Programa Tu Época: 28 de Diciembre de 2024

The Best New Year’s Songs to Countdown to 2025

Ya estamos muy cerca de Fin de Año, es por eso que en este programa escuchamos 'Las Mejores Canciones de Año Nuevo para la cuenta regresiva hasta 2025'.

Reciba el 2025 con esta lista de las mejores canciones de Año Nuevo y prepárese para decir "¡Salud!".

La Nochevieja es una noche estresante. Hay tanto en juego y tanta presión por pasarlo bien que a menudo se acaba olvidando lo que es realmente importante: ¡Divertirse y quedarse despierto hasta pasada la medianoche!

Aquí en Tu Época hemos pensado en recordarle exactamente cómo debería empezar el Año Nuevo: 'Escuchando canciones sobre Año Nuevo, en Año Nuevo'.

De hecho, tenemos algunas de ellas. 

Estas son las mejores canciones sobre Año Nuevo para escuchar en Año Nuevo. ¡Salud!

Aquí los temas:

01. ‘Happy New Year’ de Abba

Los legendarios creadores de éxitos suecos incluyeron este himno al nuevo año en su álbum de principios de la década de 1980, ‘Super Trouper’. Una especie de retrospectiva del final de los años '70s, las megaestrellas europeas cantan: ‘Es el final de una década / En otros 10 años, ¿Quién puede decir qué encontraremos?’ Lamentablemente, la respuesta resultó ser solo un álbum más de Abba antes del inesperado regreso de este año.

02. ‘1999’ de Prince

El himno de fiesta de Prince suena fuerte todos los años, incluso dos décadas después de Millennium Eve, pero en 2024 hay algo de nostalgia en él. La mayoría de nosotros no podremos ‘festejar como si fuera 1999’ este fin de año, en realidad no, pero eso no significa que no podamos festejar de todos modos. Solo intenta no escuchar demasiado atentamente la letra un tanto fatalista del Purple One sobre el ‘día del juicio final’ y bailar ‘mi vida hasta el cansancio’.

03. ‘Happy New Year’ de Let’s Eat Grandma

El Año Nuevo es un momento para mirar hacia atrás y hacia adelante... ¿Cómo diablos capturas eso en una canción? Pero el dúo británico Let’s Eat Grandma de alguna manera logra exactamente eso en ‘Happy New Year’, una melodía que recuerda la relación de las amigas de la infancia Rosa Walton y Jenny Hollingworth, pero también celebra cómo siempre serán mejores amigas. Si esta canción no te conmueve, tu corazón está hecho de piedra. Además, tiene efectos de sonido de fuegos artificiales; no hay nada más propio de Año Nuevo que eso.

04. ‘The Final Countdown’ de Europe

Nadie fuera del país de origen de Europe sabe realmente nada sobre la banda de rock sueca… aparte de una cosa: En 1986 escribieron este éxito mundial exquisitamente tonto que, al observarlo de cerca, parece tratarse de un cohete a Venus (!), pero que siempre ha sido adoptado como la banda sonora oficial de cualquier tipo de celebración basada en la cuenta regresiva.

05. "New Year’s Resolution" de Camera Obscura

¿Cansado de Belle & Sebastian, pero aún buscas algo escocés y cursi? Bueno, no busques más que Camera Obscura de 4AD, que ha lanzado cinco hermosos álbumes de indie pop con nombres como ‘Let’s Get Out of This Country’ y ‘Underachievers Please Try Harder’, y esta melodía de 2013 de ‘Desire Lines’.

06. "Let’s Start The New Year Right" de Bing Crosby

Bing Crosby, el mismísimo Sr. Holiday, cantó esta melodía escrita por Irving Berlin en la película 'Holiday Inn' de 1942, coprotagonizada por Marjorie Reynolds y su amigo Fred Astaire. La película también contenía la canción ganadora del Oscar "White Christmas", de la que esta canción fue el lado B cuando se lanzó en vinilo en 78 RPM (RIP).

07. 'Raise Your Glass' de P!nk

Vale, este éxito de los 2000 no trata específicamente del 31 de diciembre, pero ¿Qué mejor momento hay para seguir las instrucciones de P!nk y levantar la copa? Baila hasta el 2025 con este pegadizo y, a la vez, muy vergonzoso tema, tanto si eres demasiado genial para la escuela como si eres demasiado escuela para ser genial. Después de todo, la Nochevieja es literalmente el día para "no ponerse elegante, sólo bailar".

08. "New Year’s Resolution" de Otis Redding y Carla Thomas

En un intento por replicar el éxito de Marvin Gaye y Tammi Terrell (y Kim Weston y más), Stax Records unió a dos de sus mayores estrellas para crear un álbum. El resultado, el clásico de soul menor de 1967 ‘King & Queen’, se grabó en seis días con Thomas y Redding respaldados por Isaac Hayes y Booker T & The MGs. El LP ayudó a convertir a Redding en una gran estrella un año antes de su trágico accidente aéreo.

09. "It’s The End of The World as We Know It (And I Feel Fine)" de R.E.M.

El clásico de culto de R.E.M. no fue un gran éxito en 1987, pero su estribillo apocalíptico/animado lo ha llevado a filtrarse en la conciencia pública en las décadas posteriores: Su mezcla de final extremo y alegría extrema habla perfectamente a aquellos de nosotros felices de prender fuego al año viejo y seguir adelante, mientras que sus versos casi incomprensibles describen literalmente una fiesta masiva.

10. "Auld Lang Syne (The New Year’s Anthem)" de Mariah Carey

Mira, ella ofreció la canción navideña definitiva, y aunque no es para los puristas de Robert Burns, se acerca bastante a la canción por excelencia de Nochevieja. Sí, hay innumerables variantes de "Auld Lang Syne", y no es realmente una sorpresa que el arreglo house de Mariah fuera algo divisivo cuando se lanzó en 2010. Pero si estás de humor para cantar a coro con sinceridad, esta canción lo tiene todo.

11. 'Firework' de Katy Perry

La canción más duradera de Katy Perry funciona básicamente en casi cualquier tipo de contexto social: ¿Funeral? ¡Sí! ¿Bautizo? Sin duda. ¿Aprobar el examen de conducir? ¿Por qué no? Aun así, su éxito pop, que va en aumento y es alentador, sin duda mejora un 10 por ciento si hay fuegos artificiales, como suele ocurrir en Nochevieja.

12. 'Bringing In A Brand New Year' de Charles Brown

El músico de blues de Texas y miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll, Tony 'Charles' Brown, fue aprendiz de electricista, profesor de química en la escuela secundaria y trabajador de gas mostaza en la década de 1940 antes de que lo descubrieran. Esta es solo una de sus numerosas canciones navideñas (y más de 100 sencillos en una variedad de sellos) de una carrera ridículamente prolífica como artista en solitario y miembro de los Three Blazers.

13. ‘Funky New Year’ de Eagles

Esta canción, que no forma parte de ningún álbum, es de los señores del funk blanco de Los Ángeles de los años '70s y fue el lado B de ‘Please Come Home For Christmas’. La banda grabó ambas melodías de la temporada durante las sesiones de dos años para su exitoso álbum de 1979 ‘The Long Run’.

14. ‘Gonna Make it Through This Year’ de Great Lake Swimmers

‘Americana para quienes odian la americana’ es una buena forma de describir a Great Lake Swimmers de Tony Dekker. Sin embargo, lo irónico de esto es que la banda pastoral que lleva una década en activo es de Ontario, Canadá, y sin embargo aquí nos están mostrando la mejor parte de los Estados Unidos.

15. "New Year’s Eve" de Tom Waits

Suena exactamente como esperarías que suene una canción de Nochevieja de Tom Waits, e incluso incorpora ‘Auld Lang Syne’ en el estribillo. Waits ha dicho que la canción era increíblemente larga, pero que tuvieron que acortarla a un pony. "Ese es un término alcohólico para una botella pequeña". ¡Un clásico de Tom!

16. ‘This Will Be Our Year’ de The Zombies

Para cualquiera que haya tenido un 2024 un poco duro (y vamos, ¿Quién no lo ha tenido?), esta reconfortante melodía pop de los años '60s debería actuar como un bálsamo. “Y este será nuestro año”, canta el líder Colin Blunstone sobre acordes de guitarra conmovedores pero decididos. “Tomó mucho tiempo llegar”. Es un sentimiento universal, cansado del mundo pero aún así fundamental, con el que muchos de nosotros nos identificaremos.

17. ‘New Year’s Eve’ de MØ

Probablemente conozcas a la cantautora danesa MØ por su participación en el ineludible gran éxito ‘Lean On’, una de las canciones más escuchadas de todos los tiempos. Esta joya electrónica con temática de Nochevieja es más reflexiva, pero también una canción sobre olvidar todas tus preocupaciones por una noche. ‘Got a problem, baby let it be, hop up on my back, have a happy New Year’s Eve’, canta con nostalgia. Sin duda brindaremos por eso.

