El británico se encuentra trabajando en el próximo álbum de High Flying Birds y dijo que se ha inspirado en la difunta estrella en su proceso creativo.
Desde la dramática separación de la banda exponente de britpop, Oasis, su excompositor y guitarrista, Noel Gallagher, se ha dedicado a su propia agrupación creada en 2009, mismo año en el que los hermanos Gallagher decidieron tomar caminos por separado. Con tres discos de larga duración, Noel Gallagher’s High Flying Birds actualmente se encuentran trabajando en la continuación de 'Who Built the Moon?' publicado en 2017.
Aunque el cantautor señaló unos meses atrás que ya había terminado de escribir y hacer la maqueta del LP justo antes de las festividades de diciembre del año pasado, su proceso creativo ha sido bastante peculiar en comparación a sus anteriores entregas. Reconociendo su cuarto trabajo como un álbum que contendrá “una de las mejores canciones que ha escrito nunca” y con ritmos mayoritariamente orquestales, Gallagher reveló que su inspiración para esta nueva producción ha recibido bastante influencia del ícono del rock-pop, David Bowie.
Para una entrevista en la columna Wired de Daily Star, la cabeza de NGHFB habló de cómo la difunta estrella influyó en una próxima canción llamada 'Pretty Boy'. “Me sentaba hasta altas horas de la noche haciendo la voz [de Bowie], ‘Si esta canción suena como David Bowie, entonces voy a cantarla como David Bowie hasta que la haya escrito”, compartió con el medio. “Todo el álbum tiene una vibración. Hay 10 canciones y seis de ellas tienen cuerdas. Cuando estaba escribiendo estas [nuevas] canciones, sólo oía cuerdas y coros”.
El álbum que tardó un año en escribirse, ahora Gallagher lo define como “Bowie-esque” y “Stones-y”, dejándose llevar por el estilo propio de los Stones, Bowie y hasta de The Cure sin perder la esencia que el británico ha llevado en su carrera musical desde sus primeros días con Oasis. “La gente viene al estudio y les pones el tema y dicen:‘¡Joder! Se me pone la piel de gallina al escucharlo’”, dijo. “Se me olvida, porque estoy tan metido en ella, que sólo son un montón de canciones que quiero terminar para poder escribir más”, concluyó.
Por el momento aún se desconoce la fecha en el que el nuevo disco verá la luz, sin embargo, Noel Gallagher’s High Flying Birds estarán recorriendo los escenarios del Reino Unido en una serie de conciertos junto invitados especiales que iniciará el próximo 4 de junio en Margan, Wales.
Timberlake a Hipgnosis Song Management es el últim en sacar provecho del floreciente mercado de adquisición de canciones.
Justin Timberlake vendió su catálogo de canciones a Hipgnosis Song Management, anunció la compañía el jueves, convirtiéndose en la última superestrella en vender los derechos de sus canciones en el siempre activo mercado de adquisición de música.
Hypgnosis compró el 100 por ciento de los derechos de autor de Timberlake sobre las composiciones musicales que escribió, que incluyen éxitos como 'SexyBack', 'Rock Your Body', 'Suit And Tie' y 'Can’t Stop The Feeling'. Los representantes de Hypgnosis se negaron a compartir detalles financieros sobre la venta.
Timberlake es uno de los artistas más vendidos en la historia de la música pop, primero como miembro de NSYNC y luego como solista. El acuerdo del catálogo es por los derechos de publicación de Timberlake, no por los derechos de grabación, lo que significa que solo se refiere a las canciones que escribió o coescribió. No fue compositor de algunos de los mayores éxitos de NSYNC como ‘Bye Bye Bye’ e ‘It’s Gonna Be Me’, pero escribió o coescribió la mayoría de sus éxitos como solista.
“Estoy emocionado de asociarme con [el CEO y fundador de Hipgnosis] Merck [Mercuriadis] e Hipgnosis: él valora a los artistas y su trabajo creativo y siempre ha sido un firme partidario de los compositores y la narración de historias”, dijo Timberlake en un comunicado. «Espero con ansias entrar en este próximo capítulo».
Timberlake es uno de los muchos artistas que han vendido sus catálogos de canciones en los últimos años. Otros creadores de éxitos pop como Ryan Tedder y Bruno Mars también han vendido sus derechos de publicación, pero la tendencia ha sido particularmente popular entre los actos más antiguos que dejaron sus legados musicales en manos de las compañías de música mientras tomaban grandes sumas de dinero para ellos y sus familias. Bob Dylan y Bruce Springsteen vendieron sus derechos de publicación y grabación por cientos de millones de dólares el año pasado, mientras que Pink Floyd supuestamente está comprando su catálogo y probablemente obtendrá cifras similares.
Si bien los artistas obtienen un pago inmediato, los compradores como Hipgnosis esperan obtener canciones en más programas de televisión, películas y videojuegos, beneficiarse de los ingresos pasivos de un éxito de buena fe o incluso poner la canción en manos de otros artistas para generar un nuevo potencial golpes fuera de ellos.
Hypgnosis, fundada por el ex gerente musical Mercuriadis , ha sido una fuerza clave para impulsar el actual auge de los catálogos, brindando a artistas, compositores y productores ofertas nunca antes vistas por los derechos de su música. Hipgnosis cerró previamente acuerdos con artistas como Neil Young, Lindsay Buckingham y Red Hot Chili Peppers. El acuerdo de Timberlake es parte de una asociación de fondos de mil millones de dólares entre Hipgnosis y el gigante de inversiones Blackstone Inc.
