domingo, 13 de marzo de 2022

Metallica - One

Metallica - One

One es una canción de la banda estadounidense de heavy metal Metallica, lanzada el 10 de Enero de 1989 como el tercer y último sencillo del cuarto álbum de estudio de la banda, ...And Justice For All (07-Sep-1988). Escrita por los miembros de la banda Lars Ulrich y James Hetfield, la canción retrata a un soldado de la Primera Guerra Mundial que está gravemente herido (brazos, piernas y mandíbula arrancados por una mina terrestre, ciego e incapaz de hablar o moverse) rogando a Dios que le quite la vida. Su única esperanza es idear una forma de comunicarse con el personal del hospital. En el video musical, se sacude en la cama del hospital y escribe "Mátame" en código Morse. La producción de la canción estuvo a cargo de la banda junto con Flemming Rasmussen. La canción fue la primera de la banda en las listas de Estados Unidos, alcanzando el número 35 en el Billboard Hot 100. También fue un éxito número uno en Finlandia.

En enero de 1989 se presentó un video de la canción en MTV. Filmado en blanco y negro por el director Michael Salomon, la historia del video se intercala con escenas tomadas de la película contra la guerra de 1971 Johnny Got His Gun. Debido a que habitualmente se le exige pagar regalías para continuar mostrando el video musical, Metallica compró los derechos de la película. El video ocupó el puesto número uno en MTV poco después de su presentación.

Metallica interpretó One para la 31.ª entrega anual de los premios Grammy transmitida desde Los Ángeles en 1989. Al año siguiente, la canción ganó un premio Grammy a la mejor interpretación de metal, el primero en ganar en esa categoría. La banda también interpretó la canción junto al pianista Lang Lang en la 56.ª Entrega Anual de los Premios Grammy en 2014. La canción es una de las piezas más populares de la banda y se ha mantenido como un elemento básico en los espectáculos en vivo desde el lanzamiento del álbum, y es la canción más interpretada. de '...And Justice For All'.

One fue la primera canción de Metallica para la que se creó un video musical. El video musical, dirigido por Bill Pope y Michael Salomon, debutó en MTV el 20 de enero de 1989. El video, filmado en Long Beach, California, el 7 de diciembre de 1988, está casi completamente en blanco y negro y presenta a la banda interpretando el canción en un almacén. Presenta diálogos y varias escenas de la adaptación cinematográfica de 1971 de Johnny Got His Gun. Se puede ver a Timothy Bottoms interpretando a Joe Bonham, el personaje principal de la novela (escrita por Dalton Trumbo y publicada en septiembre de 1939; la base de la película de 1971).

Se hicieron tres versiones del video musical One; la primera (la versión más larga del álbum) contenía escenas tanto de la banda como de la película. El segundo era simplemente una versión abreviada del primero, y el tercero, a menudo conocido como la "versión jammin'", carecía de escenas de la película (la canción y el video se desvanecen en el último puente en la tercera versión).

Como muchos otros videos musicales de Metallica, One pone un gran énfasis en las actuaciones de los miembros de la banda como músicos, con muchas tomas de las manos de Hetfield, Jason Newsted y Hammett tocando y tocando. El video presenta a los miembros de la banda en una forma típica de los primeros Metallica: tocando (como si estuvieran ensayando) en una especie de almacén, en formación cerrada alrededor de la batería de Lars Ulrich, y vestidos con ropa informal de calle y con cabello largo e indómito.

En el video musical, tanto Hetfield como Hammett tocan guitarras ESP; Newsted está en un bajo Wal de 5 cuerdas. Newsted toca el bajo con los dedos al comienzo de la canción, pero luego cambia a una púa.

Dos de las tres versiones del video musical One aparecen en '2 Of One', un VHS lanzado el 1 de julio de 1990, y ambos volverían a aparecer en el DVD recopilatorio de videos musicales de 2006 de la banda.

El video musical ocupó el puesto 38 en Rock On The Net: MTV: 100 Greatest Music Videos y el número uno en Fuse's No. 1 Countdown: Rock And Roll Hall Of Fame Special Edition.

Al 10 de febrero de 2022, el video tiene más de 243 millones de visitas en YouTube.

Metallica: One (Official Music Video): https://youtu.be/WM8bTdBs-cw

Efemérides: 13 de Marzo

UN DÍA COMO HOY 13 DE MARZO PERO DEL AÑO...

1939. Hoy cumple 83 años el cantante y compositor norteamericano Neil Sedaka, nacido en Nueva York. A finales de los cincuenta sus composiciones lograban el nº1 en la voz de otros artistas, para pasar él mismo a cantarlas con gran éxito. La 'invasión británica', liderada por los Beatles, le relegó -como a muchos otros- a un segundo plano e, irónicamente, fue en el Reino Unido -diez años después- donde resurgió su carrera con el tema 'Laughter in the rain'.

Neil nació en Brighton Beach, un barrio judío de Brooklyn a orillas del Atlántico y aunque su padre, de ascendencia turca, conducía un taxi como sustento de vida, tanto él como su madre eran amantes de la música y tocaban el piano. Su abuela fue incluso concertista y alumna del fundador de la prestigiosa Juilliard School. Neil mostró sus aptitudes musicales en la escuela de segundo grado, donde un profesor aconsejó a los padres de Neil a que recibiera clases particulares de piano. Poco después recibió una beca para ingresar en la Juilliard School, donde estudiaría ocho años. Su madre deseaba que Neil fuera concertista clásico, pero Sedaka estaba descubriendo la música pop. A los 13 años, un vecino que le oyó tocar el piano, le presentó a Howard Greenfield, un adolescente de 16 años aspirante a poeta y letrista. Había nacido uno de los más famosos tándems de compositores del pop.

En principio Sedaka utilizaba su talento para ser más popular entre las chicas, pero Greenfield y él pronto le vieron potencial comercial al material que escribían. Cuando Sedaka escuchó en 1954 'Earth Angel' de los Penguins, convenció a Greenfield para componer temas de rock and roll y R&B. Tras graduarse en la Lincoln High School, Neil formó en 1955 con tres compañeros de clase el grupo Linc-Tones, con los que graba 'While I dream', una composición de Sedaka y Greenfield. Dos años después, Sedaka los abandona para comenzar e solitario y el grupo, con algunos cambios, publicaría en 1961 como The Tokens el nº1 'The lion sleeps tonight'.

Mientras aún estaba estudiando en la Juilliard School, fueron contratados como compositores por la compañía editora Aldon, cuya sede estaba en el famoso Brill Building y cuyos propietarios, Don Kirshner y Al Nevins tambíen tenían en nómina a otros jóvenes compositores como Carole King, Gerry Goffin, Barry Mann y Cynthia Weil, que forjaron el 'Brill Building Sound'. Una de las canciones del dúo compositor, 'Stupid cupid', fue grabada por Connie Francis, consiguiendo con ella un Top40. El éxito obtenido, animó a Sedaka a dejar sus estudios en Juilliard y concentrarse en su carrera pop. Kirshner y Nevins encargaron a Sedaka una demo con sus canciones y cuando Steven Sholes, de RCA Records la escuchó, no dudó en firmar un contrato discográfico con Neil. Su primer hit fue 'The diary' (1958), que alcanzó el nº15 de las listas.

Le siguió 'Oh Carol!' (1959), una canción que Sedaka y Greenfield habían escrito para Carole King, compañera de trabajo y amiga de ambos. (Carole respondió poco después con 'Oh Neil!'). El tema fue Top10 y lanzó la carrera de Sedaka. "Tuve que pellizcarme para comprobar que no estaba soñando. Es imposible describir la sensación que obtuve cuando pulsé las teclas de la radio del coche y sonaban mis canciones", confesaba a Rolling Stone. Apareció en los mejores shows de TV como American Bandstand y Ed Sullivan Show y fue requerido para actuar en numerosas ciudades del país.