18. "What Are You Doing New Year’s Eve" de Ella Fitzgerald

Probablemente la canción de Año Nuevo más versionada, el éxito de 1947 de Frank Loesser ha sido grabado por artistas tan variados como Bette Midler, Donny Osmond, Lena Horne, The Carpenters, Johnny Mathis, Harry Connick Jr. y The Stylistics. La versión en video de Zooey Deschanel y Joseph Gordon-Levitt tiene 16 millones de vistas en YouTube.

19. ‘Happy New Year’ de The McGuire Sisters

Dato curioso: Phyllis, Christine y Dorothy McGuire se convirtieron en estrellas de la canción y el baile en los años '40s con varios discos que vendieron millones, pero se retiraron definitivamente de las presentaciones en público en 1968 cuando los rumores sobre la relación de Phyllis con el famoso mafioso Sam Giancana las pusieron en la lista negra. Afortunadamente, lograron lanzar esta canción primero en 1957.

20. "New Year’s Day" de U2

Si has llegado a la parte del himno de la canción clásica de rock de la noche, pero no estás del todo listo para sumergirte en un soft rock agresivo y tonto, entonces escucha la magnificencia invernal del primer gran éxito de U2. El día de Año Nuevo del que Bono está hablando a carcajadas suena claramente más sombrío que el que probablemente estás esperando, pero aceptando que te has comprometido a poner a U2 en una fiesta, es una pieza musical genuinamente escalofriante.

21. ‘In The New Year’ de The Walkmen

Los cuentos de nostalgia entrecortados y borrachos de los rockeros indie son una combinación perfecta para unas vacaciones que se trata de mirar hacia adelante tanto como hacia atrás. La banda puede haber hecho una “pausa extrema” en 2013, pero esta canción, del subestimado 'You & Me' de 2008, es una joya que fácilmente sigue en pie.

22."The New Year" by Death Cab for Cutie

Ben Gibbard creó la protagonista ficticia de la canción como una mezcla de varias mujeres diferentes que había conocido: "Esta canción trata sobre una persona que vino a mí un día y me dijo que quería que escribieran sobre ella. Así que en realidad no es tanto mi historia como la de ella". La letra de la canción gira en torno a una melancólica fiesta de Año Nuevo. Ben Gibbard también ha señalado que la canción se originó como una canción folk, pero fue ampliada.

23."New Year’s Day" by Taylor Swift

"New Year's Day" es una canción de la cantautora estadounidense Taylor Swift de su sexto álbum de estudio, 'Reputation' (2017). Swift escribió y produjo la canción con Jack Antonoff. "New Year's Day" es una balada acústica con un arreglo escaso que incorpora riffs de piano recurrentes y notas tenues de guitarra y sintetizador. En la letra, el narrador pasa la mañana después de una fiesta de Nochevieja con un amante, y juntos limpian su casa compartida y se cuidan el uno al otro.

24."Dance The Night" by Dua Lipa

No hay otra noche en la que debas ponerte los zapatos de baile como en Nochevieja. Ponte tu par favorito (y cómodo) y prepárate para bailar toda la noche con esta canción animada.

25."New Year's Day" by Bon Jovi

Disfruta de esta electrizante canción que celebra los nuevos comienzos. Los riffs de guitarra y el bajo contundente llenan tu espíritu de buenas vibraciones.

26."New Years Eve" by Snoop Dogg ft. Marty James

Si hay alguien que puede hacer que empiece la fiesta, ese es Snoop Dogg. Esta canción de hip hop celebra pasar un buen rato y una noche aún mejor con esa persona especial a tu lado. ¡Brindaremos por eso!

27.“New Year’s Day” by Pentatonix

Una sensación de renovación y promesa se encuentra en la base de este sencillo inspirador. Interpretada por el grupo pop Pentatonix, la letra metafórica se refiere a nuevos comienzos más allá del nuevo año.

28.“Cuff It” by Beyoncé

¿Quién no quiere enamorarse y pasar un buen rato, especialmente en Nochevieja? Beyoncé nos ofrece esta canción nominada al Grammy, inspirada en el R&B y la música disco. Ah, y si sientes la necesidad de reunir a tus amigos y hacer el omnipresente desafío de baile en las redes sociales, ¡adelante!

29."Shut Up and Dance” by Walk The Moon

¿Quién tiene tiempo para charlar un rato cuando el reloj está a punto de marcar la medianoche? Esta imponente canción de Walk the Moon anima a las personas a dejar de lado las conversaciones y salir a bailar.

Lista de canciones:
Parte 1, 1:03:08 - https://drive.google.com/file/d/1gCUP9UdmNWF7ZL4q1wgaN4zhupl_ASNX/view?usp=drive_link
01.ABBA-Happy New Year
02.Prince-1999
03.Let’s Eat Grandma-Happy New Year
04.Europe-The Final Countdown
05.Camera Obscura-New Year’s Resolution
06.Bing Crosby-Let’s Start The New Year Right
07.P!nk-Raise Your Glass
08.Otis Redding and Carla Thomas-New Year’s Resolution
09.R.E.M.-It’s The End of The World as We Know It (And I Feel Fine)
10.Mariah Carey-Auld Lang Syne (The New Year’s Anthem)
11.Katy Perry-Firework
12.Charles Brown-Bringing In A Brand New Year
13.Eagles-Funky New Year
14.Great Lake Swimmers-Gonna Make it Through This Year

Parte 2, 57:14 - https://drive.google.com/file/d/1I-V8cH96PbSNVifPgVRWoObamb8Jq55O/view?usp=drive_link
15.Tom Waits-New Year’s Eve
16.The Zombies-This Will Be Our Year
17.M0-New Year’s Eve
18.Ella Fitzgerald-What Are You Doing New Year’s Eve
19.The McGuire Sisters-Happy New Year
20.U2-New Year’s Day
21.The Walkmen-In The New Year
22.Death Cab for Cutie-The New Year
23.Taylor Swift-New Year’s Day
24.Dua Lipa-Dance The Night
25.Bon Jovi-New Year's Day
26.Snoop Dogg ft. Marty James-New Years Eve
27.Pentatonix-New Year’s Day
28.Beyoncé-Cuff It
29.Walk The Moon-Shut Up and Dance


Todas las canciones que se tocaron en este programa las puede volver a escuchar:

- En Spotify: https://open.spotify.com/playlist/5DSy1z86JdulmUtXEe1JLx?si=sJ3Qt7nqRSujkDyiCoJgcQ 

- En Qobuz: https://open.qobuz.com/playlist/27622510 

- En Youtube: https://youtube.com/playlist?list=PLjgI2tocSul_xsVGjHTYzB0qARPDBEUVu&si=5ExjXsvWOIciujmi

Prince -1999

Prince -1999

1999 es una canción del músico estadounidense Prince, la canción principal de su quinto álbum de estudio de titulo 1999 (27-Oct-1982). Originalmente alcanzó el puesto número 44 en el Billboard Hot 100, una reedición a mediados de 1983 alcanzó más tarde el puesto número 12 en los EE. UU., mientras que una reedición de enero de 1985, una doble cara A con 'Little Red Corvette', más tarde alcanzó el puesto número 2 en el Reino Unido.

Rolling Stone clasificó a 1999 en el puesto número 339 en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Después de la muerte de Prince, la canción volvió a aparecer en el Billboard Hot 100 en el puesto número 41, subiendo más tarde al número 27, lo que la convierte en la cuarta vez separada que la canción entra en el Hot 100 y la tercera década diferente en la que la canción vuelve a aparecer en las listas (ya que después de sus dos entradas en la década de 1980, apareció en la lista nuevamente el 16 de enero de 1999 en el puesto número 40). Al 30 de abril de 2016, ha vendido 727,363 copias en los Estados Unidos.

La inspiración para la canción surgió de un documental de televisión que Prince vio sobre Nostradamus. En la película, predijo que un terror caería sobre el mundo en 1999. Al día siguiente, en los ensayos, Prince habló del documental con sus compañeros de banda, donde imaginaron que se organizaría una gran fiesta sabiendo que ese terror estaba a punto de suceder. Como dijo Lisa Coleman, Prince fue al estudio al día siguiente y repartió las letras de las canciones a la banda, que ya estaban completamente escritas.

El vídeo, dirigido por Bruce Gowers, se grabó durante la última semana de ensayos para la gira de '1999'. Muestra a Prince y su banda durante una actuación en directo. Justo a tiempo para hacer su parte después de Lisa Coleman, Jill Jones y Dez Dickerson, Prince aparece en el escenario desde arriba, deslizándose sobre un poste de bomberos, vistiendo un abrigo largo morado brillante.