“El increíble catálogo de Justin se unirá a otros trabajos asombrosos en Hipgnosis que sabemos que servirán como un gran administrador de su trabajo”, dijo Mercuriadis en un comunicado. “Esperamos una gran asociación entre Justin e Hipgnosis”.
Maria Maria es una canción de la banda de rock estadounidense Santana con Product G&B. La canción fue producida por Wyclef Jean y Jerry Duplessis. Jean ha revelado que el riff de la melodía se inspiró en la canción de Wu-Tang Clan "Wu-Tang Clan Ain't Nuthing ta F' Wit". Marc Anthony cantó una versión de la canción. En los premios Grammy de 2000, la canción ganó el premio Grammy a la mejor interpretación pop de un dúo o grupo con voz. A pesar de que otros cantantes principales del álbum recibieron premios, Product G&B no recibió un premio Grammy.
María María alcanzó el número uno en Canadá, Francia, Alemania, Hungría, Suecia, Suiza y Estados Unidos. En los EE. UU., se mantuvo en la cima del Billboard Hot 100 durante 10 semanas, se promueve como sencillo el 14 de septiembre de 1999, se incluye en el décimo octavo álbum de estudio de Santana de nombre Supernatural (15-Jun-1999). En 2008, en honor al 50 aniversario de la lista Hot 100, Billboard compiló su lista de las 100 mejores canciones desde el inicio de la lista en varias categorías. María María ocupó el puesto 96 en la lista de Billboard All-Time Hot 100 Top Songs, y el número dos en la lista de Top Billboard Hot 100 Latin Songs of All Time. Más tarde, fue nombrada la decimocuarta canción más exitosa de 2000 a 2009, en Billboard Hot 100 Songs of the Decade.
El video comienza a enfocarse en Carlos Santana y Product G&B mientras actúan al aire libre para un grupo de personas que están de fiesta. Las escenas cortadas incluyen a Santana tocando la guitarra. Luego, el foco se pone en una niña que los espectadores pueden asumir que es María. Ella se mira en el espejo y luego se une a la fiesta.
1958. Hoy cumple 64 años el músico neozelandés Neil Finn, que militó junto a su hermano Tim en el grupo Split Enz desde 1980 hasta 1984. Posteriormente fundó Crowded House con los que tuvo éxitos internacionales con temas como 'Don't dream it's over' (1987), 'Something so strong' o 'Weather with you' (1992). En 1996 disolvió la banda y, tras varios años en solitario, reformó la banda en 2006.
El 24 de noviembre de 1996 se celebraba con un concierto de despedida el final de una carrera de diez años del grupo Crowded House. Se estima que más de 150.000 fans se reunieron en las escalinatas del Sydney Opera House. Aunque su álbum recopilatorio de grandes éxitos -recién aparecido- había alcanzado el nº1 en las listas australianas y británicas y la popularidad del grupo en Estados Unidos, Canadá y Europa seguía siendo considerable, el fundador del grupo, Neil Finn sintió que aquel era el momento de poner fin al grupo. "Necesito un nuevo contexto para sacar de mí al autor que llevo dentro", fue la explicación que Finn dio a la prensa, sin ser más explícito acerca de su inmediato futuro. Neil se retiró a Nueva Zelanda, donde se dedicó un tiempo a la pintura, una afición que le mantuvo alejado de la ajetreada vida de la industria musical. Sin embargo al cabo de dos años, volvió a los estudios de grabación, dando comienzo a su etapa como artista en solitario.
Neil Mullane Finn nació el 27 de mayo de 1958 en Te Awamutu Nueva Zelanda, conocida como 'Rose Town' por sus numerosos rosales, una pequeña comunidad situada 140 kilómetros al norte de Auckland. Los padres de Finn regentaban un huerto junto a sus cuatro hijos: Tim, Neil, Carolyn y Judy. Los Finn eran todos grandes amantes de la música y solían tocar juntos en las reuniones familiares. Neil, además, era un ferviente aficionado a la música pop, teniendo en su adolescencia a Donovan y los Beatles como sus mayores influencias. Su hermano Tim, seis años mayor que él, fue el primero en comenzar su carrera musical.
Había estado tocando con varios grupos durante su estancia en la Universidad de Auckland y poco después fundó junto a otros estudiantes el grupo Split Enz, que se estableció en Melbourne (Australia), obteniendo un éxito discreto. Cuando uno de los miembros fundadores de Split Enz abandonó la formación en 1977, Tim llamó a su hermano Neil para sustituirle. El joven Finn contribuyó notablemente al posterior éxito internacional del grupo con el tema 'I got you' (1980). Siguieron otros éxitos compuestos por Neil como 'History never repeats' o 'Message to my girl', pero, en 1984 el grupo se disolvió.
Ese mismo año, Neil Finn y el batería de Split Enz, Paul Hester, formaron un nuevo grupo bajo el nombre de Crowded House junto a Neil Seymour, que se encargó del bajo. El álbum debut se publicó en julio de 1986 con once temas compuestos por Finn. No produjo hits en los Estados Unidos, pero en sólo cinco meses fue disco de oro en Australia. Esto no fue una sorpresa, ya que Split Enz habían sido muy populares allí, pero Finn estaba empeñado en conquistar el mercado norteamericano, convencido de la calidad de su música.