Por otro lado, continuó publicando discos de éxito como 'Calendar girl', 'Stairway to heaven' (1960), 'Little devil' (1960), 'Happy birthday sweet sixteen' y 'Next door to an angel' (1962).

Como en Italia 'Oh Carol!' llegó al nº1 en 1960, Sedaka grabó versiones en italiano de sus canciones, muy populares en el país europeo como 'Tu non lo sai' o 'La terza luna'. También grabó sus éxitos en español, alemán, hebreo y japonés. Aún así, exceptuando en Italia, en la mayoría de los países preferían sus versiones originales.

Su primer nº1 en USA llegó en 1962 con 'Breaking up is hard to do' y a partir de ahí comenzó el declive. Sus posteriores singles 'Alice In Wonderland', 'Let's go steady again', 'The dreamer' y 'Bad girl', no funcionaron tan bien, siendo 'Bad Girl' su último Top40 en las listas hasta 1974. La llegada de los grupos británicos barrió de la escena a muchos que no estaban preparados para ello, entre ellos, Sedaka, que siguió componiendo con Greenfield temas para otros artistas como The Monkees, Frankie Valli y Fifth Dimension.

A pesar de su retirada de la primera línea del panorama musical norteamericano, Sedaka seguía siendo muy popular en el Reino Unido y en Australia adonde viajo en varias ocasiones de gira y donde grabó un álbum, 'Workin' on a groovy thing' (1969). Tras el fracaso cosechado con un álbum producido por Kirshner, 'Emergence', que pretendía marcar el retorno de Sedaka a la vanguardia, Neil y su familia dejaron Nueva York para instalarse en Londres. Allí realizó una gira por el Reino Unido y trabajó con los futuros componentes de 10cc en el álbum 'Solitaire' (1972) que generó un par de singles en el Top40 británico y el tema que dio título al álbum, que en versión de Carpenters, fue Top20 en EE.UU.

Volvió a trabajar al año siguiente con el equipo de 10cc (que entretanto ya habían publicado su primer álbum) para grabar 'The Tra-La Days Are Over', que incluía la versión original de 'Love will keep us together', tema con el que The Captain & Tenille alcanzarían el nº1 en USA dos años más tarde. Este álbum marcó el fin de su larga colaboración con su letrista Howard Greenfield, conmemorado en el tema 'Our last song together'. En 1974 publicó en Polydor un nuevo álbum, 'Laughter in the rain'.

Cuando Elton John descubrió que Sedaka no tenía contrato con ninguna compañía en EE.UU., se apresuró a firmarle un contrato y publicó bajo su propio sello, Rocket Records, un recopilatorio de los tres álbumes que Sedaka grabó en Europa llamado 'Sedaka's Back'. El single 'Laughter in the rain' (1974) ascendió lentamente hasta afianzarse en el nº1, el segundo de su carrera en su país natal, y supuso el reencuentro de la audiencia norteamericana con Neil Sedaka.

Le siguieron 'The immigrant' (dedicada a John Lennon), 'That's when the music takes me' y 'Bad blood', su tercer nº1 en USA y un tema que trajo cierta controversia, acusando algunos a Sedaka de misoginia por el uso en la letra del término 'bitch' (perra, puta). Neil estaba encantado con la polémica, queriendo romper con su anterior imagen de 'buen chico'. Su último Top10 fue en 1976 con una versión lenta de su propio hit 'Breaking up it's hard to do' y su última entrada significativa en las listas fue en 1980 con un dueto interpretado con su hija Dara, 'Should've never let you go'. En la actualidad, y tras más de medio siglo de carrera, Neil continúa ofreciendo shows por todo el mundo, sobre todo por el Reino Unido, donde sigue siendo más apreciado que en EE.UU. Allí publicó en 2012 'The Real Neil', su primer álbum acústico en el que únicamente le acompaña un piano. La segunda entrega en este formato y su trabajo más reciente fue 'I Do It for Applause', publicado en 2016. 

En abril de 2020, durante el confinamiento debido al COVID-19, emitió desde su casa una serie de miniconciertos para mantener entretenidos a sus fans. En diciembre los suspendió por contraer él mismo el virus, aunque los reanudó en enero de 2021 tras no presentar síntomas.


1933. Nace Mike Stoller, en Long Island, Nueva York Estados Unidos. Junto a Jerry Leiber formó un dúo de compositores, siempre bajo la firma Leiber & Stoller, que trabajó infatigablemente durante las décadas de los cincuenta y los sesenta. Juntos –Leiber escribía las letras y Stoller las músicas–, firmaron infinidad de temas de rock y pop: ‘Riot in cell block #9’ , ‘Hound dog’, ‘Charlie Brown’, ‘Jailhouse rock’, ‘Kansas City’, ‘King Creole’, ‘Stand by me’. Muchas de estas canciones hoy son recordadas en la voz de Elvis Presley, quien encontró en los temas de Leiber & Stoller un verdadero filón lleno de pepitas de oro.


1938. Nace Erma Franklin, en Shelby, Mississippi Estados Unidos. Intérprete de soul de los años sesenta, su hermana menor era Aretha Franklin. Su actividad musical se centró esencialmente en la década de los sesenta. Murió el 7 de septiembre de 2002.


1960. Nace Adam Clayton, en Chinnor Reino Unido. Bajista de U2.


1973. Nace Ed Sloan, en Columbia, Carolina del Sur Estados Unidos. Guitarrista de la banda de hard rock Crossfade.


2012. Se publica el disco “Live At Carnegie Hall” de David Byrne y Caetano Veloso. En formato acústico, Byrne y Veloso interpretan, juntos y por separado, canciones de sus respectivos repertorios acompañados por el violonchelista Jaques Morelenbaum y el percusionista Mauro Refosco.


2015. Muere a los 77 años Daevid Allen, fundador de los grupos Soft Machine y Gong. Nacido en Melbourne Australia, tras pasar por París, se estableció en Londres, donde en los años sesenta animó el llamado sonido Canterbury y el movimiento psicodélico. Junto a Robert Wyatt, Kevin Ayers y Mike Ratledge fundó Soft Machine, en 1966. Luego creó su propia banda, Gong. Entre los sesenta y setenta, pasó largas temporadas en la localidad mallorquina de Deyá, donde colaboró con músicos españoles. Tras la disolución de Gong, en 1975, Allen publicó varios álbumes en solitario, para luego, ya en los noventa, volver al frente de su vieja banda.



2017. Muere el productor y ejecutivo discográfico Tommy LiPuma, a los 80 años, en Nueva York, tras una breve enfermedad. LiPuma pasó sus primeros años en Cleveland, donde aprendió a tocar el saxofón. Establecido en Los Ángeles, ejerció de promocionero para Liberty Records. En los sesenta trabajó para A&M y fundó Blue Thumb Records. Y entre 1998 y 2004 fue el presidente de Verve Music Group.En su faceta de productor trabajó para Paul McCartney, Barbra Streisand, Willie Nelson, Leon Russell, Miles Davis, Natalie Cole, George Benson, Al Jarreau, David Sanborn, Earl Klugh, Everything but the Girl, Peabo Bryson, Randy Newman, Miles Davis y Dr. John, entre otros muchos. Su última producción, el álbum “Turn Up the Quiet” de Diana Krall, se publica el 5 de mayo.

Creed 'Full Circle Tour' Live In Houston

Creed es una banda de rock estadounidense de Tallahassee, Florida, formada en 1994. Durante la mayor parte de su existencia, la banda estuvo formada por el vocalista principal Scott Stapp, el guitarrista y vocalista Mark Tremonti, el bajista Brian Marshall y el baterista Scott Phillips. 


Creed lanzó dos álbumes de estudio, 'My Own Prison' en 1997 y 'Human Clay' en 1999, antes de que Marshall dejara la banda en 2000. El tercer álbum de la banda, 'Weathered', fue lanzado en 2001, con Tremonti al bajo. Creed se disolvió en 2004; Stapp siguió una carrera en solitario mientras Tremonti, Marshall y Phillips fundaron la banda Alter Bridge con Myles Kennedy.