Algo salió mal con la grabación de la línea vocal principal de Dez y el material fue grabado nuevamente por un equipo de cámaras local la tarde anterior al primer espectáculo de la gira de '1999' en Chattanooga el 11 de noviembre de 1982. 

VH1 reprodujo este vídeo de forma continua desde la medianoche, hora del Este, del 31 de diciembre de 1998 hasta la siguiente medianoche, el 1 de enero de 1999.

Prince - 1999 (Official Music Video): https://youtu.be/rblt2EtFfC4?si=XX3Sf6KkrIlmanQG

Efemérides: 28 de Diciembre

UN DÍA COMO HOY 28 DE DICIEMBRE PERO DEL AÑO....

1946. Hoy cumple 78 años Edgar Winter, músico, cantante y multiinstrumentista norteamericano nacido en Beaumont Texas.

Albino como su hermano, el guitarrista Johnny Winter, Edgar toca principalmente los teclados y el saxofón. Su primer álbum, 'Entrance' (1970), contenía una magnífica versión de 'Tobacco road', que le hizo rápidamente conocido a nivel nacional. Su oferta musical abarcaba diferentes géneros, como jazz, blues, rock y pop. Para los dos siguientes trabajos, 'Edgar Winter's White Trash' (1971) -que incluía el memorable 'Dying to live'-, y el directo 'Roadwork' (1972) formó una banda de acompañamiento, White Trash, con la que consolidó su éxito en Estados Unidos..

En 1972 formó The Edgar Winter Group, junto con Dan Hartman, Ronnie Montrose y Chuck Ruff. Fué con esta banda con la que publicó su álbum de mayor éxito 'They Only Come Out at Night' (1972), en el que figuraban el tema instrumental y hit nº1 'Frankenstein', y 'Free ride'. En 'Frankenstein' fue el primer músico en usar un sintetizador como instrumento solista principal. Revolucionó el rock and roll, descubriendo y experimentando con un nuevo mundo de posibilidades sonoras.

Winter también fue un precursor en colgarse el teclado con una correa de los hombros -como si fuera una guitarra- para así tener más libertad de movimiento durante sus frenéticas actuaciones en las que saltaba de un instrumento a otro, demostrando sus habilidades y virtuosismo con teclados, sintetizador, saxofón y percusión. Rick Derringer (ex-McCoys), que hasta ahora se había ocupado de la producción, pasó a ser además, el guitarrista de la banda, en sustitución de Ronnie Montrose.

Tras la publicación de 'Shock Treatment' (1974), Rick siguió en solitario, aunque las colaboraciones entre Winter y Derringer se repetirían en el futuro. Con más de una docena de álbumes publicados desde entonces, entre los que destacan 'Jasmine Nightdreams' (1975), 'Not a Kid Anymore' (1994) y 'The Real Deal' (1996), Edgar no se ha conformado con el estrellato del rock, sino que además realiza numerosas apariciones en afamados shows y tertulias televisivas, en las que, además de promocionar su música, opina sobre lo divino y humano. Músico dotado con un gran talento, también es un miembro destacado de la Iglesia de la Cienciología. Ha colaborado en diversas ocasiones con la Ringo All Starr Band y en 2008 publicó su último trabajo hasta la fecha, 'Rebel Road', en el que intervinieron su hermano Johnny, Slash y Clint Black. En 2017 realizó entre agosto y septiembre una gira como telonero de Deep Purple y Alice Cooper y se editó la caja recopilatoria 'Tell Me in a Whisper' que contiene sus álbumes en solitario desde 1970 hasta 1980. Su entrega más reciente fue 'Brother Johnny' en 2022, con una selección de temas que grabó y popularizó su hermano.

1950. Nace Alex Chilton, en Memphis, Tennessee Estados Unidos. Cantante y guitarrista de rock. Formó su primer grupo, Box Tops, cuando tenía 16 años, logrando un gran éxito en 1967 con la canción ‘The letter’. Tras la disolución de Box Tops, Chilton formó Big Star, con los que llegó a publicar tres álbumes –“#1 Record”, “Radio city” y “Third/Sister”– antes de separarse en 1974. La banda volvió a reunirse en 1993 y en 2005 lanzó su cuarto disco, “In space”. Entre 1975 y 2005 Chilton publicó diez discos en solitario. Murió en 2010.

1976. Muere Freddie King, de un fallo cardíaco, en Dallas, Texas Estados Unidos. Tenía 42 años. Guitarrista y cantante de blues. Instalado desde 1950 en Chicago, unió en su forma de tocar la guitarra los estilos blues de Texas, más rural, y de Chicago, eléctrico y urbano. Sus primeras grabaciones las realizó como músico de sesión de los sello Chess y Parrott, sus propios discos comenzaron a llegar desde 1957. Aunque hoy es un músico bastante olvidado, fue una de las influencias de referencia de los músicos británicos de los años sesenta adscritos al rhythm and blues, como Eric Clapton o Mick Taylor.

1983. Muere Dennis Wilson, ahogado en Marina del Rey, California Estados Unidos. Tenía 39 años. Vocalista y batería de The Beach Boys. En 1977 publicó su único disco en solitario, el excelente “Pacific Ocean blue”.

2008. Muere Vincent Ford, a los 68 años, como consecuencia de la diabetes que padecía. Ford ya sufrió la amputación de las dos piernas dos años antes a causa de la diabetes. Fue autor de la canción ‘No Woman No Cry’, popularizada por Bob Marley, del que fue compañero en el gueto Trench Town de Kingston (Jamaica), en los años sesenta. Marley incluyó ‘No Woman No Cry’ en su álbum de 1974 “Natty dread”, convirtiéndose en uno de sus mayores éxitos. Ford también contribuyó con varias canciones al álbum que Marley editó en 1976, “Rastaman vibration”.

2015. Muere John Bradbury, batería de la banda británica The Specials, a los 62 años.

2015. Muere Lemmy Kilmister, líder de los británicos Motörhead, a causa de un cáncer agresivo, a los 70 años de edad. “No hay una manera fácil de decir esto… nuestro enorme y noble amigo Lemmy falleció hoy tras una corta batalla con un cáncer muy agresivo”, decía el comunicado de Motörhead con el que se anunció su fallecimiento y en el que se explicaba que Lemmy se enteró de la enfermedad el día 26 de diciembre. “No podemos empezar a expresar nuestra conmoción y tristeza, no hay palabras”.

2018. Muere Ray Sawyer, cantante y cofundador de Dr. Hook, tras una breve enfermedad, a los 81 años. En 1967, Sawyer perdió un ojo en un accidente de tráfico y desde entonces utilizó un parche. Su parecido con el Capitán Garfio de Peter Pan fue el motivo de que la nueva banda se denominase Dr. Hook & the Medicine Show. Tras publicar sus dos primeros discos, en 1975 acortaron el nombre en Dr. Hook. Aunque su rol en Dr. Hook era el de segunda voz y esporádicamente percusionista, Sawyer fue el cantante solista de uno de los principales éxitos del grupo: “The cover of ‘Rolling Stone’”, en 1972. Tras la disolución de Dr. Hook, en 1985, continuó en activo hasta 2015 en el circuito de la nostalgia.

Discos publicados un 28 de Diciembre

• 1963 - STEVIE WONDER - ‘With a Song in My Heart’

• 1976 - EMMYLOU HARRIS - ‘Luxury Liner’
• 1976 - BREAD - 'Lost Without Your Love'
• 1977 - SUICIDE - 'Suicide'

• 1988 - VARIOS - 'Sub-Pop-200'

• 1990 - WILLY DEVILLE - 'Victory Mixture'

• 2004 - JOHN LEGEND - 'Get Lifted'
• 2005 - DRAGONFORCE - 'Inhuman Rampage'

Elton John Live at Dodger Stadium: 'Farewell Yellow Brick Road Tour' 2022

Este concierto fue filmado el 19 de noviembre de 2022, se transmitió en vivo en Disney+ como 'Elton John Live: Farewell from Dodger Stadium'. 

Ese concierto contó con apariciones especiales de Brandi Carlile, Kiki Dee y Dua Lipa. La grabación ganaría el premio Primetime Emmy al mejor especial de variedades (en vivo) en la 75.ª ceremonia en 2024, lo que le permitió a John alcanzar el estatus EGOT.

'Farewell Yellow Brick Road' fue la cuadragésima novena gira de conciertos del músico inglés Elton John. Comenzó en Allentown, Pensilvania, EE. UU., el 8 de septiembre de 2018 y finalizó en Estocolmo, Suecia, el 8 de julio de 2023. Constó de 330 conciertos en todo el mundo. El nombre de la gira y su cartel hacen referencia al álbum de John de 1973 'Goodbye Yellow Brick Road'.

