tiene pensado publicar un nuevo álbum con Gorillaz en 2016, que será su primer álbum desde su The Fall de 2011, álbum que grabaron con un iPad. Aunque las últimas veces el músico veía improbable el regreso del grupo, ha asegurado que se encuentra “en el proceso de reactivación” para un nuevo lanzamiento programado para 2016.

Además de dar continuidad a las aventuras de Murdoc y 2D, Albarn está ansioso por volver al estudio con The Good, the bad & the queen, su supergrupo junto a Paul Simonon de Clash, Simon Tong de The Verve y el batería Tony Allen. Según Albarn, las canciones para la continuación de su álbum homónimo de 2007 ya han sido compuestas, y solo necesita algo de tiempo para grabarlas.

Albarn también está trabajando en una adaptación de un libro infantil para un musical de West End. Sin embargo, el único proyecto que no parece entrar en sus planes es Blur. Albarn no tiene planeado en relación a sus compañeros de Parklife.

“Imaginaría que hay cierto futuro, pero por el momento no hay tiempo para el futuro – solo el presente”, ha dicho Albarn al Sydney Morning Herald, “¿Quién sabe?”, ha añadido, “soy reacio a decir nada al respecto, porque si lo hago se sacará de contexto y entonces seré acusado de mentiroso”.

domingo, 19 de octubre de 2014

Video del día: Bob Seger - Detroit Made


Bob Seger - Detroit Made

Detroit Made es una canción interpretada por el cantante de rock y compositor estadounidense Bob Seger, se incluye en el décimo séptimo álbum de estudio (y último hasta la fecha) que graba de titulo Ride Out (14-Oct-2014).

El primer tema en promoverse es este "Detroit Made", publicado hace unas semanas. Esta versión de John Hiatt le sienta como un guante y es todo un bombazo de puro rock'n'roll que presagia otro pedazo de disco dentro de una carrera discográfica que pocos, muy pocos le pueden hacer sombra.

El gran Bob Seger vuelve a sacar un disco después de ocho años, el cantautor estadounidense que supo marcar una época en el rock internacional vuelve al ruedo después de muchos años sin editar material aunque, según afirman, éste sería el último de su carrera. 

"Ride Out" este nuevo álbum de Bob Seger según afirman diferentes medios de rock mundiales, podría ser el último en la larga y rica carrera del que fue uno de los cantantes más importantes de los Estados Unidos.

Dueño de clásicos de los 70 y 80 como "Night Moves", "Like a Rock", "Old Time Rock and Roll", "Turn the Page" (luego grabado por Metallica) y la canción junto a Eagles "Heartache Tonight", entre otros.

Este nuevo álbum es el primero que saca el artista desde 2006, cuando publicó "Face The Promise".

Incluso, comentó en un comunicado: "Este álbum aborda cómo creo que nos sentimos muchos de nosotros en la búsqueda de nuestro lugar en un mundo más complicado, la forma en que apreciamos las cosas tan simples y puras como el amor, navegar a través de la corrupción y la violencia que se respira en las noticias. Se resume en un montón de sentimientos que tengo sobre una variedad de temas”.

Efemérides 20 de Octubre

Un día como hoy, 20 de octubre en el año...


1950
Nace Tom Petty
Hoy cumple 64 años el músico, compositor y multi-instrumentista norteamericano Tom Petty, nacido en Gainesville (Florida). Es el líder y cantante de Tom Petty and the Heartbreakers y fue uno de los fundadores a finales de los ochenta del supergrupo Traveling Willburys. Tom Petty & the Heartbreakers ha sido desde 1976 uno de los grupos de rock'n'roll más selectos de América, haciendo un maridaje con las guitarras acústicas de los Byrds y los descarnados ritmos de Rolling Stones. 



El interés de Tom Petty por el rock'n'roll comenzó cuando el contaba con sólo 10 años de edad. Un tío suyo trabajaba en el equipo de montaje del rodaje de una de las películas de Elvis, 'Follow that dream', en Ocala (Florida) y le invitó al rodaje. Se convirtió ese mismo día en un furibundo fan de Elvis Presley y cambió su magnífico tirachinas 'Wham-O' por una caja de singles del 'rey'. Cuando unos añós más tarde además vio a los Beatles en el Ed Sullivan Show, supo que quería formar parte de un grupo. Uno de sus primeros profesores de guitarra fue Don Felder, un vecino de su barrio, que más tarde sería uno de los Eagles.


Mudcrutch en 1975

De adolescente trabajó como jardinero en la universidad de Florida, aunque nunca la visitó como estudiante. Su relación con el padre no fue fácil, ya que a este le costaba admitir que su hijo fuera un 'amanerado e interesado en las artes'. Acosado física y verbalmente por él, Tom se sentía más seguro junto a su madre. Su primera banda se llamaba The Epics, que más tarde adoptaria el nombre de Mudcrutch, consistente en Tom Petty al bajo y voces, Tom Leadon a la guitarra y voces, Randall Marsh a la batería y Mike Campbell a la guitarra. Mudcrutch fue la banda local del Dub' Lounge en Gainesville (Florida).



En 1974 firmaron un contrato con Shelter Records y se instalaron en California. Grabaron un single, 'Depot street' en 1975, pero no logró entrar en las listas. Un año después, la compañía discográfica quebró y el grupo se disolvió. Petty, Campbell y el teclista Benmont Tench fundaron entonces los Heartbreakers junto con los músicos locales Stan Lynch y Ron Blair. El primer álbum del grupo, llamado 'Tom Petty & the Heartbreakers' (1976), tuvo una repercusión fugaz en EEUU, obteniendo más éxito en el Reino Unido. Tras una gira por Europa tocando de teloneros con Nils Lofgren, el single 'Breakdown', fue reeditado en 1978, alcanzando el Top 40 del Hot 100. Su segundo álbum 'You're Gonna Get It' fue su primer álbum en las listas y contenía los singles 'I need to know' y 'Listen to her heart'.