En 2009, Creed se reunió para un cuarto álbum, 'Full Circle', luego estuvo de gira hasta 2012. Desde entonces, Creed ha estado en pausa mientras los miembros instrumentales se han mantenido activos con Alter Bridge; Stapp continuó su carrera en solitario y se unió a la banda Art of Anarchy en 2016. Tremonti también formó su propia banda, Tremonti, en 2011.

Creed es uno de los grupos destacados del movimiento post-grunge que comenzó a mediados de la década de 1990. Haciéndose popular a finales de la década de 1990 y principios de la de 2000, Creed lanzó tres álbumes multiplatino consecutivos, con su álbum 'Human Clay' certificado como diamante.

 Creed ha vendido más de 28 millones de discos en los Estados Unidos,  ha vendido más de 53 millones de álbumes en todo el mundo y fue el noveno artista más vendido de la década de 2000. Sin embargo, Creed ha sido recibido negativamente por algunos críticos y oyentes; Los lectores de la revista Rolling Stone clasificaron a la banda como el peor artista de la década de los noventas.

'Full Circle', el primer álbum de Creed en ocho años, salió el 27 de octubre de 2009. Stapp elaboró ​​el título, que es también el nombre de una pista que aparece en el álbum. El primer sencillo es "Overcome", se publicó en el sitio web oficial de la banda el 18 de agosto de 2009, el mismo día en que comenzó el estreno de radio y su lanzamiento como descarga digital el 25 de agosto. El segundo sencillo, "Rain", fue lanzado a las estaciones de radio el 23 de septiembre y estuvo disponible el 6 de octubre de 2009, como otra descarga digital. El tercer sencillo, "A Thousand Faces", fue lanzado en 2010.

El 25 de septiembre de 2009, Creed realizó un concierto en Houston, Texas, que fue grabado y transmitido en vivo por Internet y lanzado el 8 de diciembre de 2009, como una película de concierto titulada 'Creed Live', la primera grabación en vivo de la banda. El DVD también incluye una película documental sobre la reunión de la banda en 2009 y una galería de fotos.

El 24 de octubre de 2009, Scott Phillips confirmó que Creed iba a realizar una gira mundial en abril de 2010, comenzando en Australia y Nueva Zelanda, seguidas de América del Sur, Europa y Canadá / América del Norte. Las fechas de la gira se publicaron el 19 de abril de 2010.

Lista de canciones:

01.Bullets

02.Overcome

03.My Own Prison

04.Say i

05.Never Die

06.Torn

07.A Thousand Faces

08.What If

09.Unforgiven

10.Are You Ready?

11.What's This Life For

12.Faceless Man

13.With Arms Wide Open

14.My Sacrifice

15.One

16.One Last Breath

17.Higher


Creed:

Scott Stapp – voz

Mark Tremonti – guitarra principal, coros

Brian Marshall – bajo

Scott Phillips – batería

Músicos de gira:

Eric Friedman – guitarra, coros, mandolina


Creed 'Full Circle Tour' Live In Houston: https://youtu.be/M_C9eNa-5P4

Álbumes de Phil Collins y Peter Gabriel clasificados de peor a mejor.

Fuente: ultimateclassicrock.com 

Dirigieron a Génesis a través de sus épocas más célebres. Esto es lo que sucedió después.

Uno llevó a Génesis a través de su rareza más progresista. El otro los llevó a lo más alto de las listas. A su manera, estas mismas historias se reflejan en las carreras en solitario de Phil Collins y Peter Gabriel.

Gabriel siempre se arriesgaba más, mientras que Collins durante muchos años simplemente transfirió su oído astuto para un éxito de una discografía a otra. Eventualmente, Gabriel discutió con su musa rebelde, ayudando a 'So' de 1986 y 'Us' de 1992 a 6 millones en ventas solo en los EE. UU. Eso fue todavía la mitad de lo que vendió el exitoso álbum de Collins de 1985 'No Jacket Required'.

Collins obtuvo siete sencillos que encabezaron las listas de éxitos de Billboard entre 1984 y 1989, mientras agregaba otro puñado de éxitos Top 5 hasta 1990. En todo caso, se volvió completamente omnipresente y eso condujo a la inevitable reacción violenta.

El Gabriel más idiosincrásico era realmente un tipo de corte de álbum. Dominó durante un tiempo las listas de rock de Billboard, mientras que Collins rara vez aparecía allí. Pero Gabriel cuenta con solo cuatro éxitos de su carrera en la lista principal en el Top 40 de EE. UU., coronado por su éxito No. 1 "Sledgehammer".

No siempre permanecieron confinados en estos cómodos estereotipos. Al principio de su carrera en solitario, Collins no tuvo reparos en expresar emociones muy nerviosas sobre relaciones fallidas. Gabriel llegó al Top 10 en el Reino Unido con "Don't Give Up", una conmovedora balada a dúo con Kate Bush.

Sin embargo, la mayoría de las veces seguían siendo tan fundamentalmente diferentes, ya sea con Genesis o sin él, que decidir cuál era tu favorito a menudo simplemente se reducía a preferencias musicales más amplias. Lo intentamos de todos modos. A continuación, repasamos los álbumes en solitario de Phil Collins y Peter Gabriel, clasificados de peor a mejor.



15. Phil Collins, 'Going Back' (2010)

Un ejercicio de nostalgia en gran medida inútil.


15. Peter Gabriel, 'Scratch My Back' (2010)

Un ejercicio de nostalgia en gran medida inútil, con opciones de canciones un poco más intrigantes.


14. 'Testify' (Phil Collins, 2002)

Phil Collins trajo de vuelta las cajas de ritmos que dominaron 'No Jacket Required', pero no la magia de las listas de éxitos de ese álbum. Intentó agregar fragmentos de electrónica de próxima generación, pero más a menudo retrocedió hacia el sonido adulto contemporáneo de su trabajo de banda sonora contemporánea. Nada parecía encajar en este proyecto que, tal vez como era de esperar, se erige como el último álbum de trabajo original de Collins hasta la fecha.


13. 'Dance Into The Light' (Phil Collins, 1996)

Este LP incluía algunos de los elementos de la música mundial que habían impulsado la carrera en solitario de Peter Gabriel, pero 'Dance Into The Light' no tenía la misma seriedad. Aún así, Collins lo intentó en su primer álbum después de dejar oficialmente Genesis, lanzando seis sencillos. Sin embargo, ninguno de ellos alcanzó el Top 40, una novedad para Collins como solista.


12. 'Peter Gabriel I ["Car"]' (Peter Gabriel, 1977)

El primer álbum en solitario de Gabriel estaba claramente destinado a hacer una gran declaración artística. En cambio, todo es un poco confuso y, al final, simplemente exagerado. Es previsiblemente más fuerte cuando trabaja con plantillas artísticas ("Moribund The Burgermeister", "Here Comes The Flood") y rock directo ("Modern Love"). Pero también hay una larga desventura en el blues y, espera, ¿qué? – algunas vocalizaciones al estilo de un cuarteto de barbería. En última instancia, "Solsbury Hill", una ola de despedida no muy afectuosa de Génesis, establece un escenario que nunca se ilumina por completo.


11. 'Up' (Peter Gabriel, 2002)

Diez años después, Gabriel todavía estaba absorto en los temas de muerte y decadencia que rodeaban a 'Us' de 1992. 'Up', de título similar, mantuvo los estilos de canciones largas, el mismo grupo central de Tony Levin, David Rhodes y Manu Katche, y la inclinación por lanzar un sencillo extrañamente alegre y dirigido por radio justo en el medio de un disco que de otro modo sería reflexivo. Lujoso, increíblemente detallado y melancólicamente complejo, 'Up' suena como un álbum que tomó una década para construir, en el buen sentido y, a veces, en el mal.