Según Billboard, la gira recaudó 939.1 millones de dólares en 328 espectáculos, lo que la convierte en la tercera gira con mayores ingresos de todos los tiempos.

John anunció la gira de despedida en enero de 2018 con etapas en estadios tanto en América del Norte como en Europa, que comenzarían en Pensilvania en septiembre de 2018. Al final de la primera etapa de la gira en estadios de América del Norte, el 18 de marzo de 2019, había recaudado más de 125 millones de dólares y ganó un Billboard Music Award en la categoría Top Rock Tour.

Las primeras tres etapas de la gira en América del Norte se combinaron para recaudar 268.2 millones de dólares en 116 espectáculos, mientras que su gira en estadios de América del Norte de julio a noviembre de 2022 recaudó 222.1 millones de dólares en 33 espectáculos. La etapa de estadios europeos de 2019 de la gira recaudó 49.9 millones de dólares, mientras que la etapa de estadios europeos de 2022 recaudó 69.2 millones de dólares en 2022, lo que resultó en un total mundial combinado de 749.9 millones de dólares de 5 millones de entradas vendidas hasta noviembre de 2022.

En enero de 2023, la etapa de Oceanía recaudó $40.9 millones y vendió 242,000 entradas. En total, los espectáculos de Australia y Nueva Zelanda en 2020 y 2023 han vendido 875,000 entradas solamente. Al final de la etapa de Oceanía en enero de 2023, Billboard informó que la gira recaudó $817.9 millones en 278 espectáculos y más de 5.3 millones de entradas vendidas, convirtiéndola en la gira con mayor recaudación de todos los tiempos después de superar al poseedor del récord anterior, el '÷ Tour' de Ed Sheeran con $776.2 millones. Se convirtió en la primera gira de la historia en superar los 800 y los 900 millones de dólares.

Para el espectáculo final en julio de 2023, la gira superó los 939.1 millones de dólares en ingresos brutos y las 6.1 millones de ventas de entradas, ampliando el récord de la gira con mayores ingresos de la historia.

El 30 de mayo de 2018, se anunció que Elton John se había asociado con Peex para personalizar el volumen para las experiencias de los conciertos de los fanáticos, además de grabar el espectáculo para revivirlo.

El 18 de mayo de 2022, Disney Original Documentary y Disney+ anunciaron que los shows de John de noviembre de 2022 en el Dodger Stadium se grabarían para un documental titulado 'Goodbye Yellow Brick Road: The Final Elton John Performances and The Years That Made His Legend', dirigido por R.J. Cutler y David Furnish. 

Lista de canciones:

Good Morning to The Night

01.Bennie and the Jets

02.Philadelphia Freedom

03.I Guess That's Why They Call It the Blues

04.Border Song (Dedicated to Aretha Franklin)

05.Tiny Dancer

06.Have Mercy on the Criminal

07.Rocket Man (I Think It's Going to Be a Long, Long Time)

08.Take Me to the Pilot

09.Someone Saved My Life Tonight

10.Levon

11.Candle in the Wind

12.Funeral for a Friend/Love Lies Bleeding

13.Burn Down the Mission

14.Sad Songs (Say So Much)

15.Sorry Seems to Be the Hardest Word

16.Don't Let the Sun Go Down on Me

17.(Dedicated to the band members he has lost)

18.The Bitch Is Back

19,I'm Still Standing

20.Crocodile Rock

21.Saturday Night's Alright for Fighting

Encore:

22.Cold Heart (PNAU remix)

23.Your Song

24.Goodbye Yellow Brick Road

Músicos:
Elton John – voz, piano
Davey Johnstone – guitarra, coros, director musical
Nigel Olsson – batería, coros
Matt Bissonette – bajo, coros
John Mahon – percusión, coros
Kim Bullard – teclados
Ray Cooper – percusión

Elton John Live at Dodger Stadium: 'Farewell Yellow Brick Road Tour' 2022: https://youtu.be/hpRLwZqiui4?si=OJ9FzhdEJrKHGSXq

Bandas de Hair Metal subestimadas

Fuente: ultimateclassicrock.com

10 bandas de Hair Metal subestimadas que merecían ser mucho más grandes.

El "hair metal" no es un género en sí. Tú lo sabes, nosotros lo sabemos y la multitud de bandas que injustamente fueron incluidas en esta categoría lo saben.

Dicho esto, la frase peyorativa tiene un propósito aquí. Los críticos acuñaron el término "hair metal" como una forma abreviada de desestimar a las innumerables bandas de hard rock imitadoras que abarrotaron Sunset Strip y dominaron las ondas de radio durante gran parte de los años '80s. En términos generales, no era un subgénero que recompensara la originalidad. Por lo tanto, tiene sentido que muchos de los artistas de nuestra lista de 10 bandas de hair metal subestimadas que merecían ser mucho más grandes también fueran los que iban contra la corriente.

Como quiera que lo quieras llamar —glam metal, pop-metal, party metal— las características del hair metal son consistentes: riffs de guitarra masivos, solos ardientes, letras depravadas y estribillos pegadizos aptos para la radio. En el mejor de los casos, podía ser pura felicidad escapista. En el peor, era una tontería estridente, artificial y liviana.

A medida que avanzaban los años '80s y la escena hard rock de Los Ángeles se saturaba cada vez más, la segunda categoría comenzó a superar a la primera. La escritura estaba en la pared mucho antes de que Nirvana hiciera sonar el toque de difuntos del hair metal con 'Nevermind' de 1991. Pero incluso cuando el género se precipitaba hacia la irrelevancia, varias bandas lograron producir música excelente que no logró obtener el reconocimiento que merecía.

Algunas de las bandas de esta lista intentaron cambiar la fórmula del hair metal con elementos de blues, rock sureño o heavy metal y fracasaron. Otras sufrieron una mala gestión o una falta general de apoyo cuando más lo necesitaban. Otras, sin embargo, vieron sus carreras trágicamente truncadas y, posteriormente, vieron a sus acólitos llevar su sonido y estética a alturas comerciales asombrosas.

Sea como fuere, muchas de estas bandas siguen siendo de culto en la actualidad, y por una buena razón. 

Sigue leyendo para ver nuestra lista de 10 bandas de Hair Metal subestimadas que merecían ser mucho más grandes.

10 bandas de Hair Metal subestimadas que merecían ser mucho más grandes

Aunque el género se precipitaba hacia la irrelevancia, varias bandas lograron producir música excelente y poco apreciada.

Badlands

Tras su abrupto despido de la banda de Ozzy Osbourne, el guitarrista Jake E. Lee reclutó al ex vocalista de Black Sabbath Ray Gillen y al baterista Eric Singer, además del bajista Greg Chaisson, para formar el grupo de hard rock blusero Badlands. El despido de Lee seguiría siendo un tema espinoso durante décadas, pero el debut homónimo de Badlands en 1989 demuestra que, desde un punto de vista creativo, fue una bendición disfrazada. “High Wire”, “Dreams in The Dark”, “Dancing on The Edge” y “Hard Driver” se encuentran entre las mejores composiciones de la carrera de Lee, llenas de riffs arrogantes y solos vertiginosos que se igualan libra por libra con la soberbia y altísima voz de Gillen. Sin embargo, a pesar de su potencial, Badlands fracasó en el puesto número 57 del Billboard 200. 

'Voodoo Highway' de 1991 tuvo un impacto similar, pero, por supuesto, fue demasiado poco y demasiado tarde, y el álbum no logró ingresar al Top 100. La muerte de Gillen relacionada con el SIDA en 1993 aplastó cualquier posibilidad de reunión, y Lee persiguió otros proyectos mientras Badlands seguía siendo una nota al pie trágicamente subestimada en la historia del hair metal.

Bang Tango

Parecían una Hair Band, sonaba (a veces) como una Hair Band y hacía giras con otras Hair Band, pero Bang Tango tenía más de lo que se veía a simple vista. El álbum debut de la banda de 1989, 'Psycho Cafe' (que alcanzó el puesto número 58), ofrecía una combinación inteligente de glam metal y funk-metal, con ritmos de bajo ágiles que complementaban riffs metálicos y la voz callejera de Joe Leste. Si se hubieran presentado de otra manera, tal vez Bang Tango podría haberse ganado el favor de la floreciente escena del metal alternativo junto a grupos como Jane’s Addiction, Faith No More y Red Hot Chili Peppers. En cambio, se juntaron con la avalancha de decepcionantes bandas de Hair Metal, y cuando lanzaron el deslucido "Dancin’ on Coals" en 1991, su destino estaba sellado.