Damn the Torpedoes (1979)

La publicación de 'Damn The Torpedoes' (1979) significó el espaldarazo comercial definitivo, vendiendo más de dos millones de copias, con temas como 'Don't do me like that' y 'Refugee'. No pudo haber llegado en mejor momento, pues Tom se encontraba al borde de la bancarrota: Unos meses antes su compañía discográfica fue vendida con su catálogo de artistas a MCA Records. A Tom no le gustó nada la jugada y rehusó ser transferido de compañía en compañía sin su consentimiento. Su firme y consecuente mantenimiento de principios casi lo lleva a la ruina.

Hard Promise (1981)

Aunque el éxito les sonreía, volvieron a tener problemas con MCA Records. Esta vez el tema de la disputa fue el precio: la compañía había decidido lanzar el siguiente álbum de la banda al precio de $9.98, un dólar más que el habitual precio entonces de $8.98. Petty manifestó su disgusto por ello en la prensa y fue un tema muy polémico entre los fans de la época. Se pensó en no entregar el álbum y llamarlo 'ocho con noventa y ocho', pero, finalmente, MCA cedió y lo puso a la venta al precio habitual. 'Hard Promise' (1981) fue Top 10 e incluía los temas 'The waiting' y el dúo con Stevie Nicks, 'Insider'.


Para el siguiente trabajo, 'Long After Dark' (1982) hubo cambio en las filas de la banda: el bajista Ron Blair abandonó el grupo siendo sustituido por Howie Epstein. Esta formación se mantendría hasta 1994. Seguirían los álbumes 'Southern Accents' (1985) y 'Let me up (I've had enough)' (1987) con temas como 'Don't come around here no more', producido por Dave Stewart y 'Jammin me', escrita por Petty con Bob Dylan, quien les invitó a acompañarle en una gira.

Ese mismo año un pirómano prendió fuego a su casa de Encino (California). El fuego causó daños por más de un millón de dólares, pero los bomberos fueron capaces de salvar su estudio de grabación donde se encontraban los masters de sus grabaciones así como su guitarra acústica Gibson Dove. La casa fue reconstruida poco después con materiales ignífugos.


Dylan, Lynne, Petty, Harrison y Orbison

Al año siguiente Tom fue uno de los fundadores junto con Bob Dylan, George Harrison, Roy Orbison y Jeff Lynne del grupo Traveling Wilburys. El primer tema de la banda, 'Handle with care' estaba pensado en principio para ser cara B de un nuevo single de George Harrison. Como les pareció demasiado bueno para ello, acabaron grabando un álbum completo, 'Traveling Wilburys Vol 1', en el que Tom contribuyó con los temas 'Last night' y 'Margarita'. La repentina muerte de Roy Orbison en 1988 hizo que se plantearan sustituirlo por Del Shannon, pero éste se suicidó dos años después. En 1990 apareció 'The Traveling Wilburys Vol 3', de menor repercusión.

Full Moon Fever (1989)

En 1989 Petty publicó 'Full Moon Fever', con los hits 'I won't back down', 'Free fallin' y 'Runnin' down a dream'. Fue su primer álbum en solitario, nominalmente, porque colaboraron en él varios miembros de los Heartbreakers además de otros músicos conocidos. Mike Campbell co-produjo el álbum junto con Petty y Jeff Lynne. Los otros músicos incluían a Roy Orbison y George Harrison. (Aunque Ringo Starr aparecía en el video de 'I wont back down', la batería la tocó Phil Jones). Como participaron en el disco todos los integrantes de los Traveling Wilburys, menos Bob Dylan, muchos consideran este álbum, el 'Traveling Wilburys Vol2' no oficial.

Into the Great Wide Open (1991)

En 1991 se reunieron de nuevo Tom Petty y sus Heartbreakers para grabar 'Into the Great Wide Open', co-producido por Jeff Lynne. Incluía los hits 'Learning to fly' e 'Into the great wide open'. Antes de abandonar MCA Records, grabaron un par de temas más: 'Mary Jane's last dance' y la versión de Thunderclap Newman 'Something in the air' para incluirlos en la recopilación 'Greatest Hits', que vendió más de 10 millones de copias, siendo su disco de mayor éxito comercial hasta la fecha.
En 1994, ya con Warner Bros, Petty lanzó su segundo álbum sin los Heartbreakers, 'Wildflowers', merecedor de dos premios Grammy, que también tuvo canciones de éxito como 'You don't know how it feels', 'You wreck me', 'It's good to be king', 'A higher place' y 'Honey bee'.

Echo (1999)

Desde entonces ha publicado tres álbumes más con los Heartbreakers, 'Songs and Music from 'She's the one' (1986); 'Echo'(1999), con temas como 'Free girl now', 'Swingin'' y 'Room at the top'; 'The Last DJ' (2002), en el que Petty se despacha a gusto con la industria discográfica con temas como 'The last DJ', 'Money becomes king', 'Joe' y 'Can't stop the sun' y otro álbum en solitario, 'Highway Companion' (2006), también producido por Jeff Lynne, con temas como 'Saving grace' y 'Big weekend', que además coincidió con el 30 aniversario de Tom Petty & the Heartbreakers.

Mudcrutch en 2008

El año 2002 Tom participó en el concierto homenaje celebrado en Londres en el primer aniversario de la muerte de George Harrison. En agosto de 2007, Tom Petty invitó a los miembros originales de Mudcrutch, Randall Marsh y Tom Leadon a reunirse con Benmont Tench y Mike Campbell de los Heartbreakers para refomar Mudcrutch. Antes de que su casa discográfica quebrara en 1975, habían grabado varias maquetas que nunca habían tenido la oportunidad de registrar en disco. En 2008 publicaron el álbum 'Mudcrutch' con estos viejos temas y algunos más de reciente composición.
El mes de junio de 2010 apareció el 12º álbum de Tom Petty & the Heartbreakers, 'Mojo', el primer álbum de la banda en ocho años y en el que recuperan al bajista Ron Blair. Su trabajo más reciente, 'Hypnotic Eye' se publicó en julio de 2014 y debutó en las listas de Billboard 200 directamente en el nº 1.