10. 'Both Sides' (Phil Collins, 1993)

Concebido de la misma manera que sus dos primeros discos en solitario, el firmemente reflexivo 'Both Sides' es el álbum más directo de Collins que no se llama 'Face Value'. Asumió un papel aún más personal en la creación de esta música, tocando todos los instrumentos. Las ventas se consideraron decepcionantes en ese momento: 'Both Sides' obtuvo "solo" platino, pero ese millón o más de personas tropezaron con uno de los álbumes más convincentes de Collins.


9. 'Peter Gabriel II ["Scratch"]' (Peter Gabriel, 1978)

El segundo lanzamiento en solitario de Gabriel mostró que no había mejorado nada en cuanto a controlar sus impulsos creativos asombrosamente variados. Sin embargo, trajo al productor Robert Fripp, y la mente maestra de King Crimson le dio a 'Scratch' una sensación sónica nítida que tiende a unificar incluso sus viajes secundarios musicales más salvajes. Los temas son todos superficies duras, lo que no deja a nadie sorprendido de que este álbum no haya producido canciones exitosas. En cambio, 'Scratch' se siente más introvertido, incluso menos accesible, pero es por eso que invita a un mayor escrutinio. Lo mismo con Gabriel. Todavía estaba en busca de una identidad, pero se estaba acercando.


8. 'Hello, I Must Be Going!' (Phil Collins, 1982)

El punto medio exacto entre las consideraciones más emocionales del debut de Collins y el pop asistido por tecnología de 'No Jacket Required', este álbum logra en gran medida caminar por esa línea muy fina. Cuando 'Hello, I Must Be Going!' tropieza, es porque Phil Collins simplemente se niega a concentrarse en nada. Los resultados pueden parecer una colección dispar de estados de ánimo, tempos y personajes, pero los éxitos ("I Don't Care Anymore," "I Cannot Believe It's True," "Why Can't It Wait 'Til Morning") valieron la pena algunos baches en el camino a lo largo del trayecto.


7. 'No Jacket Required' (Phil Collins, 1985)

Monolítico en su momento, 'No Jacket Required' ahora parece un poco encerrado en su era, especialmente en sus éxitos más grandes y mecanizados. Momentos menos escuchados como "Inside Out", "Long Long Way To Go" (con Sting) y "Only You Know And I Know" son en realidad las mejores canciones, a pesar de que nunca se ganaron la reproducción omnipresente que disfrutan cortes como el funky. pero el éxito número 1 sin sentido "Sussudio".


6. 'Security' (Peter Gabriel, 1982)

Sí, este iba a ser el cuarto álbum en solitario homónimo consecutivo de Peter Gabriel. (Un Geffen Records frustrado agregó una etiqueta que decía 'Security' en los EE. UU.) Sin embargo, en el interior, mucho había cambiado cuando Gabriel comenzó a explorar el Fairlight CMI. Sumamente oscuro, este sintetizador entonces nuevo proporcionó la base sónica para gran parte del álbum, incluso cuando su función de muestreo le permitió agregar nuevas arrugas. También estaba sucediendo algo más sutil, pero en última instancia más importante: la nueva afición de Gabriel por incursionar en los ritmos africanos y latinos finalmente ayudaría a que 'So' de 1986 fuera un éxito que cambiaría su carrera.


5. 'Us' (Peter Gabriel, 1992)

'Us' fue inevitablemente comparado con su exitoso predecesor 'So'. Sin embargo, en el medio, Gabriel había producido una banda sonora para 'The Last Temptation Of Christ', y 'Us' era en realidad algo entre esas dos cosas, al menos musicalmente. ¿Tópicamente? Este álbum fue tan emotivo, tan directo, que es francamente sorprendente, y como nada que Gabriel haya hecho antes. Excepto por "Fourteen Black Paintings" (la única canción que se refirió a su inclinación por lo político), 'Us' se centró en el naufragio de dos relaciones pasadas. Las melodías a menudo no se expresaban con claridad, incluso si las palabras eran tan a menudo punzantemente honestas. Esa fricción Nos dio su intriga duradera.


4. '...But Seriously' (Phil Collins, 1989)

Nadie habría culpado a Collins por apegarse a la fórmula multiplatino 'No Jacket Required' para su próximo álbum en solitario. Pero en lugar de eso, se alejó de las cajas de ritmos metronómicas, volvió a algunos de los apartes más jazzísticos que impulsaron su primer material en solitario y permitieron que su escritura, de acuerdo con el título del LP, se volviera hacia preocupaciones más serias. '...But Seriously' no siempre tiene la vitalidad de su predecesor, pero esa profundidad finalmente ha ayudado a que este álbum envejezca con mucha más gracia.


3. 'Peter Gabriel III ["Melt"]' (Peter Gabriel, 1980)

Nadie podría acusar a Gabriel de falta de creatividad a estas alturas de su carrera en solitario. Sus primeros dos álbumes en solitario simplemente estaban llenos de ideas; desafortunadamente, no eran ideas completamente formadas. Aún así, el productor Robert Fripp le había dado a 'Scratch' de 1978 una huella sónica unificada, por lo que debe haber tenido mucho sentido continuar abriendo el proceso creativo. Steve Lillywhite se convirtió en el primero de una serie de productores de U2 en tener un impacto arrollador en la carrera de Peter Gabriel. Juntos, reformularon la visión a menudo amenazante de Gabriel de una manera mucho más musical, aunque permanecieron algunos bordes tal vez demasiado afilados. También fueron pioneros en el atronador sonido de batería cerrada que ayudó a definir la carrera inicial de Phil Collins. No es un mal día en la oficina.


2. 'Face Value' (Phil Collins, 1981)

Una muestra impresionante de versatilidad musical amigable con la radio, 'Face Value' es una cápsula del tiempo de todo lo que convirtió a Phil Collins, miembro de Genesis, en la estrella solista Phil Collins. Comenzó como un trabajo personal, y eso lo convirtió en un álbum que a menudo es deliciosamente extemporáneo y casi siempre decididamente diferente de Génesis.


1. 'So' (Peter Gabriel, 1986)

Gabriel comenzó a trabajar con los productores de U2, Brian Eno y Daniel Lanois, a mediados de los años 80, y eso proporcionó la alquimia largamente esperada para el éxito en las listas de éxitos. Juntos, equilibraron de manera experta lo experimental y lo accesible, lo tribal y lo contemplativo. La mayoría de la gente acudió al álbum por los éxitos comerciales "Sledgehammer" y "Big Time", los cuales avanzaron en el género de los videos con clips inventivos y llamativos. Una vez dentro, sin embargo, 'So' intercaló hábilmente un pop más introspectivo con canciones que se mantuvieron decididamente fuera de lo común. Tomó algunos intentos, pero Peter Gabriel finalmente encontró el escaparate adecuado para cada parte de su genio inquieto.

Pink Floyd retiran toda la música en streaming Post-Waters de Rusia y Bielorrusia

Fuente: ultimateclassicrock.com 

En medio de la mudanza, que también incluye el catálogo solista de David Gilmour, la banda dice que "condenan enérgicamente la invasión rusa de Ucrania".


Pink Floyd está eliminando la era posterior de su catálogo de los servicios de música digital en Rusia y Bielorrusia.

"Apoyar al mundo en condenar enérgicamente la invasión rusa de Ucrania, las obras de Pink Floyd, desde 1987 en adelante, y todas las grabaciones en solitario de David Gilmour se eliminarán de todos los proveedores de música digital en Rusia y Bielorrusia a partir de hoy", tuiteó la banda el Viernes.

Los tres álbums de Pink Floyd afectados fueron liberados después de la salida del bajista cofundador Roger Waters: 'A Momentary Lapse Of Reason' de 1987, 'The Division Bell' de 1994 y 'The Endless River' de 2014.

Gilmour ha lanzado cuatro discos en solitario: 'David Gilmour' de 1978, 'About Face' de 1984, 'On An Island' de 2006 y 'Rattle That Lock' de 2015.

Tanto Gilmour como Waters se han pronunciado en contra de la invasión. “Soldados rusos, dejen de matar a sus hermanos”, tuiteó Gilmour el 1 de marzo.