Blue Murder

El guitarrista y compositor John Sykes fue fundamental en la reinvención de Whitesnake en su álbum homónimo de 1987, pero David Coverdale lo despidió antes de que el LP llegara a las tiendas. Su tensa y efímera asociación sigue siendo un tentador "¿qué hubiera pasado si?", pero Sykes dio una fuerte indicación de hacia dónde podrían haber ido con su banda posterior a Whitesnake, Blue Murder. El debut homónimo de la banda en 1989 es una exhibición técnica deslumbrante, con Sykes en la guitarra y las funciones vocales flanqueado por el baterista Carmine Appice y el bajista Tony Franklin. Las voces bluseras del líder rivalizan con las de Coverdale a veces, y desgarra solos a la velocidad de la luz con aplomo sin esfuerzo. Pero a pesar de las dotes musicales y de composición de la banda, Blue Murder se estancó en el puesto número 69 del Billboard 200 y generó un éxito menor en "Jelly Roll". Su segundo y último álbum, "Nothin’ but Trouble" de 1993, llegó y se fue sin dejar rastro.

Dangerous Toys

Austin, Texas no era precisamente un semillero de glam metal durante los años '80s, pero ayudó a los recién llegados Dangerous Toys a destacarse de sus pares más guapos. El debut homónimo en 1989 de los nativos del estado de la estrella solitaria  combinaba ganchos de pop-metal con boogie blues sureño y un sentido del humor diabólico. Canciones como "Teas'n, Pleas'n", "Scared" y "Outlaw" tenían mucho histrionismo de guitarra y armonías vocales elevadas, y el líder Jason McMaster entregaba sus gritos penetrantes y melódicos con una ferocidad que haría sonrojar a Axl Rose. 

'Dangerous Toys' finalmente se convirtió en disco de oro y le valió a la banda puestos de teloneros para Motörhead, Judas Priest y Alice Cooper, pero 'Hellacious Acres' de 1991 no estuvo a la altura de su predecesor. La banda fue expulsada de Columbia Records y lanzó dos álbumes más ('Pissed' en 1994 y 'The R*tist 4*merly Known as Dangerous Toys' en 1995) antes de volver a su estatus de héroe local a tiempo parcial.

Hanoi Rocks

Hanoi Rocks habría rechazado firmemente la clasificación de Hair Metal, pero su mezcla de glam rock y punk de barrio influyó en prácticamente todas las demás bandas de la escena. El líder Michael Monroe poseía un carisma incomparable y una belleza etérea, mientras que el guitarrista Andy McCoy tocaba con una arrogancia despreocupada cultivada de figuras como Keith Richards y Johnny Thunders (y robada descaradamente por un Izzy Stradlin pre-fama). Hanoi Rocks parecía estar en la cúspide del estrellato con su debut en 1984 en una importante discográfica, 'Two Steps From the Move', pero su carrera se vio truncada cuando el líder de Mötley Crüe, Vince Neil, mató a su batería Razzle en un accidente por conducir ebrio. A pesar de que el estrellato los eludió, Hanoi Rocks siguió siendo una banda de culto muy querida cuya influencia era clara como el día entre figuras como Guns N' Roses y Poison.

L.A. Guns

La carrera temprana de L.A. Guns no fue nada despreciable: sus dos primeros álbumes fueron disco de oro y lograron un sencillo en el Top 40 con “The Ballad of Jayne”. Pero merecían mucho más. Su debut homónimo de 1988 y su continuación, 'Cocked & Loaded' de 1989, mostraron una banda de malhechores del punk-metal que eran más sórdidos y más peligrosos que la mayoría de sus pares. Los riffs contundentes y los solos rápidos de Tracii Guns lo convirtieron en uno de los guitarristas más carismáticos del último suspiro del hair metal, y el grito áspero de Phil Lewis le dio a canciones como “No Mercy”, “Electric Gypsy” y “Rip and Tear” una calidad deliciosamente desquiciada. Lo que les faltó a L.A. Guns en fama meteórica, al menos lo compensaron con longevidad. Con Guns y Lewis reunidos, han lanzado varios álbumes impresionantes en los últimos tiempos, incluidos 'The Missing Peace' de 2017 y 'Checkered Past' de 2021.

Loudness

Loudness se convirtió en la primera banda de metal japonesa en firmar con un sello importante en los Estados Unidos, y su debut en 1985 en un sello importante, 'Thunder in The East', mostró a una banda con lo necesario para conquistar el mundo. 

El mundo, por supuesto, tenía otros planes: 'Thunder in The East' alcanzó el puesto número 74 en el Billboard 200, y su siguiente álbum, 'Lightning Strikes' de 1986, alcanzó el puesto número 64. Este modesto éxito ciertamente no se debió a una falta de material valioso. Canciones como "Crazy Nights", "Let It Go" y "Soldier of Fortune" de 1989 chisporrotean con el electrizante trabajo de guitarra de Akira Takasaki, y sus estribillos para gritar tienen más sustancia que una pista de glam metal común y corriente. Aunque Loudness siguió perfeccionando su sonido, su apoyo en Estados Unidos disminuyó, pero siguieron siendo tremendamente prolíficos y exitosos en Japón, lanzando su 28º álbum, 'Sunburst', en 2021.

Lynch Mob

Si hubieran debutado unos años antes, Lynch Mob habría, podría y debería haber sido un gran éxito. Con el ex guitarrista de Dokken George Lynch y el baterista Mick Brown, el álbum debut de la banda de 1990, 'Wicked Sensation', sirvió como una mezcla de riffs crujientes, ritmos carnosos y estribillos deliciosos. Con el cantante principal Oni Logan al mando, temas como "Wicked Sensation", "River of Love" y "No Bed of Roses" finalmente dieron cuenta del potencial sin explotar de la antigua banda de Lynch y permitieron al guitarrista titular hacer alarde de su virtuosismo que derrite el diapasón. Pero la escena del glam metal estaba en decadencia en 1990, y 'Wicked Sensation' en consecuencia se extinguió en el puesto número 46 del Billboard 200. Logan fue despedido poco después de la gira de apoyo, y Lynch Mob sacó un álbum homónimo en 1992 con poca fanfarria antes de disolverse por primera vez en 1994.

Warrant

Sabemos lo que estás pensando: “Espera, ¿Warrant? ¿La banda con dos álbumes de doble platino, una balada potente que alcanzó el puesto número 2 y un himno de cock-rock generacional? ¿Ese Warrant? ¿Cómo diablos fueron subestimados?” Escuchamos tus preocupaciones, querido lector, y contraatacamos con tres simples palabras: 'Dog Eat Dog'. 

El tercer álbum de Warrant no solo fue su mejor trabajo, sino un punto culminante de toda la era del glam metal; una explosión de riffs furiosos y ganchos sofisticados que cimentó a Jani Lane como uno de los mejores compositores de la escena. Pero ya has visto esta película antes: 'Dog Eat Dog' salió en 1992 y cojeó hasta alcanzar el estatus de disco de oro, y Warrant fue relegado al basurero de la historia del hair metal. En una línea de tiempo alternativa, este álbum habría explotado, Warrant habría salvado su reputación y el difunto Lane habría sido conocido como mucho más que “el chico de Cherry Pie”.

Y&T

Mucho antes de que Mötley Crüe fuera siquiera un destello en los ojos de Nikki Sixx, Y&T —originalmente conocidos como Yesterday & Today— ya estaban dando lo mejor de sí en los clubes y abriendo para Queen, Journey y AC/DC. Acortaron oficialmente su nombre en 'Earthshaker' de 1981 y comenzaron a cosechar los frutos de su trabajo con 'Mean Streak' de 1983. 'In Rock We Trust' de 1984 alcanzó el puesto número 46, e Y&T consiguió el single más importante de su carrera con el espumoso "Summertime Girls" de 1985. Sin embargo, a pesar de su creciente impulso y el prodigioso talento del cantante y guitarrista Dave Meniketti, el verdadero éxito comercial de Y&T nunca se materializó. Para cuando saltaron a Geffen Records, aligeraron su sonido y comenzaron a contratar a compositores externos para 'Contagious' de 1987, su caída comercial había comenzado. Es una historia conocida: al atender a las masas, Y&T sacrificó las cualidades que los hicieron especiales en primer lugar, pero sus mejores álbumes pueden competir con los mejores de la década.

Estreno de la película 'Becoming Led Zeppelin'

Fuente: ultimateclassicrock.com

Se suman más cines a los planes de estreno de “Becoming Led Zeppelin”.

'Becoming Led Zeppelin', el esperado documental sobre el ascenso a la fama de la banda, se estrenará en febrero.

Sony Pictures ya había anunciado la llegada de la película a los cines IMAX el 7 de febrero, dos días después de algunas proyecciones previas. Ahora se ha confirmado que la película llegará a los cines tradicionales el 14 de febrero. Las entradas ya están a la venta.

El director Bernard McMahon utilizó tecnología de vanguardia para revitalizar material de archivo con la intención de que se viera y sonara como nuevo.