1937
Nace Wanda Jackson
Hoy cumple 77 años la guitarrista y cantante norteamericana Wanda Jackson, nacida en Maud (Oklahoma). A mediados de los cincuenta Wanda fue de las primeras cantantes de rockabilly, conocida por muchos como la 'Primera Dama' y la 'Reina del Rockabilly'.

Jackson mezclaba en su repertorio música country tradicional con trepidantes temas rockabilly y cuando el estilo perdió popularidad a mediados de los sesenta, pasó a tener una brillante carrera en el country. En los años ochenta y noventa su música resurgió gracias al movimiento revival de bandas rockabilly europeas y en 2009 fue admitida en el Salón de la Fama del Rock and Roll como 'figura de influencia temprana'. En 2011 publicó un álbum producido por Jack White, en el que Wanda demuestra que nunca se es lo suficientemente viejo para el rock'n'roll.

Aunque nacida en Oklahoma, desde los cuatro años Wanda Jackson se crió en California. Su padre, músico, le compró una guitarra y la animó a aprender. También la llevaba a ver en directo a músicos como Spade Cooley, Tex Williams y Bob Wills, quienes dejaron su huella en la pequeña Wanda. En 1948 la familia regresó a Oklahoma, y unos años después, ganó un concurso de talentos que le permitió tener un programa propio de radio de quince minutos el cual se emitía a diario por una emisora local y en el que cantaba sus canciones.

El cantante Hank Thompson la oyó cantar y la invitó a cantar con su banda, los Brazos Valley Boys. Grabó un par de canciones en el sello de Thompson, Capitol Records, como 'You can't have my love', cantada a dúo con Billy Gray, el líder de la banda de Hank. La canción fue publicada en single y alcanzó el puesto 8 de las listas de country. Wanda pidió ser contratada por Capitol, pero el productor Ken Nelson le dijo: 'Las chicas no venden discos'. Wanda probó fortuna con Decca y ellos sí firmaron con ella. Tras terminar sus estudios, Jackson comenzó a realizar giras acompañada de su padre. En alguna de ellas coincidió con Elvis Presley -con el que tuvo una breve relación-, quien la animó a pasarse al rockabilly. En 1956, Ken Nelson de Capitol, enmendó su error y contrató a Wanda para grabar una serie de singles en los que mezclaban el country con el rock and roll. 'I gotta know', alcanzó el puesto 15 en las listas country.

Durante estos años, los vestidos que Wanda llevaba en escena estaban diseñados por su madre. A diferencia del resto de mujeres del country que solían llevar vestidos tradicionales, Wanda aparecía con faldas de flecos, tacones y largos pendientes, siendo de las primeras que introdujeron el 'glamour' en la escena country. Siguió grabando discos hasta el final de la década, en los que pedía al productor Ken Nelson que sus discos sonaran como los de sus compañeros de sello Gene Vincent and the Blue Caps. Nelson contrataba para las sesiones a experimentados músicos de sesión, incluyendo al pianista Merill Moore y a un entonces desconocido Buck Owens.

Con su personal y único estilo vocal y su animado repertorio, Jackson grabó varios temas que tuvieron su influencia en el rock and roll de aquellos tiempos, como 'Hot dog! That made him mad', 'Mean, mean man', 'Honey bop' y 'Fujiyama mama', que fue nº 1 en Japón a pesar de sus referencias a las bombas lanzadas en 1945: "I've been to Nagasaki, Hiroshima too / The things I did to them baby, I can do to you" (Estuve en Nagasaki, también en Hiroshima / Las cosas que les hice / no te las puedo hacer a tí, baby). Aunque en EE.UU no pasaban de ser hits regionales, en Europa y Japón sus fans crecían en número. En febrero y marzo de 1959 realizó sendas giras por Japón.

En 1960 consiguió un Top 40 en las listas pop con 'Let's have a party', un tema que Presley estrenó como 'Party' en la película 'Loving You' (1957). Le acompañan en esta grabación los Blue Caps. En directo, Wanda tenía su propia banda llamada The Party Timers, con el pianista Big Al Downing y el guitarrista Roy Clark en sus filas.

Su carrera en el country también empezó a despegar con el tema 'Right or wrong' y 'In the middle of the heartache', ambas Top 10 en las listas country y Top 40 en las de pop. El repentino éxito de sus discos, llevó a Capitol Records a reeditar todo su material de rock'n'roll de los años cincuenta en dos álbumes, 'Rockin' with Wanda' y 'There's a party goin' on', que incluían temas como 'Tongue tied' y 'Riot in the cell block #9'. Sus siguientes álbumes 'Right or wrong' (1961) y 'Wonderful Wanda' (1962) contenían temas como 'Slippin' and slidin', 'Brown eyed handsome man', 'Stupid cupid', 'Little bitty tear' y 'If I cried every time you hurt me'. En 1963 publicó 'Two sides of Wanda' en el que alternaba temas de rock'n'roll con temas country e incluía el tema 'Whole lotta shakin' going on', de Jerry Lee Lewis. Por este álbum fue nominada por primera vez a un Grammy.

A comienzos del año 1965, Jackson fue invitada por el sello asociado a Capitol en Alemania, Electrola, a grabar en alemán. Su single debut en lengua extranjera fue 'Santo Domingo'. Alcanzó el Top 5 de las listas alemanas y fue considerada una estrella del rock, sobre todo gracias a la revista juvenil 'Bravo' que hizo una gran promoción de la artista. Hasta 1968, Wanda grabaría ocho singles más en alemán que fueron recogidos en el álbum 'Made in Germany'. Entre ellos, 'Doch dann kam Johnny', 'Ohne Sterne' y 'Wenn der Abschied kommt', éxitos en Alemania. También grabó en holandés ('Morgen, ja morgen') y japonés.