"No habrá ganadores en esta guerra. Mi nuera es ucraniana y mis nietas quieren visitar y conocer su hermoso país. Detengan esto antes de que todo sea destruido. Putin debe irse".

El 9 de marzo, Waters respondió a una carta de un fanático de 19 años que vivía en Ucrania que le había pedido al compositor que hablara y "le dijera al mundo [su] posición". Parte de su extensa respuesta, publicada en las redes sociales, incluía lo siguiente: "Leo su carta, siento su dolor, estoy disgustado por la invasión de Ucrania por parte de Putin, es un error criminal, en mi opinión, el acto de un gángster". , debe haber un alto el fuego inmediato. Lamento que los gobiernos occidentales estén alimentando el fuego que destruirá su hermoso país vertiendo armas en Ucrania, en lugar de involucrarse en la diplomacia que será necesaria para detener la matanza.

"Tengan la seguridad de que si todos nuestros líderes no rechazan la retórica y entablan negociaciones diplomáticas, quedará muy poco de Ucrania cuando termine la lucha".

Dos años después del cierre de COVID: cómo ha sobrevivido la música rock

Fuente: ultimateclassicrock.com 

Han sido un par de años duros, por decir lo menos.

Nada podría haber preparado a los músicos y otros en la industria de la música para la llegada de COVID-19 en marzo de 2020. Después de que la Organización Mundial de la Salud declarara una pandemia el 11 de marzo de 2020, la industria, como todo lo demás, se vio obligada a aceptar una dura realidad. : Las cosas no iban a ser iguales durante mucho tiempo, tal vez nunca.

Dos años después, la declaración de la OMS lleva a un par de preguntas: ¿Cómo se ha visto afectada la industria desde entonces y dónde se encuentra ahora?

La respuesta es complicada. En algunos aspectos, puede parecer que las cosas están volviendo constantemente a lo que los fanáticos alguna vez consideraron "normal". Se han reprogramado conciertos, giras y festivales, se han vuelto a reservar lugares y se han llenado los asientos, pero el viaje para llegar a este punto no ha sido fácil. Y está lejos de terminar.

Ayuda mirar hacia atrás al principio cuando la pandemia golpeó por primera vez y miles de artistas, lugares y trabajadores de la industria se vieron obligados a quedarse sin trabajo. Pero la gente se adaptó. Los artistas que estaban acostumbrados a grabar en estudios con otros se encontraron rastreando canciones de forma remota desde sus hogares y uniendo las piezas mientras se mantenían físicamente alejados unos de otros. Muchos artistas han continuado con esta práctica, incluso cuando el trabajo de estudio en persona se reanuda lentamente, citando la capacidad de colaborar con músicos de todo el mundo. Los artistas también realizaron transmisiones en vivo desde sus hogares con frascos de propinas virtuales o se sentaron en sus porches y actuaron para asistentes al aire libre enmascarados.

A principios de 2021, cuando los programas de vacunas se implementaron en todo el mundo, los espectáculos y eventos en persona comenzaron a aumentar, pero no fue un regreso a la normalidad. Los lugares, los promotores y los artistas tuvieron que tomar decisiones sobre las restricciones de capacidad y los requisitos de vacunación, lo que ha causado controversia dentro de la industria, ya que algunos artistas y fanáticos afirman que tales restricciones contra las personas no vacunadas crean una audiencia "discriminada" (como Eric Clapton, un destacado defensor antibloqueo, lo dijo el año pasado).

Esto también ha llevado a los promotores y vendedores de boletos a reconsiderar sus políticas de reembolso. El año pasado, varios proveedores importantes, incluidos Ticketmaster y StubHub, fueron criticados después de que los fanáticos tuvieran dificultades para recibir reembolsos por sus compras en lugar de esperar fechas reprogramadas indeterminadas.

Los artistas que han regresado a las presentaciones en vivo han reinventado drásticamente sus políticas con respecto al acceso al backstage, reuniones y otros eventos en persona que podrían afectar la seguridad del personal. Algunas bandas, como Metallica, incluso invirtieron en la contratación de perros entrenados capaces de detectar casos positivos de coronavirus en el personal de la gira.

Según los profesionales de la industria, esta nueva versión higienizada de las giras ha cambiado notablemente la atmósfera y la naturaleza del trabajo. “No es tan divertido como lo era”, dijo a The Guardian Ben Bowers, un técnico de guitarra de la banda Rival Sons. “Si pasas tu tiempo de gira, sacrificas muchas de tus amistades en casa. Tus amistades están en todo el mundo, y el camino es tu salvavidas social. Pero era como ir a un trabajo de oficina donde tienes que quedarte en la oficina al final de la noche. Fue realmente un desafío mental”.

Además, los nuevos requisitos de seguridad han creado una carga financiera para las giras, especialmente las de artistas más pequeños e independientes que aún luchan por recuperarse. “Para cualquiera que vaya a espectáculos en este momento, si tiene los medios para hacerlo, debe comprar merchandising y apoyar a los artistas de cualquier manera que pueda además de comprar un boleto”, dijo Ella Williams, una cantautora que graba como Squirrel Flower. NME. “Hay muchos más gastos detrás de escena ahora”.

A pesar de lo cautelosos que muchos artistas han tratado de ser, la realidad es que nada está garantizado. Varias bandas de renombre han tenido que reprogramar o cancelar shows por completo debido a casos positivos. Aerosmith, que no ha tocado en vivo desde febrero de 2020, canceló recientemente su gira europea, mientras que John Mayer tuvo que retirarse de los shows dos veces: una en enero con Dead and Company y otra en febrero con su gira en solitario.

La industria tal como está ahora es frágil, pero no sin esperanza. Si bien la cantidad de espectáculos y festivales programados para los próximos meses aún está lejos de los números previos a la pandemia, la venta de boletos ha aumentado.

"Vimos un enero muy fuerte en términos de la cantidad de boletos vendidos: fue el doble que en 2019", dijo a NME Fabrice Sergent, socio gerente de la aplicación de compra de boletos Bandsintown. "Es aproximadamente 100 por ciento bruto en 2022 en comparación a enero de 2019. Cuenta la historia de que habrá un nivel de demanda sin precedentes este año”.

Geddy Lee y Alex Lifeson con voz de policías en el video animado 'YYZ' de Rush

Fuente: ultimateclassicrock.com

Clip promueve la reedición de 'Moving Pictures' del 40 aniversario de la banda.

Geddy Lee y Alex Lifeson dan voz a un par de policías inconscientes en el nuevo video animado "YYZ" de Rush, que promociona su próxima reedición de lujo de 'Moving Pictures' de 1981.

El clip, producido por Fantoons Animation Studios, se desarrolla como una sombría comedia negra protagonizada por varios personajes que aparecen en la portada de 'Moving Pictures', cargada de juegos de palabras, del diseñador Hugh Syme, específicamente, un grupo de "dolientes" y un equipo que "mueve" grandes pinturas (incluyendo uno de los icónicos logos de Starman de Rush).

La historia esencialmente hace ingeniería inversa de la imagen, reuniendo hábilmente a todas esas personas en ese único lugar. Hacia el final, los tres miembros de la banda, Lee, Lifeson y Neil Peart, son amordazados y atados mientras los ladrones se llevan la obra de arte, sin que las autoridades locales se enteren.

Lee y Lifeson adoptan voces tontas para su cameo, creando algunas bromas para el posclímax. "Oye, Dirk, volvamos a la estación", dice el policía de Lifeson. "Genial, tengo el nuevo casete de Rush para el camino", agrega el compañero de Lee. Mirando el casete, reflexionan sobre lo que significa "YYZ" (pronunciando mal "Yiz") y teorizan que es "probablemente un término nuevo para la marihuana". Incluso bromean sobre los notorios kimonos de Rush de la era 2112.