“Apoyada en imágenes, actuaciones y música psicodélica impresionante y nunca antes vista, la odisea cinematográfica experiencial de Bernard MacMahon explora la historia creativa, musical y personal del origen de Led Zeppelin”, explicaba un anuncio. “La película está contada con las propias palabras de Led Zeppelin y es la primera película oficialmente aprobada sobre el grupo”.

La producción había estado en marcha durante varios años. En 2021, McMahon le dijo a The Upcoming: “El proceso de hacer esta película fue mucho más parecido al de un largometraje que al de un documental.

“Contamos la historia desde su infancia hasta 1970, cuando se convirtieron en la banda más grande del mundo. Contar eso de manera poderosa es un largometraje en sí mismo”.

El documental sobre Led Zeppelin se planeó en secreto

La escritora Allison McGourty agregó: “Hicimos [nuestra] preparación sin decirle a nadie, porque queríamos estar seguros de que funcionaría en la pantalla antes de presentarlo. Luego volamos a Londres y nos reunimos con Jimmy Page, luego con John Paul Jones y luego con Robert Plant y Pat Bonham.

“Sabíamos que la banda había rechazado innumerables ofertas de documentales durante cincuenta años, pero creíamos en el propósito superior de la historia que planeábamos contar”.

Mira el tráiler completo de 'Becoming Led Zeppelin': https://youtu.be/EDKC77QS8WM

Las 30 mejores canciones de rock de 2024

Fuente: ultimateclassicrock.com 

Desde grandes éxitos del heavy metal hasta reuniones que desafían el paso del tiempo, estas canciones reafirmaron nuestra fe en el género.

En diciembre de 2024, Gene Simmons opinó, con total naturalidad, que el rock estaba muerto. Los artistas que componen nuestro Top 30 de canciones de rock de 2024 quisieran hablar con nosotros.

A medida que el año se acerca a su fin, UCR recuerda con cariño otros 12 meses de canciones de rock de peso pesado que reafirmaron nuestra fe en el género. Este año vimos lanzamientos atronadores de gigantes del heavy metal como Judas Priest y Bruce Dickinson; himnos de blues-rock contundentes de Jack White y Black Keys; sentidas reflexiones de Billy Joel y Stevie Nicks; y reuniones que desafían el paso del tiempo de Black Crowes y The Cure. Y eso es solo la punta del iceberg.

Siga leyendo para ver nuestra lista completa de las 30 mejores canciones de rock de 2024.

30. James McCartney, "Primrose Hill"

De: Beautiful Nothing

James McCartney causó revuelo cuando reveló que había coescrito "Primrose Hill" con Sean Ono Lennon y, de hecho, la melancolía nostálgica de la canción evoca el trabajo de sus padres. La balada acústica con tintes folk cuenta una historia simple pero conmovedora de recuerdos cariñosos y añoranza desconsolada. "You disappear forever / forever's a long word / but never's not long enough / to be loving you", canta McCartney. Es una frase que la mayoría de los compositores matarían por escribir; después de todo, él aprendió de los mejores.

James McCartney - Primrose Hill (Official): https://youtu.be/x7xJ0W5fTfk?si=S3a6sB-WDOXvq7Ys

29. Mike Campbell & The Dirty Knobs feat. Graham Nash, "Dare to Dream"

De: Vagabonds, Virgins & Misfits

Después de décadas de ser la mano derecha de Tom Petty, el ex guitarrista de Heartbreakers Mike Campbell ha pasado sus últimos tres álbumes en solitario buscando su propia voz como cantante y líder de banda. Suena confiado en su nuevo rol en "Dare to Dream", un rock lánguido y casi psicodélico lleno de riffs de guitarra monótonos y la mueca nasal de Campbell, que suena más que un poco como la de su difunto compañero. Una voz invitada de Graham Nash solidifica aún más las credenciales de pop-rock de los años '60s de la canción.

Mike Campbell & The Dirty Knobs - Dare To Dream (feat. Graham Nash) [Official Music Video]: https://youtu.be/FhGeeldeedk?si=0qZ2z_J1NrO7kwal

28. The Darkness, "The Longest Kiss"

De: Dreams on Toast

El atrevido sencillo principal del álbum 2025 de The Darkness se apoya fuertemente en la afinidad de la banda con Queen, lleno de armonías de guitarra crujientes y teclas rítmicas que le dan una pompa y un pisotón exclusivamente británicos. El cantante principal, Justin Hawkins, ofrece una interpretación vocal relativamente moderada, mostrando su rango medio completo mientras genera anticipación para el histrionismo de voz de cabeza que caracteriza las canciones más icónicas de The Darkness.

The Darkness - The Longest Kiss (Official Visualiser): https://youtu.be/Gm6-ZYvBTVw?si=fasmNEueO88yqwuy

27. Joe Satriani y Steve Vai, "Sea of ​​Emotion, Pt. 1"

Parece increíble que Joe Satriani y Steve Vai nunca hubieran colaborado antes en el estudio, pero compensan el tiempo perdido en el extenso "Sea of ​​Emotion, Pt. 1". Ambos héroes de la guitarra mantienen el énfasis en la melodía y la estructura de la canción, entregando una improvisación funky repleta de mini-estribillos en cada paso. La recompensa es aún mayor cuando ambos se sueltan con sus solos característicos, vertiginosos y esotéricos.

JOE SATRIANI & STEVE VAI ' The Sea Of Emotion, Pt.1' - Official Video: https://youtu.be/VAKVmW1InBA?si=cvOKCko5JDK7KxUG

26. Little Feat y Bonnie Raitt, "Long Distance Call"

De: Long Distance Call

La interpretación pantanosa de Little Feat del clásico blues de Muddy Waters es una combinación de lo familiar y lo novedoso. La banda extiende su historia de décadas de colaboraciones con Bonnie Raitt, quien hace un dueto evocativo con el percusionista de la era clásica Sam Clayton en su primera interpretación vocal. Nunca lo adivinarías por su actuación segura, grave y hablada, que, cuando se combina con la chispeante guitarra slide de Scott Sharrard, crea una clase magistral de blues moderno.

Little Feat - Long Distance Call featuring Bonnie Raitt (from Sam's Place): https://youtu.be/vNw8MLfmVKU?si=YmccS7WR68qnxrzy

25. Melvins, "Working The Ditch"

De: Tarantula Heart

"Working The Ditch", el sencillo principal del 27.° álbum de estudio de Melvins, 'Tarantula Heart', muestra al grupo trabajando en un modo que resulta familiar, aunque no exactamente accesible. La cacofonía de sludge-metal de la banda alcanza nuevas alturas experimentales de larga duración a lo largo del LP, y "Ditch" está anclada por riffs hipnóticos y rechinantes y los cantos ásperos y repetitivos de Buzz Osborne. El asalto de doble batería de Dale Crover y Roy Mayorga agrega simultáneamente densidad y soltura a su gorgoteante guiso sónico.

Melvins "Working The Ditch": https://youtu.be/SCtkn9W9GJ8?si=0ibgRsSqzxlL_R5U

24. Ozzy Osbourne, Billy Morrison y Steve Stevens, "Crack Cocaine"

De: The Morrison Project

Seguro que puedes tomar la palabra de Billy Morrison y leer la letra de "Crack Cocaine" como una metáfora de una relación amorosa tóxica, pero solo si puedes separar la canción de la legendaria y depravada historia de Ozzy Osbourne. Independientemente de cómo la interpretes, la canción es un clásico de Ozzman, lleno de riffs con la aprobación de Zakk Wylde y un solo furioso del compañero de banda de Morrison en Billy Idol, Steve Stevens. Osbourne suena feroz y lúcido mientras brama sobre un pasatiempo que a menudo lo hacía comportarse de una manera poco digna.

Steve Stevens, Ozzy Osbourne, Billy Morrison - Crack Cocaine (Official): https://youtu.be/n0Wwk6A0jFs?si=jKyednE-P9ZAylRI

23. Billy Idol, "Best Way Out of Here"

De: Rebel Yell (Expanded Edition)

"Parece que Steve [Stevens] estuvo muy influenciado por Prince", dijo Billy Idol cuando presentó "Best Way Out of Here", un tema inédito de las sesiones de 'Rebel Yell'. "Es casi como una pista de acompañamiento de Prince con Billy Idol cantando". De hecho, los riffs de guitarra funky de Stevens y los sintetizadores pesados ​​de la canción evocan a Purple One y otros contemporáneos de la nueva ola, mientras que la voz scat de Idol parece en deuda con el reggae, prueba de que el pin-up punk estaba en su mejor momento cuando abrazó sus instintos pop.