Cuando la música rockabilly perdió su popularidad a mediados de los años sesenta, Wanda se concentró en el mercado country, donde durante los siguientes diez años obtendría varios hits como 'The box it came in' (1966), 'Tears will be the chaser for your wine', 'Both sides of the line' (1967), 'A girl don't have to drink to have fun' (1968), 'My big iron skillet' (1969), 'A woman lives for love' (1970), 'Fancy satin pillows' y 'Back then' (1971).

Al principio de los años setenta Wanda y su marido pasan por una etapa religiosa y se convierten en 'cristianos renacidos', por lo que Wanda pasó a grabar música gospel y en 1972 se publicó 'Praise the Lord'. Finalizado su contrato con Capitol Records, Wanda siguió grabando en pequeños sellos relacionados con la iglesia evangélica. Aunque ella pretendía grabar una mezcla de country y gospel, los sellos en los que grababa no estaban interesados.

A comienzos de los años ochenta surgió en Europa una corriente nostálgica por el rockabilly. Wanda fue invitada a actuar allí y estuvo realizando giras por Escandinavia, Inglaterra y Alemania, al mismo tiempo que su música seguía ejerciendo influencia en nuevos valores country como Pam Tillis, Jann Browne y Rosie Flores. Precisamente con Rosie Flores se embarcó Wanda en 1995 en una gira por EE.UU, la primera que realizaba por allí en casi 25 años. En 2003 grabó su primer álbum desde los ochenta, 'Heart Trouble', en el que contaba con colaboraciones de Elvis Costello, The Cramps y Rosie Flores. 

En 2009 se anunció que Wanda Jackson estaba trabajando con Jack White. El resultado fue el álbum 'The Party Ain't Over' (2011), que fue presentado en enero de 2011 en el programa de David Letterman. Entre otros otros temas el álbum incluye versiones de viejos éxitos del rock, como 'Rip it up' y 'Nervous breakdown', así como un tema de Bob Dylan ('Thunder on the Mountain') y otro de Amy Winehouse ('You know that I'm no good').
Su última entrega hasta la fecha y el que hace el álbum nº 31 de su discografía ha sido 'Unfinished Business' (2012) publicado en Sugar Hill Records y producido por Justin Twones Earle. 



2003
Texas lanza 'Careful what you wish for'
Careful what you wish for, lo nuevo de Sharleen Spiteri y los suyos vio la luz un día como hoy de 2003. Doce nuevos temas entre los que se encontraban canciones como Carousel dub, Big sleep, Telephone x, I see it through y Place in my world que mostraban una banda que sigue evolucionando buscando nuevas formas de ver y entender la música.

En esta ocasión, los de Glasgow echaban la vista hacia la New wave neoyorquina. "Posee mucha energía y es muy divertido, además, nos da una sonido que hace que no podamos ser comparados con ninguna otra banda de Reino Unido en estos momentos", comentaba la líder de la banda, Sharleen Spiteri, a la publicación Musicweek.



1958
Nace Mark King (Level 42)
Nació en Cowes (Reino Unido). Fue el fundador del grupo funky pop, Level 42. La banda que se creó en Manchester en 1980, acredita éxitos como Running in the family, Lessons in love, Guaranteed y Something about you, que entró en el Top 10 de Billboard, en el puesto nº 7.

Aunque la banda nunca ha anunciado públicamente que se separara, Mark King, su líder, cantante y bajista, ha publicado dos álbumes como solista. El último de ellos fue One man (1999).



1988
Geri Halliwell es nombrada embajadora de la ONU
Un día como hoy la ex Spice Girl fue distinguida como embajadora de la ONU. Su misión: ineterceder en su país, Inglaterra, en temas relacionados con reproducción asistida a mujeres y educación sexual.

Ese mismo día, también Luciano Pavarotti y Magic Johnson recibieron el nombramiento de embajadores de este organismo internacional. Los tres fueron distinguidos como tal por The United Nations Population Fund (UNFPA). En su discurso de agradecimiento Geri Halliwell agradeció el nombramiento y afirmó: "desde que soy popular siempre he defendido la independencia de las mujeres y el respeto por sus derechos fundamentales".

Lars Ulrich estuvo a punto de ser despedido de Metallica

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Fuente: Rolling Stone
El guitarrista de Anthrax, Scott Ian, comenta que el baterista Lars Ulrich tuvo pie y medio fuera de la banda a mitad de los ochenta.

El miembro fundador y todavía hoy baterista de Metallica, el carismático Lars Ulrich, estuvo a punto de ser despedido de la banda, según ha revelado el guitarrista de la banda amiga Anthrax, Scott Ian.

Este despido estuvo cerca de producirse en 1986, pero cuando falleció trágicamente el bajista Cliff Burton en accidente de circulación (en septiembre de aquel año), finalmente el resto de miembros del grupo, esto es, James Hetfield y Kirk Hammett,decidieron mantener a Ulrich.

“La cuestión es que ellos habían decidido hacer un cambio y conseguir un nuevo baterista. A todos nos sorprendió, porqué la banda eran ellos cuatro. Fue algo como ‘¡guau! ¿en serio?’ Y ellos respondieron que cuando acabaran aquella gira, buscarían un nuevo baterista”, ha relatado Scott Ian a Blabbermouth.

En esta línea, Ian ha añadido lo siguiente: “Obviamente, la historia giró para Metallica y se convirtieron en una de las bandas más grandes del planeta. Estoy feliz de todo eso… porque después de todo las cosas les salieron bien a mis amigos”.

Lars Ulrich fue uno de los fundadores de Metallica en 1981, junto al vocalista y guitarrista James Hetfield. A ellos dos pronto se sumaron el bajista Cliff Burton y el también guitarrista Dave Mustaine. Cuesta imaginar cómo habría sido la historia de la banda si el baterista hubiera sido despedido a mitad de los ochenta.

George Harrison: El beatle más desdichado

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Fuente: Rolling Stone
Se reeditan los discos de la etapa más fértil del músico, cuando grababa para Apple Records. Allí encontrarás más –y menos– de lo que imaginabas. El “beatle tranquilo” tenía más púas que un puercoespín.