Syme habló con UCR sobre la portada de 'Moving Pictures' en 2020 y señaló que Rush inicialmente no entendió su visión. "La banda no lo entendió al principio", recordó. “Le dije a Neil, 'Tenemos que tener algunas personas moviendo pinturas'. Fue otro de esos tipo de momentos  '¡¿Qué?!'. Me tomó un poco más de descripción para completar los detalles ".

Rush recientemente se burló de la edición del 40 aniversario de 'Moving Pictures' con una versión en vivo de la canción de cierre del álbum, "Vital Signs".

Rush - YYZ (Official Music Video): https://youtu.be/ftVTWDrtrlc

sábado, 12 de marzo de 2022

Iron Maiden - The Number Of The Beast

Iron Maiden - The Number Of The Beast

The Number Of The Beast es una canción de la banda inglesa de heavy metal Iron Maiden. Fue lanzado como sencillo el 26 de Abril de 1982, es el séptimo sencillo de Iron Maiden y el segundo sencillo de su álbum de estudio The Number Of The Beast (22-Mar-1982). Fue reeditado en 2005 y también antes de eso en 1990 en la caja 'The First Ten Years' en CD y vinilo de 12 ", en el que se combinó con el sencillo anterior, "Run To The Hills".

Tras su lanzamiento en 1982, la canción causó controversia en los Estados Unidos, donde su tema religioso provocó indignación entre los grupos religiosos. A pesar de esto, sigue siendo una de las canciones más populares de la banda, alcanzando el número 18 en las listas de sencillos del Reino Unido en su lanzamiento original y el número 3 en dos ocasiones sucesivas en 1990 y 2005. Se ha interpretado en casi todos los sus giras de conciertos. Además, la canción ha sido versionada en numerosas ocasiones y ha aparecido en varios videojuegos y películas.

The Number Of The Beast es una de las canciones más populares de la banda, apareciendo en el n° 7 en las 40 mejores canciones de metal de VH1 y el número 6 en el libro de Martin Popoff  'The Top 500 Heavy Metal Songs of All Time', una lista que se dice que se compiló a partir de 15,000 votos presentados por músicos, periodistas musicales y el público en general.

Desde su lanzamiento, la canción ha sido versionada por Avulsed, Iced Earth, Sinergy, Powderfinger, Djali Zwan (cuya versión se utilizó para la banda sonora de la película de culto 'Spun'), The Iron Maidens y muchas otras bandas. Además, fue versionada en un Cuarteto de Cuerdas Tributo a la banda.

Además de la obra de arte y el título del álbum, la canción fue un objetivo destacado de grupos religiosos en los Estados Unidos que acusaron a Iron Maiden de ser un grupo satánico. La controversia condujo a quemas organizadas de los álbumes del grupo, así como a varias protestas durante su gira de 1982, aunque esto solo serviría para darle más publicidad a la banda. Desde entonces, Harris ha comentado que las acusaciones formuladas contra ellos eran "una locura. Se equivocaron por completo. Obviamente, no habían leído la letra. Solo querían creer toda esa basura sobre que somos satanistas".

Cuando el video musical de The Number Of The Beast se mostró por primera vez en MTV, la aparición de Eddie al final se eliminó después de las quejas de los espectadores asustados.

Iron Maiden - The Number Of The Beast (Official Video): https://youtu.be/WxnN05vOuSM

Efemérides: 12 de Marzo

UN DÍA COMO HOY 12 DE MARZO PERO DEL AÑO....

1948. Hoy cumple 74 años el músico estadounidense James Taylor, nacido en Boston. En 1971 apareció en la portada de la revista Time como el iniciador de una nueva era y un nuevo movimiento en la música popular: los cantautores que, siguiendo la estela de Bob Dylan cobraron gran relevancia en el panorama musical norteamericano en la primera mitad de los años setenta con representantes como Leonard Cohen, Joni Mitchell, Tom Paxton, Carole King, Neil Young y Jackson Browne.

James nació en el Hospital General de Massachussetts de Boston, donde su padre, Isaac Taylor, de origen escocés, trabajaba como médico. Su madre, Gertrude Woodard, había estudiado en el conservatorio de Nueva Inglaterra y se estaba preparando para la carrera de cantante de opera antes de casarse. James fue el segundo de cinco hijos y en 1951 se mudaron a Chapel Hill (Carolina del Norte), donde el joven Taylor asistió a la escuela pública primaria local. Interesado en la música aprendió a tocar el chelo, pero en 1960 se decidió por la guitarra. Antes de ingresar en la Milton Academy para su acceso a la Universidad, James y su familia pasaron el verano en Martha's Vineyard, una isla vacacional frente a las costas de Massachussetts, donde conoció a Danny Kortchmar, otro aficionado a la guitarra de Larchmont (New York).

Ambos, que compartían sus afinidades por el folk y el blues, comenzaron a tocar juntos y James compuso su primera canción con catorce años. En el verano de 1963 el dúo realizaba actuaciones como 'Jamie & Kootch' en todos los bares de la isla. Su primer intento en la academia Milton fracasó por el exceso de exigencia académica que encontró. De vuelta en Chapel Hill, finalizó el semestre en la Chapell Hill High School y tuvo una breve experiencia como guitarrista en el grupo de su hermano Alex, The Corsayers que en 1964 grabarían un single, cuya cara B portaba un tema escrito por James, 'Cha Cha Blues'.

De nuevo en Milton, comenzó a hacer nuevos amigos, pero inexplicablemente cayó en una profunda depresión. Dormía 20 horas diarias y se sentía atrapado e incapaz de dirigir su vida. A finales del año 1965 ingresó en el Hospital McLean de Belmont, donde fue tratado con Clorpromazina y donde la rutina y disciplina diarias le devolvieron el sentido de espacio y tiempo. Lo positivo de ello, fue que se libró de ir a Vietnam, porque cuando los encargados de reclutamiento vieron a aquel chaval inexpresivo, mudo y demacrado del brazo de dos asistentes con bata blanca, no tuvieron otra que declararle no apto.

Tras nueve meses en la institución, Taylor, recuperado, atendió la llamada de su amigo Kortchmar desde Nueva York, donde formaron el grupo The Flying Machine con otro par de amigos. Tocaban canciones que James había escrito sobre su experiencia en el hospital McLean,como 'Knocking 'round the zoo', 'Don't talk now' y 'The blues is just a bad dream'. En verano de 1966 estaban actuando regularmente en el Night Owl Cafe de Greenwich Village. Allí James conoció gente variopinta y comenzó a consumir heroína. Fue en esta época cuando escribió el tema 'Rainy day man', describiendo su experiencia con la droga. Lo volvería a grabar años más tarde en su álbum 'Flag' de 1979.

Tras grabar un single con los temas 'Brighten your night with my day' y 'Night Owl', el grupo se disolvió a finales del año. Taylor recordaba sus días en Nueva York: "Aprendí mucho sobre música y demasiado sobre drogas. En aquella época era tan fácil conseguir un chute como una copa". Cayó de nuevo en una depresión y pasaba las horas tocando la guitarra en su apartamento que pronto se vio invadido por vagabundos, camellos y gente poco recomendable. Sin dinero y abandonado por su mánager, hizo una llamada desesperada a su padre, que tomó un vuelo a Nueva York y con un coche alquilado rescató a James y sus posesiones y condujo toda la noche de vuelta a Carolina del Norte. James pasó otros seis meses en tratamiento además de sufrir una operación de garganta para corregir una lesión en las cuerdas vocales, producida en sus actuaciones con The Flying Machine.

De nuevo recuperado, Taylor decidió seguir su carrera en solitario y cambiar de escenario. En 1967 se trasladó a Londres, donde conoció a Peter Asher, miembro de Peter & Gordon, y hermano de Jane Asher, que entonces era la novia de Paul McCartney. Asher le enseñó los trabajos de Taylor a Paul y éste no dudó en ficharle para su sello Apple, convirtiéndose Taylor en el primer artista no británico que firmaba con el sello de los Beatles. James residió de forma caótica con diferentes mujeres en varios sitios de Londres y en julio de 1968 comenzó a grabar su primer álbum, 'James Taylor' en Trident Studos, al mismo tiempo que el cuarteto de Liverpool se encontraba grabando el álbum 'blanco'. De hecho, Paul y George hacen coros en 'Carolina in my mind' y el título de otro tema de Taylor, 'Something in the way she moves', inspiró a Harrison para comenzar a componer 'Something'.

