sábado, 17 de mayo de 2025

Programa Tu Época 17 de Mayo de 2025

Educational Anthems: Songs About Teachers

En este programa escuchamos "Canciones sobre Maestros".


El pasado Jueves 15 de Mayo celebramos en México 'El Día del Maestro'.

Es por eso que en este programa les hacemos un pequeño homenaje para festejarlos con esta lista de Himnos Educativos.

No sería una escuela sin los profesores, los que están al frente del aula.

Se suele asumir que los artistas de rock son de los que rompen las reglas, así que no son precisamente los estudiantes estrella de la clase. Pero esto da lugar a un material de composición sólido y con el que es fácil identificarse.

Como verá en la lista a continuación de canciones sobre profesores, algunas se centran en el cliché del estudiante que se enamora del profesor; otras critican la rigidez o la injusticia del sistema educativo. 

Y luego están esas canciones sobre la experiencia de aprendizaje general de la vida y los educadores que te encuentras en el camino.

Afile sus lápices y siga leyendo.

38 Special, "Teacher Teacher" (1984)
Como cualquier exalumno sabe, los profesores tienen un límite en su capacidad de enseñar. Después de graduarse, aún queda toda una vida de experiencia por aprender. Este es más o menos el tema de "Teacher, Teacher" de 38 Special: "¿Estoy listo para el mundo real? ¿Aprobaré el examen? / Sabes que ahí fuera es una jungla". La canción alcanzó el puesto número 25 en el Billboard Hot 100 y apareció en la película 'Teachers', que también incluyó música de ZZ Top, Freddie Mercury, Joe Cocker y otros.

ABBA, "When I Kissed The Teacher" (1976)
Ya habrá oído la historia: Una estudiante se enamora perdidamente de su profesor. Es un enamoramiento no correspondido que ha dado lugar a muchas canciones. "When I Kissed The Teacher" de ABBA fue el tema de apertura de 'Arrival' y la canción principal de 'Mamma Mia! Here We Go Again' de 2018. El video musical de ABBA para la canción mostraba a los miembros del grupo vestidos con uniformes escolares, mientras que el profesor era interpretado por Magnus Harenstam, presentador de la versión sueca de Jeopardy!

Bob Seger, "School Teacher" (1974)
No queda claro si Bob Seger, el narrador de "School Teacher", es un estudiante o un peatón que ve pasar a una atractiva maestra: "Me gustaría conocerte, pero no soy nadie". En cualquier caso, no suena mucho más rockero que esta canción del primer álbum de Seger con The Silver Bullet Band.

Crosby, Stills, Nash & Young, "Teach Your Children Well" (1970)
El éxito número 16, "Teach Your Children Well", no trata sobre un maestro de escuela, sino sobre la relación entre las generaciones mayores y jóvenes. Graham Nash escribió la canción mientras aún era miembro de The Hollies, pero no se grabó hasta 'Déjà Vu' de Crosby, Stills, Nash & Young. "En ese momento me di cuenta de que debíamos empezar a educar mejor a nuestros hijos", declaró Nash a Guitar Player. "De lo contrario, la civilización estaría en peligro".

Dan Baird, "I Love You Period" (1992)
Dan Baird, famoso por Georgia Satellites, comenzó su carrera en solitario a principios de los '90s con "Love Songs for The Hearing Impaired ", que incluía esta canción sobre una atractiva profesora que le enseña al cantante a impresionar a las chicas con la ortografía y la puntuación.

Elton John, "Teacher I Need You" (1973)
Elton John y Bernie Taupin le dieron a "Teacher I Need You" un toque de los años '50s, al estilo de Jerry Lee Lewis. John explicó más tarde que su interpretación vocal se inspiró en el ídolo adolescente Bobby Vee: "Era alta y delgada, un sueño de mediana edad, y esa mujer lo es todo para mí".

Elvis Costello and The Imposters, "Penelope Halfpenny" (2022)
Elvis Costello regresó a su juventud, recordando la época en la que soñaba despierto y hacía tonterías en clase. "Penélope Halfpenny" está inspirada vagamente en una de las jóvenes maestras de Costello. "Se sentaba en el borde del escritorio con una falda corta, sacudiéndose el pelo", declaró a Uncut. "Tenía la mano en la puerta de un mundo al que no habíamos entrado. Ofrecía la sensación de una vida más libre para la que no nos habían educado".

George Michael, "One More Try" (1987)
George Michael usa a un maestro como metáfora de una pareja romántica. Su anterior amante lo lastimó y duda en volver a enamorarse: "Maestro, hay cosas que no quiero aprender, y la última que tuve me hizo llorar". "One More Try" fue un éxito rotundo, alcanzando el número 1 en tres listas de éxitos estadounidenses.