Capitol Records pareció pensar lo mismo y lanzó una gran promoción acompañada de intensas giras del grupo por Estados Unidos, que al cabo de unos meses empezó a dar sus frutos. Casi de repente, como si acabara de publicarse, el single 'Don't dream it's over' escaló hasta el puesto nº2 de las listas Billboard y en abril de 1987, 'Something so strong' fue Top10. El álbum además, se coló en varias listas de 'los mejores álbumes del año'.
Algunos críticos, entusiasmados, los comparaban con los Beatles de la época 'Rubber Soul' y 'Revolver'. Fueron quizás excesivas las expectativas puestas en el segundo trabajo del grupo, 'Temple of Low Men', ya que este supuso una decepción para sus nuevos fans americanos. Con temas como 'Better be home soon', 'I feel possessed' y 'Into temptation', el álbum era menos comercial y más oscuro y no tuvo la respuesta del primero.
Aunque surgieron problemas personales entre Finn y Seymour que motivaron una breve ruptura, la banda se recompuso y con el añadido del hermano de Neil, Tim, Crowded House publicó su tercer álbum 'Woodface' en 1991, que contenía el hit 'Weather with you' y con el que volvieron a los primeros puestos de las listas en numerosos países. La mayoría de los temas estaban firmados por los hermanos Finn y otras canciones de éxito fueron 'Chocolate cake', 'Fall at your feet' (su última entrada en el Hot100 americano), 'Four seasons in one day' y 'It's only natural'.
Sin embargo la química que se había generado entre los tres miembros fundadores era tan fuerte, que Tim no lograba encontrar su sitio en la banda. Tras la gira de 'Woodface', abandonó el grupo y se marchó a Inglaterra, sabiendo que tarde o temprano volvería a colaborar con su hermano. Neil decidió nombrar miembro oficial a Mark Hart, guitarrista y teclista auxiliar que solía acompañarles en las giras. Con el fin de buscar un nuevo sonido, Neil se llevó a la banda a grabar a la casa de un amigo situada en la playa de Kare Kare, en la remota y escarpada costa de Auckland. Allí frente a las olas rugientes del mar de Tasmania, Crowded House grabó su siguiente trabajo: 'Together Alone' (1993), cuyo single principal fue 'Nails on my feet'.
También habían cambiado de productor, sustituyendo a Mitchell Froom, que se había encargado de sus tres primeros álbumes, por el anárquico ex-miembro de Killing Joke, Youth. Su método de trabajo, totalmente nuevo para Crowded House, les animó a crear arreglos más complicados con la guitarra y los teclados de Hart. Otros éxitos del álbum en el Reino Unido fueron: 'Locked out', 'Fingers of love' y 'Pineapple head'.
En abril de 1994, Paul Hester abandonó el grupo, citando cansancio por las giras y falta de motivación. Dos años más tarde, aprovechando la publicación de su recopilatorio 'Recurring Dream', Neil disolvió la banda. El álbum contenía una selección de sus hits y tres temas inéditos, 'Not the girl you think you are', 'Instinct' y 'Everything is good for you'. Los hermanos Finn volvieron a reunirse en 1995 bajo el nombre The Finn Brothers y publicaron el álbum 'Finn', que generó un hit en el Reino Unido: 'Suffer never'
El álbum debut en solitario de Neil Finn fue 'Try Whistling This' (1998), con temas como 'Sinner', 'She will have her way' y 'Last one standing'. Hubo críticos que acogieron con agrado su nuevo giro musical, con unos arreglos más parcos y sombríos que los de sus anteriores trabajos con Split Enz y Crowded House. "Ha evolucionado hacia un sonido neozelandés, uno que combina oscuras letras góticas con sonidos polinesios".
En su siguiente trabajo, 'One Nil' (2001, en Estados Unidos se tituló 'One All'), dejó los experimentos sonoros a un lado y con un sonido más convencional volvió a trabajar con Mitchell Froom, el productor de los primeros álbumes de Crowded House. Se extrajeron los singles 'Last to know', 'Wherever you are' y 'Hole in the ice' y cuenta entre sus colaboradores a Sheryl Crow, Jim Keltner y Lisa Germano.
Ese mismo año 2001 realizó una serie de conciertos con otros músicos celebrados en el St James Theatre de Auckland. Colaboraron Eddie Vedder, Johnny Marr, Ed O'Brien, Tim Finn, Sebastian Steinberg, Phil Selway, Lisa Germano y el propio hijo de Neil, Liam Finn. De una selección de estas actuaciones se editó un álbum, '7 Worlds Collide', acreditado a Neil Finn and Friends. En los conciertos, aclamados por crítica y público, Neil y sus amigos repasan su carrera musical. The Guardian reseñó: "Fueron tres horas y media de los temas que logran que te vuelvas a enamorar de tu vieja colección de discos"
El año 2004 Neil volvió a grabar junto a su hermano Tim y los Finn Brothers publicaron el álbum 'Everyone is Here', bajo la producción de Froom. Tres temas alcanzaron las listas británicas, 'Won't give in', 'Nothing wrong with you' y 'Edible flowers'. En enero de 2007, Neil anunció una reagrupación de Crowded House que consistía en Neil, Nick Seymour, Mark Hart y un nuevo batería, Matt Sherrod (Paul Hester se había suicidado en 2005). Su nuevo álbum, 'Time On Earth' se publicó el mes de junio, tras lo que comenzaron una gira mundial.