Cuando el álbum se publicó en el Reino Unido en diciembre de 1968 y un par de meses después en EE.UU., James había caído de nuevo en el consumo de heroína y en las depresiones, por lo que de nuevo ingresó en un centro de rehabilitación, primero en Londres y seguidamente en Stockbridge (Massachussetts). 'Carolina on my mind' fue editada en single, pero la incapacidad de Taylor en aquellos momentos para promocionar el disco en directo y la caída del imperio Apple en Londres evitaron que entrara en las listas.

En julio de 1969, recuperado de nuevo, actuó con gran éxito seis noches seguidas en el Troubadour de Los Ángeles y en su actuación del Festival de Newport, miles de fans esperaron bajo la lluvia su aparición como último artista del cartel. En octubre de 1969 firmó un nuevo contrato con Warner Bros. Records. Mantuvo a Peter Asher como mánager y productor y se instaló en California para grabar su segundo álbum, el primero con Warner, 'Sweet Baby James', con la participación de Carole King y Danny Kortchmar.

Se publicó en febrero de 1970 y fue un éxito de crítica y público. Se extrajo como single 'Fire and rain' que relataba de nuevo su experiencia en las instituciones psiquiátricas y el suicidio de su amiga Suzanne Schnerr. Tanto el álbum como el single alcanzaron el puesto nº3 de las listas y Taylor fue elevado a la categoría de estrella. Ese mismo año apareció como actor en el film independiente de Monte Hellman Two-Lane Blacktop' junto a Dennis Wilson (Beach Boys).

Su siguiente álbum, 'Mud Slide Slim an the Blue Horizon' (1971) también recibió una gran acogida y excelentes críticas además de contener el mayor hit de su carrera, una versión del tema 'You've got a friend' (con coros de Joni Mitchell), que Carole King compuso y grabó ese mismo año para su álbum 'Tapestry' (en el que Taylor colaboró también). Ambos recibieron un Grammy (autor e intérprete) por la canción en la ceremonia de 1972. El single consiguió alcanzar el nº1 y el álbum fue nº2, los mejores posicionamientos en las listas de la carrera de Taylor.

Su cuarto álbum, 'One Man Dog' (1972), fue un álbum conceptual y está básicamente grabado en su estudio casero. Consistía en 18 pequeñas piezas musicales ensambladas, entre las que destacaban los singles 'Don't let me be lonely tonight' y 'One man parade', que aunque ocuparon un buen lugar en las listas de ventas, ésta vez no recibieron el beneplácito de la crítica. A Taylor debió importarle bien poco, ya que se encontraba en pleno proceso de casamiento con su colega de profesión Carly Simon, un matrimonio que generaría dos hijos (Sally y Ben) y una gran atención pública los años que se mantuvo.

Se tomó su tiempo para su quinto álbum, 'Walking Man' que apareció en junio de 1974 con colaboraciones de Paul y Linda McCartney y el guitarrista David Spinozza. Fue su segundo fracaso de críticas y el primero comercial, ya que el álbum no alcanzó el Top5 y el single que dio título al álbum ni siquiera apareció en el Top100.

Su suerte cambió con su siguiente trabajo, 'Gorilla' (1975), que contenía otro de sus grandes hits (de nuevo una versión), 'How sweet it is (To be loved by you)', con Carly haciendo coros, y 'Mexico', ambos Top5. Su última entrega con Warner Bros fue 'In the pocket' (1976) en el que se rodeó de amigos y colegas de la talla de Art Garfunkel, David Crosby, Bonnie Raitt y Stevie Wonder.

Destaca el tema 'Shower the people', otro de los clásicos del repertorio de James Taylor. El sello, ante la finalización de su contrato, publicó una recopilación, 'Greatest Hits' que recogía sus hits entre 1970 y 1976. Este fue el álbum más vendido de su carrera, con más de veinte millones de copias.

'JT' (1977), el primer álbum con Columbia, su nuevo sello, recibió las mejores críticas desde 'Sweet Baby James'. 'Handy man' y 'Your smiling face', los singles extraidos, se vendieron bien y Taylor, de nuevo en primera linea, colaboró junto con Paul Simon en la versión que Art Garfunkel grabó del tema 'Wonderful world' de Sam Cooke para su álbum 'Watermark'.

Tras un año de descanso publicó en 1979 'Flag', que contenía una nueva versión de éxito: 'Up on the roof' de Goffin/King. Ese mismo año apareció con su esposa Carly Simon en el festival No Nukes, celebrado en el Madison Square Garden, interpretando juntos el tema 'Mockingbird'.

Taylor, que residía en Nueva York en el edificio colindante al Dakota Building, donde tenían su apartamento John Lennon y Yoko Ono, tuvo un encuentro con el asesino de Lennon 24 horas antes del crimen, en el que éste abordó a James informándole de su ilusión por conocer en persona al ex-Beatle. Cuando al día siguiente ocurrió el triste acontecimiento, Taylor escuchó perfectamente los cinco disparos que acabaron con la vida de Lennon.

Ante el requerimiento de Carly Simon de que recortase las giras y el trabajo para pasar más tiempo con ella y sus hijos, la respuesta fue la publicación en 1981 del álbum 'Dad Loves His Work' (A papá le gusta su trabajo), por lo que Carly solicitó el divorcio. Este se llevó a cabo en 1983 y Taylor, que se encontraba bajo tratamiento de metadona, impresionado con las muertes de sus amigos John Belushi y Dennis Wilson y espoleado por el deseo de ser mejor padre para sus hijos, superó su adicción y pensó en retirarse.

En enero de 1985 fue invitado a tocar en el festival Rock and Rio en Brasil. Taylor lo recordaba así en 1995: "Había logrado desengancharme de una larga adicción a las drogas. Mi matrimonio con Carly había fracasado y me encontraba en un estado bastante depresivo. Me pidieron viajar a Rio para tocar en el festival y formé una pequeña banda y volamos hacia Brasil. La respuesta allí fue asombrosa. Tocamos ante 300.000 personas. No sólo conocían mis canciones, sabían muchísimas cosas sobre mi música y estaban interesados en aspectos de ella que hasta entonces sólo me habían interesado a mí. Recibir aquel reconocimiento fue justo lo que necesitaba en aquel momento para volver a ponerme en marcha". James compuso la canción 'Only a dream in Rio', rememorando ese momento.

En octubre de 1985 salió a la venta 'That's Why I'm Here', el primero de una serie de álbumes más espaciados en el tiempo pero más consistentes en calidad y contenido: 'Never Die Young' (1988) y 'New Moon Shine' (1991), con temas como 'Everyday', 'Never die young', 'Copperline' y '(I've got to) Stop thinkin' about that'. Vuelve a las giras con un grupo de experimentados músicos y ofrece una serie de conciertos recogidos en el doble álbum 'Live', publicado en 1993.

Tras un silencio discográfico de seis años y tras casarse y divorciarse de nuevo, en 1997 publica 'Hourglass', que recibe sus mejores críticas en 20 años, alcanzando el puesto 9 de las listas de álbumes y regresando al Top10 después de 16 años. Asimismo recibió un Grammy por 'mejor álbum del año'. En 2001 se casó por tercera vez con la directora de relaciones públicas y marketing de la Boston Pops Orchestra, Kim Smedvig, a quien conoció en 1995 durante su actuación con John Williams y la Boston Pops.

Seguidamente publicó dos trabajos más (ambos Top5) en los que demostró estar en plena forma: 'October Road' (2002) y 'Covers' (2008), su primer álbum íntegro de versiones.