1971. Con los Beatles ya desintegrados, George Harrison lleva ventaja a sus compañeros. Ya cuenta con dos elepés a su nombre, ambos atípicos: La orientalista banda sonora de Wonderwall y su precoz inmersión en el sintetizador (Electronic sound).En los círculos musicales, es considerado un MVP, un colega valioso, y se le requiere como guitarrista: Paladeando un relativo anonimato, se ha incorporado a la caravana de gitanos que son Delaney & Bonnie and Friends. Se desenvuelve bien como productor de Jackie Lomax, amigo de Liverpool, o de artistas soul tipo Billy Preston y Doris Troy. Hasta ha colocado en las listas los cánticos del Radha Krishna Temple.


Sobre todo, George quiere dejar atrás a los Beatles. Ningún cariño por el grupo: Lo considera más un castigo que una parte de su identidad. El doloroso ninguneo al que ha sido sometido allí, especialmente por parte de Paul, le ha permitido acumular un buen stock de canciones inéditas, que van a engrosar lo que será todo un triple álbum, All things must pass(1970). Lleva el subidón de autoestima derivado de que Bob Dylan le trata de igual a igual: Han compuesto temas juntos.

Y sin embargo, todo se va al carajo a lo largo de los años setenta. Harrison sale con mucha fuerza pero no mantiene su impulso. Tiene un estilo reconocible, entre el pop y el góspel, con una voz implorante, todo iluminado por una guitarra altamente melódica, incluso cuando usa la slide. Pero le falta confianza: Para desesperación de compañeros e ingenieros, repite tomas hasta la extenuación.

Descubre que no le llena el directo y, lo que es peor, desprecia a su público: Los fans son sucios, groseros, nada evolucionados en lo espiritual. “Terminó el concierto y estaban recogiendo montañas de botellas, zapatos, abrigos, sostenes, basura. Había tanto humo de porro que te colocabas simplemente al respirar. Y me pregunté: ¿En verdad tengo algo en común con estas personas?”.

George Harrison con los Beatles en Abbey Road Studios, en el programa ‘Our World’ en 1967. ® David Magnus/REX

En 1976, cuando se saca el obligado The best of George Harrison, sus éxitos son tan escasos que EMI llena toda una cara con temas suyos extraídos del catálogo de los Beatles. Se ha ido quedando sin público, ha perdido el respeto de la industria. Diez años después de All things must pass, cuando muere Lennon, George está pasando por una experiencia humillante: A & M, la distribuidora de su sello particular, Dark Horse, ha rechazado lo que será Somewhere in England (1981), obligándole a presentar maquetas de nuevos temas que tengan gancho comercial. Típicamente, es el último en enterarse del asesinato: Le llaman todos, familiares y amigos, pero no lo oye; ha colocado el teléfono lejos de su dormitorio.

Es una perfecta metáfora de su aislamiento. Se ha enclaustrado en Friars Park, una mansión alucinante en la que cree tener todo lo que necesita, incluyendo uno de los primeros estudios británicos de 16 pistas. Sin embargo, el mundo no le deja solo. Sabemos que de los cuatro fue quien menos disfrutó de la beatlemanía pero, en los albores de los 70 no puede imaginar que el proceso de romper la relación contractual (y repartir los cuantiosos despojos) resultará tan prolongado, agonizante, cruel.

Hasta sus grandes hazañas se le vuelven en contra. Se podría afirmar que su campaña de ayuda a los refugiados de Bangladesh fue la más decisiva intervención política de un beatle: en 1971, como revelarían las “cintas de la Casa Blanca”, Nixon y su sicario Henry Kissinger pretenden dar una lección a la orgullosa India, incitando a Pakistán y China a atacarla, para provocar una guerra en dos frentes. Y de repente allí está Harrison en todas las emisoras, cantando a la tragedia de una región que nadie sabría situar en el mapa. Ya no pueden jugar a sus juegos bélicos.

George Harrison y Eric Clapton actuando en el ‘Concert for Bangladesh’ en el Madison Square Garden, NY, en 1971. © Bettmann/CORBIS

El Concert for Bangladesh (1971) crea el modelo de intervención humanitaria para el pop: El concierto benéfico, filmado y grabado. Sin embargo, nadie ha pensado en registrarlo como una asociación caritativa. Resultado: No les conceden exenciones fiscales y el propio Harrison termina pagando una millonada al computarse sus donaciones como ingresos por su trabajo.

Y ahí le duele. Ya en 1966, Harrison verbaliza su antipatía por los impuestos con su memorable Taxman, que reacciona contra los altísimos porcentajes implantados por el Partido Laborista. Generoso con causas cercanas a su corazón, especialmente las religiosas, hace todo lo posible para pagar lo mínimo al Estado. En 1973, ficha como mánager a Denis O’Brien, abogado y banquero estadounidense. Su especialidad: Evadir impuestos, con un laberinto de empresas que mueven el dinero entre paraísos fiscales.

En 1995, convencido de que O’Brien le está robando, Harrison le lleva a juicio y gana. Pero el sistema de defraudación resulta tan complejo que solo puede recuperar una fracción de los 12 millones de dólares reconocidos por la sentencia. Y sin embargo, ese Estado expropiador, al que tanto detesta, le salvará la vida: Son los servicios de emergencia los que evitan que se desangre a finales de 1999, acuchillado con saña por un loco que invade Friars Park.

Fotograma de ‘La vida de Brian’

Otra de las fobias de Harrison es el Cristianismo. Hipoteca su casa para que los de Monty Python puedan rodar La vida de Brian a finales de los setenta; si lo hubiera intentado en los tiempos actuales, con los medios ultra derechistas buscando gresca, fácilmente habría sido crucificado. De todos modos, el éxito de las aventuras de Brian le empuja a implicarse más en su productora cinematográfica, llamada HandMade Films. Una empresa que –suele ocurrir en el cine- se arruina en 1991. Descubre entonces una de las argucias de su mánager: Por contrato, se reparten los beneficios al 50% pero Harrison es responsable de TODAS las pérdidas.