Neil sigue al frente de la nueva formación de Crowded House, cuyo trabajo más reciente fue el álbum 'Intriguer' (2010) con temas como 'Saturday sun' y 'Either side of the world'. Por otro lado, Neil ha seguido publicando álbumes en solitario como 'Goin' Your Way' (2013, con Paul Kelly) y 'Dizzy Heights' (2014), en el que colaboraron su esposa y sus dos hijos. El 1 de septiembre de 2017 se publicó su trabajo más reciente: 'Out Of Silence'. En abril de 2018 se anunció que Finn formaría parte de la banda Fleetwood Mac en su próxima gira, sustituyendo a Lindsey Buckingham. El mismo año se publicó el álbum 'Lightsleeper', en colaboración con su hijo Liam Finn.
1957. Nace Siouxsie Sioux (de nombre real Susan Janet Ballion), en Londres Inglaterra. Desde 1976 y hasta 1996 lideró el grupo rock (inicalmente próximo al punk) Siouxsie and the Banshees. En paralelo mantuvo el grupo The Creatures. En 2007 grabó su primer disco solista. En cualquier caso, lo más destacado son las primeras grabaciones de Siouxsie and the Banshees.
1963. Bob Dylan publica su segundo álbum, “The Freewheelin’ Bob Dylan”, que al contrario que el debut, se compone principalmente de temas propios. La secuencia inicial es espectacular: ‘Blowin’ in the wind’, ‘Girl from the North Country’, ‘Masters of war’. Pero además incluye otro de sus inexcusables himnos iniciales: ‘A hard rain’s a-gonna fall’. Absolutamente imprescindible.
1975. Wings, el grupo liderado por Paul McCartney, edita el álbum “Venus And Mars”, un trabajo que oscila, con la calidad acostumbrada, entre el pop y el rock.
1977. Se edita el single ‘God Save The Queen’ de Sex Pistols, en cinco días venden 150,000 copias, pese a haber sido censurada por la BBC y las principales tiendas de discos. El punk era una completa realidad.
1977. Neil Young publica el álbum “American Stars ‘N Bars”, un trabajo irregular que va del country al rock furioso, con su momento álgido en el tema ‘Like a hurricane’.
1997. Se edita “Flaming Pie”, de Paul McCartney, un disco grabado sin grandes pretensiones, buscando la inmediatez y un sonido cercano a lo acústico, fresco y natural. El resultado es la mejor obra de McCartney durante la década de los noventa.
2011. Muere el músico y poeta Gil Scott-Heron, en Nueva York. Tenía 62 años. Considerado como un precursor del rap y el hip hop por su uso del “spoken word”, a medio camino entre el recitado y el canto, fue una de las figuras clave de la música negra de los años setenta.
2016. Se edita “Science Agrees”, primer disco de D.A.R.K., grupo integrado por Dolores O’Riordan, cantante de Cranberries, el exbajista de The Smiths Andy Rourke y el DJ y productor neoyorquino Olé Koretsky
2016. Se lanza el disco de Motörhead “Clean Your Clock”, grabado en directo los días 20 y 21 de noviembre de 2015 en el Zenith de Múnich. Actuaciones que a la postre serían dos de los últimos conciertos de Lemmy Kilmister, quien falleció el 28 de diciembre, habiendo subido por última vez a un escenario el 11 del mismo mes, en Berlín.
2017. Muere Gregg Allman, cantante, compositor y teclista de The Allman Brothers, a los 69 años, en su casa de Savannah, en Georgia (EE.UU.). Fue uno de los pioneros del rock sureño en la década de los 70 y cofundador del sexteto de rock blues, famoso por su característico sonido en el que mezclaban las guitarras eléctricas del rock con el jazz, el country y el folk. The Allman Brothers existieron durante cuatro décadas -a pesar de sus altibajos- y vivieron uno de sus puntos álgidos en 1971 con el disco en directo «At Fillmore East», grabado en Nueva York. Ese mismo año falleció el hermano de Gregg, Duane, en un accidente de moto, y la banda siguió adelante, publicando en 1972 “Eat a Peach” y en 1973 “Brothers and Sisters”. Publicaron una docena de discos de estudio y seis directos. Su último álbum conjunto, «One Way Out», data de 2004. Se despidieron de los escenarios en 2014, pero recientemente se habló de la posibilidad de que volviesen a tocar juntos. Entre sus grandes éxitos están ‘Melissa’, ‘Whipping Post’, ‘Midnight Rider’ y ‘Ramblin ‘Man’. La banda se alzó con tres premios Grammy, dos de ellos honoríficos y uno por una versión en directo del tema ‘Jessica’. En los vaivenes que experimentó la banda, Gregg forjó su propia carrera en solitario.
Dido, es un cantante y compositora inglés. Alcanzó el éxito internacional con su álbum debut 'No Angel' (1999). Los sencillos exitosos del álbum incluyen "Here With Me" y "Thank You". Vendió más de 21 millones de copias en todo el mundo,y ganó varios premios, incluidos dos Brit Awards: Mejor Mujer Británica y Mejor Álbum Británico, y el MTV Europe Music Award a la Mejor Acta Revelación.
El primer verso de "Thank You" se muestra en "Stan", una colaboración con el rapero estadounidense Eminem.
Su siguiente álbum, 'Life For Rent' (2003), continuó su éxito con los exitosos sencillos "White Flag" y "Life For Rent".