En 2010 se le pudo ver en la entrega de los Oscar, interpretando 'In my life', de los Beatles, durante el recordatorio a los fallecidos en el año, y, a continuación se embarcó en una gira junto a Carole King y algunos de sus primeros colaboradores de los setenta, como Danny Kortchmar, Leland Sklar y Russ Kunkel, en el Troubador Reunion Tour, que los llevó por Australia, Nueva Zelanda, Japón y Norteamérica hasta su cierre en el Honda Center de California el 20 de julio de 2010.

En 2014 se emitió un especial de TV grabado el año anterior en el que Taylor interpretó hits de su carrera acompañado por el Mormon Tabernacle Choir, entre ellos 'Up on the roof', 'The water is wide', 'Shed a little light'  y 'You’ve got a friend'. En junio de 2015 James publicó su décimonoveno álbum de estudio: 'Before This World', el primero con canciones originales desde 'October Road'. Contó con la colaboración de Steve Gadd a la batería y Jimmy Johnson al bajo. Debutó en las listas directamente en el nº 1, convirtiendo a 'Before this World' en el único álbum nº 1 de la carrera de Taylor, 45 años después de su inicio discográfico con 'Sweet Baby James'. Su publicación más reciente fue 'American Standard' en febrero de 2020 con sus versiones personales de clásicos del cancionero americano.


1940. Nace Al Jarreau, en Milwaukee, Wisconsin Estados Unidos. Cantante de jazz que coqueteó continuamente con el pop comercial. Murió en 2017.


1957. Nace Steve Harris, en Londres. Bajista y líder de la banda de heavy metal Iron Maiden.


1955. Muere Charlie Parker, en Nueva York Estados Unidos. Tenía 34 años. Fue uno de los grandes innovadores del jazz, partiendo del swing creó el be bop. “Bird”, ese era su apodo, está considerado el mejor saxofonista de todos los tiempos. Murió muy joven, pero debido a los excesos (que fueron los que acabaron con él), parecía que tuviera muchos más años. Conocer su obra resulta básico para cualquier aficionado a la buena música, sin géneros.


1969. Paul McCartney se casa con Linda Eastman. A la ceremonia no acudió ningún Beatle, solo George Harrison y su novia Patti se acercaron al banquete, en el hotel Ritz de Londres, pero llegaron tarde porque la policía había organizado una redada en su casa en busca de drogas (en realidad, una trampa de un comisario corrupto). Por su lado, John Lennon y Yoko Ono pasaron el día en Abbey Road grabando ‘Peace song’. El sueño beatle estaba llegando a su fin.


1969. Nace Graham Coxon, en Rinteln Alemania. Guitarrista de la banda de britpop Blur. En 1998, todavía siendo miembro de Blur, inició su carrera solista.


1971. Este día y el siguiente, los sureños The Allman Brothers Band graban en directo el sensacional disco “At Fillmore East”. Es uno de los mejores álbumes en directo de la historia del rock.


1998. Muere Judge Dread (de nombre real Alexander Minto Hughes), de un ataque al corazón, sobre el escenario del The Penny Theatre, de Canterbury Reino Unido, a los 52 años. Intérprete inglés de reggae y ska.

Radiohead 'Against Demons Tour' Live In New York 1997

Radiohead lanzó su tercer álbum 'OK Computer' en mayo de 1997. Encontró a la banda experimentando con estructuras de canciones e incorporando influencias ambientales, de vanguardia y electrónicas, lo que llevó a Rolling Stone a calificar el álbum como un "impresionante tour de force art-rock". 


Radiohead negó ser parte del género de rock progresivo, pero los críticos comenzaron a comparar su trabajo con el de Pink Floyd, cuyo trabajo de principios de la década de 1970 influyó en las partes de guitarra de Jonny Greenwood en ese momento. Algunos compararon a 'OK Computer' temáticamente con el bestseller de Floyd 'The Dark Side Of The Moon' (1973), aunque Yorke dijo que las letras del álbum se inspiraron en la observación de la "velocidad" del mundo en la década de 1990 las letras de Yorke, que incorporan diferentes personajes, habían expresado lo que una revista llamó "blues de fin de milenio" en contraste con las canciones más personales de 'The Bends'. 

Según el periodista Alex Ross, Radiohead se había convertido en "los chicos del cartel de un cierto tipo de alienación consciente, como lo habían sido antes Talking Heads y R.E.M.". 

'OK Computer' recibió elogios de la crítica. Yorke dijo que estaba "sorprendido de que obtuviera la reacción que tuvo. Ninguno de nosotros sabía si era bueno o malo. Lo que realmente me voló la cabeza fue el hecho de que la gente entendía todas las cosas, todas las texturas y los sonidos y las atmósferas que intentábamos crear".

'OK Computer' fue el primer debut número uno en las listas de éxitos del Reino Unido de Radiohead y les trajo éxito comercial en todo el mundo. A pesar de alcanzar el puesto 21 en las listas de éxitos de Estados Unidos, el álbum finalmente obtuvo el reconocimiento de la corriente principal allí, lo que le valió a Radiohead su primer reconocimiento en los premios Grammy, ganó el premio al Mejor Álbum Alternativo y una nominación al Álbum del Año. 

"Paranoid Android", "Karma Police" y "No Surprises" fueron lanzados como singles, de los cuales "Karma Police" fue el más exitoso a nivel internacional. 'OK Computer' pasó a convertirse en un elemento básico de las listas de "mejores" álbumes británicos. 

En el mismo año, Radiohead se convirtió en una de las primeras bandas del mundo en tener un sitio web y desarrolló un devoto seguidores en línea; en unos pocos años, hubo docenas de sitios de fans dedicados a ellos.

Radiohead se embarcó en una gira mundial en promoción de 'OK Computer' con la gira "Against Demons" de un año de duración.

La gira "Against Demons" comenzó con el lanzamiento del álbum en Barcelona el 22 de mayo de 1997. La gira llevó a la banda por el Reino Unido e Irlanda, Europa continental, América del Norte, Japón y Australasia, concluyendo el 18 de abril de 1998 en Nueva York. 

Fue agotador para la banda, particularmente para Yorke, quien dijo: "Esa gira fue un año demasiado largo. Fui la primera persona en cansarme, luego, seis meses después, todos en la banda lo decían. Luego, seis meses después de eso, ya nadie hablaba". 

La gira incluyó la primera actuación de Radiohead en el Festival de Glastonbury el 28 de junio de 1997; a pesar de los problemas técnicos que casi hicieron que Yorke abandonara el escenario, la actuación fue aclamada y consolidó a Radiohead como un acto en vivo importante. 

Rolling Stone lo describió como "un triunfo absoluto" y en 2004 Q lo calificó como el mejor concierto de todos los tiempos.

Desde su lanzamiento, 'OK Computer' a menudo es aclamado como un disco histórico de la década de 1990 y la era de la Generación X, y uno de los mejores álbumes en la historia de la música.

Este concierto fue filmado el 19 de diciembre de 1997 en el Hammerstein Ballroom en Nueva York Estados Unidos durante la gira de promoción del álbum 'OK Computer'.

Lista de canciones:

Fitter Happier

[Prelude]

01.Airbag

02.Karma Police

03.The Bends

04.Exit Music (For A Film)

05.Talk Show Host

06.Subterranean Homesick Alien

07.My Iron Lung

08.Climbing Up The Walls

09.Lucky

10.Planet Telex

11.Bullet Proof...I Wish I Was

12.No Surprises

13.Bones

14.Just

15.Paranoid Android

16.Fake Plastic Trees

17.Let Down

18.Street Spirit (Fade Out)

19.Electioneering

20.(Nice Dream)

21.The Tourist


Radiohead:

Thom Yorke – voz, guitarra

Jonny Greenwood – guitarra, teclados

Colin Greenwood – bajo

Ed O'Brien – guitarra, efectos, coros

Philip Selway – batería, percusión


Radiohead 'Against Demons Tour' Live In New York 1997: https://youtu.be/avS8eh39euk