Harrison despide a los empleados de HandMade mediante un fax. Otra muestra de su escasa empatía con la humanidad que le rodea, que ya conocen los trabajadores de Apple: En tiempos de crisis, cuando urge tomar alguna decisión, George responde a las ansiosas preguntas entonando algún mantra hinduista. Para un aspirante a la santidad, tiene un arte especial para putear a sus subordinados. Que conste que también puede ser agradable con desconocidos, como testimonian los que le reconocen en España, que visita de incógnito.

Pero su antipatía por el género humano le lleva a costosas batallas judiciales: Se empeña en impedir el derecho de paso en su residencia playera de Hawai; se siente “violado” por cualquiera que camine por su orilla del mar. Su misantropía se agudiza cuando se trata de periodistas. A diferencia de los astutos Lennon y McCartney, que cuentan con plumillas “consentidos” a los que pueden recurrir para entrevistas y libros favorecedores, no tiene aliados en el Cuarto Poder. Cuando en 1980 publica I, me, mine, una especie de autobiografía (inicialmente, sólo disponible en edición de ultralujo), se sirve del fiel Derek Taylor, jefe de prensa en Apple.

Así que toma decisiones comercialmente suicidas, como no promocionar Gone troppo (1982), despreciando el ABC de la mercadotecnia: Tú cedes un poco de tu precioso tiempo y los medios te dan gratuitamente páginas y minutos; a poco listo que seas, encima consigues retratos amables y puedes conquistar el cariño del gran público.

Aquí sí que le sirve la fama del “beatle tranquilo”. Mientras Ringo, Paul y no digamos John meten la pata constantemente, ante el fascinado horror del resto del planeta, Harrison pasa mayormente desapercibido. La prensa sensacionalista no sigue la pista del libro escrito por unas prostitutas high class de Hollywood, donde se detalla alguna peculiaridad sexual de George.

La modelo Pattie Boyd, esposa de George Harrison y de Eric Claption. ® Michael Ward/Getty Images

Tampoco se menciona su consumo de alcohol y cocaína en cantidades industriales. No se explora su fascinación por la Fórmula 1, que aparentemente chirría en su leyenda de hombre espiritual. O la insólita implicación en el Natural Law Party, una sospechosa ocurrencia del Maharishi Manesh Yogi: George incluso propone a Ringo y Paul que los tres se presenten como candidatos al Parlamento británico.

Dentro o fuera de los Beatles, los cuatro han llevado una animada vida sexual. Pero la de Harrison resulta más… retorcida. Para los anales de los usos amorosos del rock ha quedado su indiferencia ante el persistente cortejo que hace Eric Clapton a su mujer. Pero esta, Pattie Boyd, ya ha vivido complejos triángulos en Friars Park con amigas, o incluso con su hermana Paula; también Pattie ha probado con Ron Wood.

Aunque nada comparable con el terremoto que, hacia 1973, provoca George al informar a Ringo de que se ha enamorado de su esposa Maureen y que ella le corresponde. Es el momento en que aquella comedia de cuernos casi termina en tragedia. Tan gran pasión no dura mucho pero la infidelidad acaba con el matrimonio Starkey. Es algo más que cotilleo barato: El episodio muestra a Harrison ejerciendo una especie de derecho de pernada, al estilo de un señor medieval.

Entre paréntesis: Felizmente para su reputación, Harrison nunca ha sido triturado en público, al estilo del libro de 1988 de Albert Goldman sobre Lennon (o, menos sangrante, la biografía no autorizada de Chet Flippo sobre McCartney, también del 88). Tras su muerte, la viuda lanza la película hagiográfica Living in the material world (2011), que lleva la firma del Martin Scorsese más mercenario: Allí desaparecen las aristas del personaje, depurado mediante unos métodos (control del uso de las canciones, alteración de la verdad histórica, eliminación de bloques de años) perfeccionados por Yoko Ono.

Y eso que Harrison deja abundantes flancos al descubierto. Por ejemplo, su particular visión de la propiedad intelectual. En All things must pass, hay dos deslices: Primero, una felicitación de cumpleaños a Lennon (It’s Johnny’s birthday) que parte del Congratulations, de Cliff Richard; una tontería pero los autores amenazan y cobran.

George Harrison actuando en 1969. Está tocando “Lucy”, la Gibson Les Paul que le regaló Eric Clapton. ® Jan Persson/Redferns

Segundo, el gran parecido del super éxito My sweet lord con el He’s so fine, de las Chiffons, difundida en 1963. Aun aceptando la excusa harrisoniana (“una jugarreta del subconsciente”), flipas al pensar que ninguno de los presentes –incluso un productor con mentalidad enciclopédica, como Phil Spector– se atreve a advertir a George de los peligros del plagio. Así son las cosas en 1971: Un exbeatle está por encima del bien y del mal.

Pero no queda libre de tormentos judiciales. La demanda se arrastra a lo largo de la década de los setenta y mancha para siempre su momento de gloria. Muestra además la industria de la música en su faceta más rastrera: El antiguo gestor de los Beatles, Allen Klein, adquiere la editorial propietaria de He’s so fine, para sangrar mejor a Harrison y satisfacer su rencor; hasta el juez advierte la suciedad de la operación.

Aunque, en cuestión de rencores, Harrison tiene todo un máster. Digiere las maldades que suelta Lennon en sus famosas entrevistas a calzón quitado, ya que existe una hermandad subterránea entre ambos, fortalecida en las sesiones compartidas de LSD. Pero George no perdona a McCartney, por sus modos imperiosos cuando intenta alargar la vida de los Beatles y por el desprecio hacia su talento como autor. De hecho, en la pelea por los Beatles, Harrison llega a aceptar la prolongación si se reparten las tareas de composición entre los tres (no, Ringo no cuenta). Una solución democrática pero no mágica: Creedence Clearwater Revival se rompió tras hacer exactamente eso en Mardi Gras (1972).