Billy Idol - Best Way Out Of Here (Visualizer): https://youtu.be/V0dxjcRKq90?si=0vPei4woSRqfMlBq

22. Dream Theater, "Night Terror"

De: Parasomnia

Dream Theater emocionó a los fanáticos cuando anunció el regreso del baterista cofundador Mike Portnoy en 2023, y apaciguó cualquier duda persistente sobre reavivar su antigua chispa con "Night Terror". El gigante de 10 minutos que anticipa 'Parasomnia' de 2025 gira y gira con una precisión vertiginosa, lleno de solos de guitarra que hacen girar la cabeza y firmas de tiempo que cambian en un instante. Portnoy se presta al caos del metal progresivo, pero sus rellenos castigadores y ritmos elegantes recuerdan a los oyentes que es un rockero de corazón. Es bueno tenerlo de vuelta.

Dream Theater - Night Terror (Official Video): https://youtu.be/2IPT60hvGw4?si=opNec-wipJ7VusWK

21. Slash feat. Brian Johnson y Steven Tyler, "Killing Floor"

De: Orgy of The Damned

Veinticinco años después de retirarse de 'Blues Ball' de Slash, el guitarrista finalmente comprometió su amor por el género para grabar su álbum de covers estelares 'Orgy of The Damned'. Está completamente en su zona de confort en esta versión del clásico de blues eléctrico de Howlin' Wolf, desgarrando solos rápidos y sueltos y encajándose en un ritmo sin esfuerzo con sus compañeros de banda. Brian Johnson deleita con una voz conmovedora que muestra su registro bajo ronco, y una interpretación de armónica invitada de Steven Tyler agrega más coraje y seriedad.

Slash feat. Brian Johnson - "Killing Floor" (Official Music Video): https://youtu.be/QAxBEfKeOzw?si=Kh9TupsddQ1Clqyq

20. Sheryl Crow feat. Tom Morello, "Evolution"

De: Evolution

Sheryl Crow sigue siendo capaz de mostrar la misma tranquilidad natural que la catapultó al estrellato en los años '90s, pero aborda temas más complejos en "Evolution", un rock melancólico sobre los peligros de la inteligencia artificial sin control. Como veterana de 30 años en la industria musical, la confusión y la consternación de Crow al escuchar "una canción que sonaba como algo que yo escribí" en la radio suenan especialmente conmovedoras. Un solo futurista de Tom Morello deja en claro que algunas excentricidades no se pueden fabricar.

Sheryl Crow - Evolution (Lyric Video): https://youtu.be/44yQtXxkalU?si=jKdviIhOdeXCcWT8

19. Eddie Vedder, "Room at The Top"

De: Bad Monkey soundtrack

Eddie Vedder había estado haciendo versiones de "Room at The Top" de Tom Petty and The Heartbreakers durante años antes de lanzar una versión de estudio para la banda sonora de Bad Monkey de Apple TV+. Su afecto por el fallecido rockero es evidente en su voz lastimera, y la producción contundente de Andrew Watt le da al tema un aire más himno. Esta mezcla de melancolía y fuerza es algo natural para Vedder. Con mentores como Petty, es fácil ver por qué.

Eddie Vedder - Room at The Top | Bad Monkey Soundtrack | WaterTower Music: https://youtu.be/ccEmxBDF9pM?si=GfofRjtEqch_retT

18. Ace Frehley, "Walkin' On The Moon"

De: 10,000 Volts

En '10,000 Volts', Ace Frehley se apega en gran medida a lo que mejor sabe hacer: hard rock pegadizo de tres acordes con un centro pop masticable. "Walkin' On The Moon" ejemplifica esta fórmula con su ritmo arrogante de cencerro, acordes gigantescos y una interpretación vocal segura del astronauta. ¿Es esto parte del testimonio personal de Frehley sobre un OVNI o simplemente una carta de amor al rock 'n' roll de la vieja escuela? De cualquier manera, se eleva.

Ace Frehley - Walkin' On The Moon (Official Music Video): https://youtu.be/Edig5y5ICV0?si=05sccJjlCXF18XCG

17. MC5 feat. Tom Morello, "Heavy Lifting"

De: Heavy Lifting

MC5 lanzó 'Heavy Lifting' póstumamente 53 años después de su segundo álbum, 'High Time' de 1971. Esa brecha enorme explica por qué el último esfuerzo repleto de estrellas de Wayne Kramer a menudo tiene poco parecido con los días de gloria de la banda. Sin embargo, el difunto líder de la banda suena vigorizado en todo el proyecto, especialmente en la canción principal con la asistencia de Tom Morello, una estridente pieza de funk metálico que evoca el sonido y la furia de los días de gloria de ambos colaboradores. Una despedida apropiada para uno de los pesos pesados ​​indiscutibles del rock.

MC5 - Heavy Lifting feat. Tom Morello (Official Audio): https://youtu.be/D8qkLpc08es?si=5SJvY-ctTfjYk5mj

16. Bruce Dickinson, "Rain On The Graves"

De: The Mandrake Project

Bruce Dickinson no se atreve a tomar el camino de menor resistencia. El primer álbum en solitario del líder de Iron Maiden en 19 años, 'The Mandrake Project', es otra epopeya de alto concepto sobre el abuso, la identidad, las luchas de poder y lo oculto. El sencillo de prelanzamiento "Rain On The Graves" combina la voz operística de Dickinson y su teatralidad irónica con riffs musculosos y ritmos propulsivos. Después de todo este tiempo, todavía suena sediento de sangre.

Bruce Dickinson – Rain On The Graves (Official Video): https://youtu.be/kE4xNUB2Q5E?si=PBXmCbKEHf8Ub3x9

15. The Smashing Pumpkins, "Sighommi"

De: Aghori Mhori Mei

El catálogo de The Smashing Pumpkins es un estudio de dualidad, que alterna entre el hard rock explosivo y metálico y el art-pop experimental y brillante. "Sighommi", el sencillo principal de 'Aghori Mhori Mei', se ubica en la primera categoría, lleno de ritmos ágiles y traqueteos de guitarra que hacen crujir los huesos. La burla melódica de Billy Corgan es la guinda del pastel, ya que le da a "Sighommi" una sensación intangible de añoranza, incluso cuando sus guitarras chocan como olas contra la costa rocosa.

THE SMASHING PUMPKINS - SIGHOMMI (Visualizer): https://youtu.be/0IJVyUE80Fw?si=Jmt3-EyymXB0hnAp

14. Mark Knopfler, "Ahead of The Game"

De: One Deep River

Mark Knopfler conquistó el mundo hace décadas con Dire Straits, pero en "Ahead of The Game", hace que tocar en la ruidosa trastienda del pub del barrio suene como el esfuerzo más glorioso del mundo. El cantante y guitarrista ofrece su estilo probado y verdadero de pop-rock relajado, elegante pero lejos de ser estéril, mientras salpica blues y riffs country con un estilo sin esfuerzo. "We're worn out and weary, all of us / But we know why we came", canta Knopfler, sonando como un hombre que conoce algún secreto cósmico que el resto de nosotros todavía estamos tratando de descifrar.

Mark Knopfler - Ahead Of The Game (Official Video): https://youtu.be/gaAtqgbA5WA?si=cmOar_b8Tr7Dtytf

13. Billy Joel, "Turn The Lights Back On"

Sencillo que no forma parte de un álbum

Billy Joel abandonó la música pop después de 'River of Dreams', de 1993, convencido de que no tenía nada más que decir. Treinta y un años después, regresó con "Turn The Lights Back On", una balada reflexiva al piano en la que se pregunta abiertamente si ha perdido su oportunidad. La canción captura a Joel en modo baladista clásico de los años '70s, con su voz desgastada pero todavía robusta. La entusiasta recepción del debut en vivo de la canción en los Grammy de 2024 aplastó cualquier duda sobre si el público todavía lo aceptaría.

Billy Joel - Turn The Lights Back On (Official Video): https://youtu.be/UOf6CMbHPuA?si=O0rz9fTyMCwr8zEs

12. Stevie Nicks, "The Lighthouse"

Sencillo que no forma parte de un álbum

Stevie Nicks escribió "The Lighthouse" poco después de que se revocara Roe v. Wade, sintiéndose obligada "a defender a las mujeres de los Estados Unidos y a sus hijas y nietas, y a los hombres que las aman". Es un llamado a la acción desde el principio, con Nicks exhortando a las mujeres a aceptar sus cicatrices y nunca dejar que los villanos del mundo las despojen de su poder. Suena cálida y acogedora en los versos, un espíritu afín y protector. Pero cuando comienza el estribillo, se activa un interruptor: se convierte en una guerrera y protectora, implorando a los oyentes que "vean el futuro y se enojen". El infierno no tiene furia como la de una diosa del rock despreciada.