En 2004, Dido actuó con otros artistas británicos e irlandeses en la versión Band Aid 20 del sencillo benéfico "Do They Know It's Christmas?".
Los dos primeros álbumes de Dido se encuentran entre los álbumes más vendidos en la historia de las listas de éxitos del Reino Unido, y ambos se encuentran entre los 10 álbumes más vendidos de la década de 2000 en el Reino Unido.
Su tercer álbum de estudio, 'Safe Trip Home' (2008), recibió elogios de la crítica, pero no logró duplicar el éxito comercial de sus esfuerzos anteriores. Fue nominada a un premio de la Academia por la canción "If I Rise".
Dido ocupó el puesto 98 en la lista de Billboard de los mejores artistas de Billboard 200 de la década de 2000 (2000-2009) según el éxito de sus álbumes en la primera década del siglo XXI.
Dido regresó en 2013, lanzando su cuarto álbum de estudio 'Girl Who Got Away', que alcanzó el top 5 en el Reino Unido.
Después de tomarse un tiempo fuera de la industria de la música para criar a su hijo, reapareció en el escenario del festival Reading and Leeds de 2013, donde se reunió con Eminem.
En mayo de 2019, Dido recibió el premio Ivor Novello a la colección de canciones destacadas de la Academia Británica de Escritores, Compositores y Autores.
Dido firmó con BMG para lanzar su quinto álbum a principios de 2019. Dido trabajó con su hermano y colaborador Rollo Armstrong, junto con Rick Nowels y Ryan Louder.
El 9 de noviembre de 2018, Dido anunció el título de su nuevo álbum, 'Still On My Mind', junto con su portada. Fue lanzado el 8 de marzo de 2019 y se ubicó en el número 3 en la lista de álbumes del Reino Unido, número 1 en la lista de álbumes independientes del Reino Unido y vendió más de 60,000 copias en el Reino Unido.
El sencillo "Hurricanes" se lanzó el 12 de noviembre de 2018.
El sencillo principal oficial "Give You Up" se estrenó el 22 de enero de 2019 en BBC Radio 2. La canción alcanzó el puesto 32 en la lista de descargas de singles del Reino Unido.
Alcanzó el puesto número 1 en la lista de canciones de clubes de baile de EE. UU. "Give You Up" fue seguida por versiones editadas de "Take You Home" (lanzado el 5 de abril de 2019) y "Friends" (lanzado el 22 de julio de 2019) como sencillos.
La edición de lujo del álbum fue lanzada el 15 de noviembre de 2019 pero no llegó a las listas, a pesar del lanzamiento de otro sencillo, "Just Because".
Dido realizó una gira en apoyo del álbum desde mayo de 2019, convirtiéndola en su primera gira mundial en 15 años.
Este concierto fue filmado el 25 de octubre de 2019 en el Event Halle de Basel, Suiza durante el Baloise Session Festival como parte de la gira de promoción del álbum 'Still On My Mind'.
Lista de canciones:
01.Hurricanes
02.Hell After This
03.Life For Rent
04.Hunter
05.No Freedom
06.Grafton Street
07.Sand In My Shoes
08.Give You Up
09.Thank You
10.Quiet Times
11.Here With Me
12.See You When You're 40
13.Mad Love
(followed by band introductions)
14.Take My Hand
15.White Flag
Dido 'Still On My Mind Tour' Live At Baloise Session Festival 2019:
La banda de Sheffield está presentando 'Diamond Star Halos', su nuevo álbum, y esta oportunidad sirvió para que habláramos con Collen sobre música, mujeres en la industria del rock, y artes marciales.
Def Leppard nos da a entender que todavía hay cosas por alcanzar. Para una banda que ha vendido más de cien millones de discos físicos, dueña de un catálogo impresionante, y de una extensa lista de hits, no parece haber conformismos aceptables. Su nuevo álbum mantiene mucho de ese sonido en el que la sofisticación y las guitarras van de la mano, mientras busca abordar nuevos territorios sin poner en riesgo su legado.
Claramente no es un disco pensado en los fans de Post Malone o Rosalía, pero encontrará ecos en quienes siguen creyendo en las infinitas posibilidades del buen rock & roll.
Esta fue nuestra conversación con Phil Collen:
¿Cómo describirías el sonido, el espíritu, de 'Diamond Star Halos'?
Para mí suena a celebración, estamos celebrando el momento en que comenzamos en la música. Recuerdo ver a David Bowie en la televisión, a T-Rex, a Mott The Hoople, me volaron la cabeza; ese año también vi a Deep Purple y me dieron ganas de tocar la guitarra. Pero creo que esta es una celebración, en condiciones normales habríamos estado grabando y girando, habría habido mucha presión, pero aquí no hubo presión, fue muy diferente.
Algunas canciones son más agresivas, la voz tiene más carácter, las guitarras son más crudas, y es más diverso. Me recuerda a un álbum de Queen, porque nosotros aspirábamos a ser Queen. Brian May escribió ‘We Will Rock You’, Freddie compuso ‘Bohemian Rhapsody’, Roger Taylor hizo ‘Radio Gaga’, y ‘Another One Bites The Dust’ es de John Deacon; todo muy diferente, muy diverso, pero eran Queen y creo que apuntábamos a eso.
Ni siquiera nos dimos cuenta de que lo estábamos haciendo, ¿sabes? No había presión, solo nos estábamos divirtiendo. Con Joe escribimos varias de las canciones juntos, y luego trajimos de afuera, algunas las escribimos los dos, algunas las escribí con otras personas. Pero todos tocamos [en el álbum], todos dimos nuestro 100 % y me da la vibra de un gran álbum de Queen.