De forma automática, hasta el final, George Harrison suele votar contra las sugerencias de McCartney en las juntas de propietarios de Apple Corps. Rechaza el título de The long and winding road para la monumental historia de los Beatles que desarrolla Neil Aspinall: ¡es una canción de Paul! Pactan finalmente un nombre anodino, Anthology.

También veta una y otra vez la publicación de Carnival of light, pieza experimental hecha por McCartney en 1967. “No son los Beatles”, argumenta, aunque lo mismo podría afirmarse de Revolution 9. Para Paul, Carnival of light es esencial, la evidencia central en su estrategia de presentarse, por lo menos en el esplendor de la contracultura, como el Beatle más abierto a las vanguardias. Respuesta de Harrison: “Avant-garde es cómo los franceses dicen caca de vaca”.

Estamos hablando, recuerden, del beatle que facilita la sátira más letal del grupo con su respaldo a The Rutles y el falso documental All you need is cash (1978). El beatle que finalmente rompe la intangibilidad de las grabaciones originales: Su amistad con Guy Laliberte, el dueño del Cirque du Soleil, allana el camino para Love (2006), un espectáculo para Las Vegas, basado en una reconstrucción radical de los masters, un mashup (injerto) finalmente realizado por Giles Martin, el hijo de George.

A Harrison no le sirven las soluciones profesionales de Macca: Huir hacia adelante, girar frecuentemente para conectar con las multitudes y reivindicar su relevancia. Es Clapton quién le empuja a la gira por Japón en 1991, tal vez recordando que la terapia del directo le ayudó en su batalla contra la heroína. Y Harrison cumple con los doce conciertos nipones pero ni modo de prolongarlo por el rico mercado que le está esperando: Estados Unidos.

George Harrison con su mujer Olivia, en 1978. ® AFP/Getty Images

Sólo muestra entusiasmo en The Traveling Wilburys, el supergrupo donde participan Bob Dylan, Tom Petty, Roy Orbison y el temible Jeff Lynne. Aquí sí que necesitaríamos la opinión experta de un psicoanalista: Harrison disfruta al estar en compañía de gigantes, diluyendo su responsabilidad. Prefiere que no haya grandes planes, más allá del puro deleite de crear música espontáneamente. Cuando se habla de ponerse on the road, George se echa atrás.

Asegura Olivia Arias, la viuda, que en sus últimos años Harrison logra su ambición: El carecer de ambiciones. ¿Seguía creyendo en el karma? Parece rondarle un espíritu maligno: El cáncer acaba con Maureen, Linda McCartney, Derek Taylor, hasta su querido Carl Perkins. Cuando le toca a él, sufre indignidades: Debilitado por el tratamiento, le visita un médico acompañado de su hijo. Quiere que la criatura toque para el moribundo. Cuando Harrison logra articular que necesita estar solo, el intruso le obliga a firmar en la guitarra del niño. Literalmente: La beatlemanía le persigue hasta el lecho de muerte.

Michael Jackson y Elvis Presley, los muertos que más dinero ganan


Fuente: Rolling Stone
Les siguen Charlie Schultz, Elizabeth Taylor y Bob Marley, según Forbes.

Por cuarta vez en los últimos cinco años, Michael Jackson (fallecido en junio de 2009) lidera la lista de muertos que más dinero generan, en esta ocasión con un incremento en su patrimonio de 110 millones de euros.

Las ganancias de Michael Jackson vienen sobre todo de sus dos espectáculos del Cirque du Soleil, One e Inmortal. A ellos hay que sumar su disco póstumo de este año, Xscape, así como su catálogo musical y su imperio editorial.

A Michael le siguen en ganancias durante los últimos doce meses Elvis Presley (fallecido en 1977) con 43 millones de euros, y el dibujante Charlie Schultz con 31 millones de euros.

El cuarto puesto lo ocupa con 19.5 millones de euros la actriz Elizabeth Taylor, fallecida en 2011 y la única que en el último lustro ha sido capaz (en 2012) de destronar a Jacko.

Bob Marley, fallecido en 1981, cierra el ‘top 5’ con 15.6 millones de euros. A continuación repasamos los diez primeros puestos:

Michael Jackson (110 millones de euros)

Elvis Presley (43 millones de euros)

Charlie Schultz (31 millones de euros)

Elizabeth Taylor (19.5 millones de euros

Bob Marley (15.6 millones de euros)

Marilyn Monroe (11.7 millones de euros)

John Lennon (9.4 millones de euros)

Albert Einstein (7.8 millones de euros)

Bettie Page (7.8 millones de euros)

Theodor Geisel (7 millones de euros)

La primera foto de AC/DC sin Malcolm Young

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Fuente: Rolling Stone
Tampoco aparece en ella el batería Phil Rudd, aunque la banda asegura que no pudo asistir a las sesiones de fotos por una "emergencia familiar".

AC/DC acaban de publicar en su página web su primera foto promocional sin Malcolm Young, tras haber anunciado recientemente su oficial marcha de la banda por sufrir de demencia. Su sustituto oficial, tanto en la foto como en la grabación del disco y los directos, es Stevie Young, sobrino de Malcolm. 

Otro cambio llamativo en la fotografía es la ausencia de Phil Rudd, batería de la banda, si bien para esto al parecer no hay razón alarmante, pues Brian Johnson ha asegurado ante la insistencia de los fans que Rudd no pudo estar presente en las sesiones de fotos por una “emergencia familiar”. Rob Richards, de Shogun, lo sustituyó durante el rodaje del clip.

Las fotos fueron tomadas durante las sesiones de grabación de los videoclips de dos de sus nuevos temas, Play ball y Rock or bust, que da nombre al álbum.

Novedades discográficas...