Stevie Nicks - The Lighthouse (Official Music Video): https://youtu.be/lJDCYh5iWQs?si=ZaEr0rFSksP5e1Sb

11. Sebastian Bach, "Everybody Bleeds"

De: Child Within The Man

Los títulos de "Everybody Bleeds" y el álbum que lo acompaña, 'Child Within The Man', sugieren que Sebastian Bach ha adquirido cierta sabiduría ganada con esfuerzo y una perspectiva nueva. Pero no pienses ni por un segundo que el ex líder de Skid Row se ha ablandado con la edad. "Everybody Bleeds" es un himno de metal contundente, lleno de riffs pegadizos, tambores titánicos y los gritos a todo gas de Bach. Si todo el mundo sangra, se quema y se ahoga al final, Bach suena decidido a caer peleando.

SEBASTIAN BACH – Everybody Bleeds (OFFICIAL MUSIC VIDEO): https://youtu.be/_wx4PQRx2hA?si=JJ2l7ale4Yz3KNxq

10. The Smile, "Friend of a Friend"

De: Wall of Eyes

¿Es una excusa decir que "Friend of a Friend" suena positivamente a Beatlesque? La rama de Radiohead grabó su segundo álbum en Abbey Road Studios, y el tercer sencillo del álbum es una odisea de rock artístico retorcida, anclada por la batería ágil de Tom Skinner y la voz cadenciosa de Thom Yorke. La letra se inspiró en imágenes de italianos cantando en sus balcones durante los cierres por COVID-19; Las cuerdas culminantes ofrecen un reproche catártico al miedo y al aislamiento provocados por la pandemia. Sin embargo, "Friend of a Friend" termina con una nota de incertidumbre: una advertencia contra la complacencia y un interrogatorio sobre quién se beneficia en tiempos de crisis global.

The Smile - Friend Of A Friend (Official Video): https://youtu.be/WhivN4GJQCQ?si=baKPPQVNKQY_fE8S

09. Pearl Jam, "Dark Matter"

De: Dark Matter

La canción principal del duodécimo álbum de Pearl Jam va directo a la yugular con percusión marcial, riffs que hacen que te golpees el puño y voces salvajes de llamada y respuesta de Eddie Vedder. Es una actuación sudorosa y sin aliento que recuerda al apogeo de la banda a mediados de los '90s. El productor Andrew Watt le da a la canción un brillo moderno y contundente, y el solo de guitarra abrasador de Mike McCready demuestra que los gigantes del rock alternativo no han perdido nada de su fuerza.

Pearl Jam - Dark Matter (Official Visualizer): https://youtu.be/6Fx8LprPMIU?si=FsdVgwFc8QJvKF-4

08. The Black Keys, "Beautiful People (Stay High)"

De: Ohio Players

Hace tiempo que Dan Auerbach y Patrick Carney de The Black Keys dejaron de fingir que actuaban como dúo, y "Beautiful People (Stay High)" suena como un himno de rock alternativo de gran presupuesto, digno de sus siete coautores acreditados, en especial Beck. Eso no es necesariamente algo malo: los coros "na na na" y las contribuciones auxiliares de los metales y el teclado elevan el estilo funky de blues-rock de la canción. Puede que no sea un éxito para estadios, pero es el trabajo de una banda que salió orgullosamente del garaje hace mucho tiempo.

The Black Keys - Beautiful People (Stay High) (Official Video): https://youtu.be/iWz9H3MPgqI?si=LR9BP0r126IJZZM8

07. Robert Plant y Alison Krauss, "When The Levee Breaks"

Sencillo que no forma parte de un álbum

Pocos titanes del rock clásico han sabido reinventar sus viejas canciones con tanta eficacia como Robert Plant. Junto con Alison Krauss, el exlíder de Led Zeppelin ofrece otra versión de la melodía de blues de Memphis Minnie, reimaginándola como un canto fúnebre exótico y elemental. La voz ronca de Plant le da un aire de desesperación a la interpretación, mientras que el evocador trabajo de violín de Krauss hace un breve guiño a "Friends" de Zeppelin antes de impulsar la canción hacia un clímax con un ritmo de raíces.

Robert Plant & Alison Krauss - When The Levee Breaks (Official Audio): https://youtu.be/zDfwE0iDHYo?si=AR2o1VMe-KutqrXR

06. Green Day, "1981"

De: Saviors

Desde que 'American Idiot' de 2004 revitalizó su carrera, Green Day ha luchado (y a menudo sucumbido a) la tentación de convertir cada proyecto en una empresa enormemente ambiciosa. Incluso 'Saviors' fue promocionado como su esperado reencuentro con el productor de toda la vida Rob Cavallo, y la tercera entrega de una trilogía espiritual que también incluye a 'Dookie' y 'American Idiot'. Afortunadamente, Green Day aplaca estos impulsos desmesurados en el descarado "1981", un himno punk que vuelve a lo básico lleno de acordes potentes y coros para cantar a coro. Es Green Day tal como lo recuerdas, al menos una versión.

Green Day - 1981: https://youtu.be/eU0z9TwL89s?si=kfaCPW-MRUOKrgOz

05. David Gilmour, "The Piper's Call"

De: Luck and Strange

"The Piper's Call" es una historia de advertencia sobre los peligros de la fama de alguien que ha pasado más de medio siglo manteniendo a raya a los perros. La pista contemplativa comienza con delicados rasgueos de guitarra acústica y una voz susurrante de David Gilmour, quien advierte que "no se puede deshacer el vudú que se hace" e implora a los oyentes que "se mantengan alejados de las serpientes". La canción va creciendo gradualmente y llega a su clímax con un ardiente solo de guitarra, la proverbial Estrella del Norte que siempre ha enderezado a Gilmour cuando la industria amenazaba con llevarlo por mal camino.

David Gilmour - The Piper's Call (Official Music Video): https://youtu.be/gMr5GpCpKyA?si=Efv78_hN8wUMxMbX

04. Judas Priest, "The Serpent and The King"

De: Invincible Shield

Si buscas grandeza progresiva o baladas épicas, hay muchas canciones en el catálogo de Judas Priest para saciar tu apetito. "The Serpent and The King" no es una de ellas. Los Metal Gods ofrecen cuatro minutos y medio de heavy metal puro y potente, anclado en riffs rápidos, conmoción de bombo doble y el aullido de sirena de Rob Halford. Es una historia épica del bien contra el mal, contada con el veneno de la serpiente y la autoridad del rey.

Judas Priest - The Serpent and the King (Official Video): https://youtu.be/7HGCbuSKIeM?si=YtOpv4MTzFHOwWRn

03. Jack White, "That's How I'm Feeling"

De: No Name

Jack White saltó al estrellato como un renovador del blues-rock, pero su verdadero superpoder siempre ha sido su capacidad para imbuir estas raves de garage-rock con ganchos pop descarados. Un buen ejemplo es "That's How I'm Feeling", el sencillo principal de su álbum 'No Name', editado por un grupo de guerrilla. El grito salvaje de White atraviesa las guitarras irregulares, pero la dinámica fuerte-suave y el ritmo listo para la pista de baile le dan una calidad pegadiza irresistible. White no tiene por qué sonar tan vital 25 años después de que los White Stripes lanzaran su álbum debut. Pero no nos quejamos.

Jack White - That's How I'm Feeling (Official Video): https://youtu.be/A3neCOTqfj8?si=OM3Eh8AjtChdiyhA

02. The Black Crowes, "Wanting and Waiting"

De: Happiness Bastards

Hay algo emocionante en un par de profesionales experimentados que retoman el tema justo donde lo dejaron y suenan igual de bien. Ese es el caso de "Wanting and Waiting", el sencillo principal de 'Happiness Bastards', el primer álbum de estudio de los Black Crowes en 15 años. Los hermanos Chris y Rich Robinson ofrecen su boogie de blues-rock patentado con soul y arrogancia, combinando voces atrevidas y riffs chispeantes con florituras de teclado y palmas pop. Amigos, les rogamos: no nos dejen esperando otros 15 años.

The Black Crowes - Wanting and Waiting (Official Video): https://youtu.be/rHBu97e--xA?si=RnaB9HV9eciA38Ke

01. The Cure, "Alone"

De: Songs of a Lost World

El primer álbum de The Cure en 16 años se toma su tiempo para empezar. "Este es el final de cada canción que cantamos", canta Robert Smith a los tres minutos y medio del tema de apertura y sencillo principal "Alone". Es un lento y majestuoso detonante introspectivo, que prepara el terreno para un álbum que resume simultáneamente la carrera de la banda y, al mismo tiempo, los lleva a un territorio inexplorado. Smith invoca un "lamento con voz quebrada para llamarnos a casa", pero a los 65 años, suena tan anhelante y poderoso como siempre.

The Cure - Alone (Official Lyric Video): https://youtu.be/sx9SVAtMkJM?si=hdoebnbWgmcK8yu6