¿Por cuánto tiempo has vivido en los EE.UU.?
32 años.
Pero tu acento sigue siendo muy británico…
Lo es; tengo cinco hijos, y el menor tiene tres años, no ha ido al colegio por la pandemia, entonces él intenta hablar como yo, se le está pegando el acento británico y sí [Risas], es muy interesante.
El mundo de la música parece dominado por sonidos creados en computadoras: trap, hip hop, EDM, ¿cuál es tu opinión ante este tipo de música?
Me gusta la tecnología. En este álbum, toqué todas mis partes de guitarra en esta misma computadora, y también las voces, literalmente es el estudio en donde lo he hecho todo. Pienso que en todas las músicas hay cosas buenas y malas, y también hay mucha mierda. En canciones como ‘Liquid Dust’ o ‘U Rok Mi’, comencé tocando el ukelele y usé loops de batería de hip hop y trap también, además de guitarras fuertes, voces fuertes y todo eso, obviamente.
Creo que es maravilloso si eres artista y puedes absorber todas estas cosas; hay cosas geniales en todo, solo tienes que buscarlas, cosas que te emocionen. Cuando la gente deja de ser creativa, ahí es cuando la música y deja de sonar bien, tienes que estar constantemente emocionado e inspirado.
¿Escuchas ese tipo de música? ¿Escuchas trap o hip hop?
Sí, a veces, personalmente me gusta el hip hop de finales de los 90 y comienzo del 2000. Al comienzo el rap era una crítica social, y lo entendía por completo. Era como el punk de Inglaterra, el rap original era una crítica social y tenía una razón de ser. Luego se convirtió en hip hop, y algo del hip hop era bueno, adoro a Missy Elliot, la producción, todo. Pero algo de eso luego desapareció. Fue como el country, el country y el western tenían buenas letras, luego comenzó a disminuir y a disminuir. Es igual que todo, hay un patrón. ¡El jazz! Vi un documental increíble, si alguna vez tienes la oportunidad de verlo, de Ken Burns, aunque son 20 horas de jazz, comienza en Nueva Orleans y muestra la manera en la que [el género] subió y luego se estancó, dejó de ser creativo, dejó de evolucionar, lo puedes escuchar, puedes escuchar claramente el progreso hasta que se detiene y se queda estancado.
Por eso pienso que hay que aprender de todas estas cosas, identificar los patrones, nuevamente, política o históricamente, puedes ver cualquier cosa que esté pasando en el mundo, y encontrarás que hay patrones. Eso es algo que he aprendido al viajar tanto, ves patrones en todo, estereotipos, arquetipos en la gente que conoces y también en la música, y lo puedes incorporar. Amo el poder viajar tanto, porque me ha abierto la mente, ha sido increíble.
¿Qué encuentra Def Leppard en el legado de gente como T-Rex, Mott The Hoople y David Bowie, que sigue siendo tan importante para ustedes hoy en día?
Estaban creando un hibrido; eso fue antes de MTV, y es muy interesante porque le añadieron una imagen a la música. Veías una foto de ellos y tenías una imagen, luego la letra, y tenías guitarras rockeras, canciones pop, y las letras eran interesantes.
Es como un leer buen libro, un buen libro te ayuda a crear una imagen, estás dirigiendo una película al leer el libro, si es que es un buen libro. Y me parece que pasa lo mismo con las canciones, pero también con los géneros musicales, y eso fue muy especial para mí, ellos estaban experimentando y funcionó, al principio no se dieron cuenta, pero luego siguió su curso. Cambió después de un tiempo, como todo lo demás, y llegaron tan lejos como pudieron.
Luego David Bowie hizo un álbum de soul y años después hizo uno de drum and bass. Pienso que el haber capturado la esencia de esa pureza desde el comienzo fue increíble, porque ese fue como mi bautizo en la música, por decirlo de alguna manera, por eso fue tan importante para Joe, Sav, Vivian, Rick y para mí, vivíamos en la misma época, por eso sigue siendo tan inspirador.
¿Qué fue lo primero que sentiste y pensaste cuando supiste que David Bowie había fallecido?
Fue muy raro, estuve con él dos veces muy brevemente y, de hecho, subí al escenario con él y Joe en Wembley. Fue difícil de procesar, porque no se suponía que se fuera, se suponía que debía estar aquí siempre. Lo mismo cuando murió Prince, fue igual, realmente no podía entenderlo, fue como perder a un ser querido. Cuando mi padre murió, le dieron dos meses de vida, tenía cáncer, y pudimos pasar mucho tiempo juntos, pero sabíamos que el final se acercaba. Con Bowie y Prince fue casi de la nada, tienes que procesarlo.
En 'Diamond Star Halos' colaboran con Alison Krauss, ¿cómo combinan sus sonidos? Porque ella es más cercana al folk y al bluegrass…
Siempre hemos sido grandes admiradores de su música y su voz, la he visto en vivo en Nashville y conozco a su familia. No podía creer lo increíble que sonaba en vivo, porque sí, están los discos, pero cuando la escuchas cantar en vivo es impactante, te erizas, es como un ángel. Así que, terminamos la canción y le preguntamos si quería ser la voz de acompañamiento o algo así. Le enviamos dos canciones y nos contestó que le gustaron ambas, preguntó si podía cantar en ambas. Entonces las dejamos como duetos y suenan muy bien, su voz y la de Joe suenan perfectas juntas. Y como dije antes, la canción ya estaba terminada, pero ella le aportó una nueva dimensión que no tenía antes, fue simplemente hermoso.