Fuente: AllMusic
Estos son algunos de los discos que han salido a la venta en los últimos días:

Sweet Talker
Jessie J
Sweet Talker
Island / Lava / Republic
Pop
Black Star Elephant
Nico & Vinz
Black Star Elephant
Warner Bros.
Contemporary R&B
Trick
Kele
Trick
Lilac
Alternative/Indie Rock
Slap Back
Sallie Ford
Slap Back
Vanguard
Alternative/Indie Rock
Blood Moon: Year of the…
Game
Blood Moon: Year of the…
Entertainment One Music / eOne
Gangsta Rap
No Energy
Unwound
No Energy
Numero / Numero Group
Alternative/Indie Rock
Hold It In
Melvins
Hold It In
Ipecac
Alternative Metal
Memoirs of a Madman
Ozzy Osbourne
Memoirs of a Madman
Epic / Legacy / Sony Music
Album Rock
...And Star Power
Foxygen
...And Star Power
Jagjaguwar
Neo-Psychedelia
Otherness
Kindness
Otherness
Female Energy
Alternative R&B
Dear You
Meiko
Dear You
Fantasy
Alternative Singer/Songwriter
Spin-O-Rama
The Primitives
Spin-O-Rama
Elefant
Indie Pop
People Keep Talking
Hoodie Allen
People Keep Talking
Hoodie Allen, LLC
Pop-Rap
American Middle Class
Angaleena Presley
American Middle Class
Slate Creek Records
Contemporary Country
The Art of Conversation
Kenny Barron
The Art of Conversation
Blue Note / Impulse!
Straight-Ahead Jazz
Human Zoo
Electric Six
Human Zoo
Metropolis
Indie Rock
Unravelling
We Were Promised Jetpacks
Unravelling
Fat Cat / FatCat Records
Alternative/Indie Rock
No One Is Lost
Stars
No One Is Lost
ATO
Indie Pop
How I Learned to Write…
The Aislers Set
How I Learned to Write…
Suicide Squeeze
Alternative/Indie Rock
Lucky 13
Chris Duarte
Lucky 13
Blues Bureau International
Blues-Rock
Goats
Xylouris White
Goats
Other Music Recording Company
Experimental
Andrew McMahon in the…
Andrew McMahon In the Wilderness
Andrew McMahon in the…
Vanguard
Indie Electronic
Bathtub Love Killings
Olivia Jean
Bathtub Love Killings
Third Man Records
Alternative/Indie Rock
Worker
Jacob Fred Jazz Odyssey
Worker
The Royal Potato / Royal Potato Family Records
Avant-Garde Jazz
Blood In, Blood Out
Exodus
Blood In, Blood Out
Nuclear Blast
Speed/Thrash Metal
Ragged & Dirty
Devon Allman
Ragged & Dirty
Ruf Records
Blues-Rock
Still Life
Kevin Morby
Still Life
Woodsist
Indie Rock
Shaken
Maggie Björklund
Shaken
Bloodshot
Alternative Singer/Songwriter
Meatbodies
Meatbodies
Meatbodies
In the Red Records
Alternative/Indie Rock
Museum of Love
Museum of Love
Museum of Love
DFA
Alternative/Indie Rock
Our Time Will Come
KMFDM
Our Time Will Come
Metropolis
Alternative/Indie Rock
The  Swon Brothers
The Swon Brothers
The Swon Brothers
Arista / Sony Music
Country-Pop
The Night Is Young
The 2 Bears
The Night Is Young
Southern Fried
Club/Dance
This Is the Young Sinclairs
The Young Sinclairs
This Is the Young Sinclairs
Ample Play
Alternative/Indie Rock
Pink Palms
The Bots
Pink Palms
Fader
Alternative/Indie Rock
Film of Life
Tony Allen
Film of Life
Jazz Village
Afro-beat
Animal Mother
Today Is the Day
Animal Mother
Southern Lord Records
Heavy Metal
Bestial Burden
Pharmakon
Bestial Burden
Sacred Bones
Noise
Keep Me in Your Heart…
Madeleine Peyroux
Keep Me in Your Heart…
Rounder
Jazz
Bloodmines
Baptists
Bloodmines
Southern Lord Records
Heavy Metal
Tomorrow Was the Golden…
Bing & Ruth
Tomorrow Was the Golden…
RVNG Intl.
Post-Rock
Legao
Erlend Øye
Legao
Bubbles
Alternative Singer/Songwriter
Indian Ocean
Frazey Ford
Indian Ocean
Nettwerk
Alternative/Indie Rock
Greylag
Greylag
Greylag
Dead Oceans Records
Indie Rock
Absolutely Free
Absolutely Free
Absolutely Free
Lefse Records
Indie Rock
Last Ex
Last Ex
Last Ex
Constellation
Alternative/Indie Rock
After the Rain
Locust
After the Rain
Editions Mego
Ambient
Wilderness
Jen Wood
Wilderness
New Granada
Alternative Singer/Songwriter
Set Me Free
Jennifer Knapp
Set Me Free
Righteous Babe Records
Alternative Singer/Songwriter
Poison Everything
Obliterations
Poison Everything
Southern Lord Records
Hardcore Punk
I'll Be the Tornado
Dads
I'll Be the Tornado
6131 Records
Indie Rock
With & Without
Future 3
With & Without
Morr Music
Indie Electronic
Yes No Maybe
Moniquea
Yes No Maybe
MoFunk
Neo-Disco
The Movie Album
Till Brönner
The Movie Album
Contemporary Jazz
Carl Nielsen: Symphonies…
Alan Gilbert
Carl Nielsen: Symphonies…
Dacapo
Symphony
Moderato cantabile
François Couturier
Moderato cantabile
ECM New Series
Chamber Music
You Mean the World to…
Jonas Kaufmann
You Mean the World to…
Sony Classical
Opera
Beethoven: The Last Three…
Eric le Sage
Beethoven: The Last Three…
Alpha
Keyboard
The American Masters:…
London Symphony Orchestra
The American Masters:…
Entertainment One Music / eOne
Concerto
Brahms: Sonatas Nos. 1…
Victor Julien-Laferrière
Brahms: Sonatas Nos. 1…
Mirare
Chamber Music