Pronto saldrán de gira con Poison y Mötley Crüe, debe ser toda una experiencia.
[Risas] Sí.
¿Qué es lo más loco que recuerdas de tus giras pasadas?
En los 80, cuando salió 'Pyromania', recuerdo que se me varaba el carro, tenía que empujarlo para que arrancara. Nos fuimos de gira y cuando volví, todo había cambiado gracias a ese álbum. Explotó, y explotó MTV, teníamos veintitantos, y en ciertas ciudades de Estados Unidos nos acosaban como si fuéramos un grupo de pop, nos agarraban y cosas así. Recuerdo que alguna vez Steve Clark y yo tuvimos que escapar en un ascensor, y no fue la única vez. Es raro, porque antes no pasaba eso, tocábamos en clubs, en teatros medio vacíos, y de la nada ¡Boom!, MTV, la radio, se convirtió en otra cosa.
Sin embargo, lo interesante es que fue temporal, todo en la vida es temporal, y ahora estamos pasando por un gran momento. Se supone que no debes tomarte nada de eso muy en serio, y fue muy loco, había gente que nos ofrecía todo tipo de cosas y había chicas por todos lados. No es real, es como los shows de premios, como los Óscar o los Grammy, nada de eso es real, así que no hay que tomárselo en serio.
La maravillosa recompensa está en el arte e incluso entonces, tan loco y genial como fue todo, por eso fue que pasamos tres años haciendo 'Hysteria', nos endeudamos y todo, y estoy muy contento de haberlo hecho porque el proceso de ese disco nos hizo más humildes, porque también hizo que dejáramos a un lado todas esas cosas locas.
Def Leppard ha superado grandes obstáculos a lo largo de su historia, ¿cuál ha sido el secreto para seguir a pesar de todo?
No creo que todavía hayamos alcanzado lo que queremos, queríamos tener éxito en las ventas e internacionalmente nunca lo alcanzamos, queríamos ser aún más grandes. Pero ahora, cuando nos sentamos con la compañía disquera y la editorial, nos preguntaron qué queríamos y les dijimos que queríamos ser los Rolling Stones. Queríamos eso, queríamos que nuestra música fuera como la de Queen, que está en todo lado. Ese es el punto, nunca lo alcanzamos. Lo que me parece maravilloso ahora es que ya tenemos experiencia, si algo así pasara, sabríamos cómo manejarlo, como los Rolling Stones lo hicieron; siguen vigentes y estuvieron de gira hace poco, incluso después de la muerte de Charlie Wattas. Ellos lograron algo que no se puede hacer cuando eres joven, es una mentalidad diferente, una apreciación e integridad diferentes también.
Joan Jett también estará en el tour, ¿cómo ves el papel de las mujeres en el mundo del rock?
Nuestra mánager de gira es una mujer, y acabamos de hacer el video de ‘Kick’, dirigido por una mujer, Anuk, de Alemania. Incluso tenía 8 meses de embarazo, y ella fue espectacular. Es interesante, una vez, estando de gira, le presenté un tipo a Jessica, nuestra mánager de giras, y él ni siquiera la miró, fue muy raro, ella es increíble, la mejor mánager de giras que hemos tenido. Y creo que es maravilloso hacer eso. Y estaba muy contento con que una mujer fuera quien dirigiera el video, ¡y qué mujer! Embarazada y todo eso, la mujer perfecta. Fue increíble, ella es increíble, tiene ideas fantásticas y es un placer trabajar con ella. Me parece muy bueno que esto esté pasando.
Hace unas semanas tuve la oportunidad de entrevistar a Sting vía Zoom, ¡te pareces mucho a él!
Sí [Risas].
Pero eres fan de Sting y The Police. Como artista, ¿qué has aprendido de su música?
Bueno, Sting es uno de mis compositores favoritos, no solo puede escribir una canción de pop, sino una canción con un significado lirico. Lo que me encanta de The Police es que Andy Summers y Stewart Copeland dejaron que eso pasara, permitieron que Sting se convirtiera en este compositor y ellos le añadieron este híbrido de rock, punk y reggae. Stewart Copeland es el baterista más increíble y me encanta cómo Andy Summers toca la guitarra, crearon un nuevo sonido. Sé que hacia el final ya no se llevaban bien y todo eso, pero realmente crearon algo mágico y químico, ¿sabes? La química era la indicada, y obviamente querían hacer otras cosas, era muy difícil trabajar juntos porque ya no se llevaban bien.
El talento de Sting es increíble, pero prefiero el material de The Police. No me malinterpretes, me encanta el material de solista de Sting, me parece increíble, pero The Police tiene algo que… porque era un trabajo en curso. Los vi tocar en el 2008 y estuvieron perfectos, pero me acuerdo cuando los vi a finales de los 70, comienzos de los 80, y no era perfectos, pero me encantó porque se esforzaban mucho, era algo muy especial lo que intentaban alcanzar, muy similar a lo que dije respecto a nosotros, que no lo hemos alcanzado todavía, pero creo que The Police logró lo que se propuso.
Tuvieron una canción enorme en el Número Uno, ‘Every Breath You Take’, en todo el mundo, vendieron estadios enteros y no había hacia dónde expandirse. Cualquier cosa después de eso, a menos de que estés constantemente creando, empujando y quemando ese motor, no es que te estanques, pero dices: “Mierda, necesito un descanso”, realmente necesitas parar, y creo que eso fue lo que les pasó. Sigo la carrera de Sting, me encantan varias de sus canciones y me gusta mucho su sonido, pero entiendo por qué partieron caminos.
¿Has sentido que necesitas un descanso?
Sí, pero afortunadamente lo tuvimos. La pandemia nos obligó a pensar de una manera diferente, no había presión, no teníamos que grabar un álbum, no teníamos que hacer un típico disco de Def Leppard. Era como si pudiéramos ser nosotros mismos y nos empujó la parte artística, a hacerlo diferente, simplemente nos divertimos con canciones en piano, con cuerdas, Alison Krauss, canciones de glam rock.
Si hubiera sido de otra manera nuca lo hubiéramos hecho, y al grabar en casa podía pasar tiempo con mi familia. Todos pudimos hacerlo. Sentía que descansaba, incluso estando grabando, y yo grababa todos los días; me sentaba a grabar, escribía ideas en mi celular y luego las hacia realidad. Y se las enviaba a Joe, y él también me enviaba canciones. Antes de que nos diéramos cuenta, nos sorprendimos con lo bien que sonaba todo, era un enfoque muy diferente.
Phil, para terminar, has practicado artes marciales varios años, ¿qué te ha enseñado eso para la vida?
Siempre estás aprendiendo. He podido conocer a gente increíble como Greg Jackson, un entrenador de la UFC y de MMA [Artes marciales mixtas], y nos hicimos amigos, hablamos sobre combate, el arte de pelear, pero terminamos hablando sobre filosofía, se desvía la conversación y terminamos hablando tres horas.
Comenzamos hablando sobre técnicas de artes marciales y cosas así, y terminamos en filosofía sobre la vida. Y creo que le puedes añadir muchas cosas, patrones que encuentras en la música, en la gente, los incorporas en esta cosa maravillosa, y si tienes la suerte de llegar a mi edad, tengo 64 años, y aprender todas estas cosas… no lo hubiera podido hacer cuando era joven, no tenía una mentalidad tan abierta. He disfrutado mis charlas con Greg, es increíble.
Y he aprendido mucho sobre artes marciales de Jean Carillo, mi entrenador, quien fue luchador de Muay Thai, y entrenador en la industria del cine, me dio muchos datos interesantes sobre el cuerpo y el estar saludable.
También el punto es que puedo hacer todo esto sin que me duela nada, no me duele nada, no tengo ningún problema físico, y es porque practico artes marciales constantemente. He aprendido de muchas personas. Forrest Griffin, un luchador de la UFC, me habló de calentar antes de entrenar fuerte, y desde entonces me he relajado un poco más, y eso hace que el cuerpo reaccione mejor. Es maravilloso reunir todas estas cosas que uno aprende de diferentes personas.
Sí, y más allá de la parte física, la parte mental y espiritual…
Pienso que gracias a eso puedo separar las cosas, puedo relajarme, y si surge algo que no tenga que ver con las artes marciales o algo físico, incluso algo relacionado con el estrés, creo que soy capaz de separarlo a partir de lo que aprendí practicando artes marciales sobre manejar el temor.
Bruce Lee, que siempre escribía lo que hacía, él fue el primer artista de artes marciales mixtas, ¿sabías? Era una filosofía, pero no la terminó, claramente porque murió, pero la estaba escribiendo. Y si tomas algunas de esas cosas y las aplicas en tu vida, pienso que la hace más sencilla. No me estreso, tomo esas cosas y las aplico en varios aspectos de mi vida.
La canción con aires disco hará parte del sexto álbum de estudio del DJ británico, Funk Wav Bounces Vol.2
Calvin Harris ha vuelto a reunirse con Dua Lipa y Young Thug en ‘Potion’, canción que aparecerá en el próximo álbum de estudio del DJ británico, 'Funk Wav Bounces Vol.2.' El lanzamiento llegó con un video musical lleno de sensualidad y vibras setenteras.
El sencillo abre con una guitarra que evoca a Prince, antes de fusionarse con una línea de sintetizadores disco y funk que acompañan la voz armoniosa de la artista, quien canta sobre una noche de lujuria. “Es un honor trabajar de nuevo con Dua y Thug”, dijo Harris en un comunicado. “Ambos son artistas muy dinámicos que han contribuido demasiado al panorama actual de la música”.
Antes del lanzamiento, el DJ compartió un clip explicando cómo creó cada una de las partes de la canción y recreando la invitación que le hizo por videollamada a la intérprete de ‘Don’t Start Now’ para participar en la canción. Esta es la segunda colaboración entre ambos músicos desde el hit de 2018, ‘One Kiss’, mientras que en 2017 Thug se unió a Harris, Pharrell Williams y Ariana Grande en ‘Heatstroke’.
'Funk Wav Bounces Vol.2' será el sexto álbum de estudio del productor y el primero en cinco años, siendo la continuación de su disco de 2017 que lleva el mismo nombre. Antes de ‘Potion’, el DJ publicó dos sencillos bajo su proyecto Love Regenerator: ‘Lonely’, junto a Sananda Maitreya y Riva Starr; y ‘Rollercoaster’, con Solardo.