Jethro Tull, "Teacher" (1970)
Ian Anderson, líder de Jethro Tull, no escribía sobre un maestro tradicional. Se trata, en cambio, de los gurús que se hicieron famosos en los años '60s y '70s. «Atraían a la gente y usaban el poder de la persuasión para doblegar su voluntad y guiarlos por un camino espiritual hacia la iluminación», declaró a la revista Rolling Stone. «Y muchas veces, claro, se trataba simplemente de ganar dinero y pasear en un Rolls-Royce blanco enorme, algo que me pareció digno de una canción».

Leonard Cohen, "Teachers" (1967)
Leonard Cohen usó la figura de un maestro como símbolo en esta canción de su álbum debut. Les pregunta a las mujeres en un hospital: "¿Son maestras del corazón?". Ellas responden crípticamente: "Enseñamos a los viejos corazones a romperse".

Morrissey, "The Teachers Are Afraid of The Pupils" (1995)
El exlíder de The Smiths no es precisamente sutil. Su quinto álbum en solitario incluía "The Teachers Are Afraid of The Pupils", de 11 minutos de duración, un siniestro reverso de "The Headmaster Ritual" de The Smiths. En lugar de que los estudiantes sean intimidados, esta vez es el profesor quien debería protegerlos.

Paul Simon, "The Teacher" (2000)
Paul Simon, un compositor que siempre rozó lo etéreo, creó un personaje tipo sensei para "The Teacher", de su décimo álbum en solitario: "Había una vez un maestro de gran renombre, cuyas palabras eran como tablas de piedra".

Pete Seeger, "Teacher's Blues" (1958)
Pete Seeger fue una de las figuras más destacadas de la composición de canciones de actualidad y política, inspirando a figuras como Bob Dylan, Joan Baez y muchos más. "Teacher's Blues" resaltaba la difícil situación del maestro promedio, quien, aunque admirado en la sociedad, a menudo recibía salarios bajos. Los sindicatos de maestros existían desde 1916, pero no eran tan influyentes como hoy. "El prestigio está bien, pero también lo está el pan y la carne. ¿De qué sirve un oficinista si no puedes comer?"

Pink Floyd, "Another Brick in The Wall, Part 2" (1979)
El éxito número uno de Pink Floyd protestaba contra las rígidas normas escolares con voces de escolares. Roger Waters no asistió a un internado, pero conocía su siniestra reputación. Sus letras se centraban específicamente en la educación, pero Waters posteriormente enfatizó que su letra tenía un carácter más universal con "Another Brick in The Wall, Part 2". "Me importa mucho la educación", declaró a The Wall Street Journal. "Solo quería animar a cualquiera que siga un ritmo diferente a que se resista a quienes intentan controlar sus mentes en lugar de refugiarse tras muros emocionales".

The Police, "Don't Stand So Close to Me" (1980)
A diferencia de otras canciones sobre enamoramientos entre estudiantes y profesores, la aventura ilícita de "Don't Stand So Close to Me" se revela. Como Sting lo describió una vez: "El profesor, la página abierta, la virgen, la violación en el coche, el despido". La canción de The Police hace referencia a Lolita, la novela de 1955 sobre una joven y su relación con un profesor de literatura de mediana edad, "igual que el anciano de aquel libro de Nabokov".

Van Halen, "Hot for Teacher" (1984)
"¿Cómo creen que se verá la maestra este año?", pregunta David Lee Roth al comienzo de "Hot for Teacher". Van Halen recreó la fantasía de la maestra con el famoso video de la canción, filmado en un instituto de Los Ángeles y con modelos como maestras.

Velvet Revolver, "Just Sixteen" (2007)
Los personajes de "Just Sixteen" de Velvet Revolver son finalmente arrestados, aunque ni el estudiante ni el profesor se arrepienten: "De pie en el juzgado, Dios en cada niño. Dijo: 'Su Señoría, me apelo al delito de estar satisfecho'".

Alice Cooper, "School's Out" (1972)
Cooper ha dicho que la respuesta a la pregunta "¿Cuáles son los tres mejores minutos de tu vida?" le inspiró a escribir la canción. Cooper dijo: "Hay dos momentos al año. Uno es la mañana de Navidad, cuando te preparas para abrir los regalos. La avaricia está ahí. El siguiente son los últimos tres minutos del último día de clases, cuando estás sentado y es como una mecha que se quema lentamente. Dije: 'Si podemos capturar esos tres minutos en una canción, será un éxito'".

Supertramp, "School" (1974)
La canción comienza con una larga y lenta introducción de armónica. Hodgson afirmó que la canción "básicamente dice que lo que nos enseñan en las escuelas está muy bien, pero es lo que no nos enseñan lo que crea tanta confusión en nuestro ser. No nos preparan para la vida en cuanto a enseñarnos quiénes somos por dentro. Nos enseñan a desenvolvernos por fuera y a ser muy intelectuales, pero no nos dicen cómo actuar con la intuición ni el corazón, ni nos dan una explicación plausible de la vida".

The Kinks, "Schooldays" (1975)
La canción "Schooldays" de The Kinks se centra en la nostalgia y las reflexiones sobre la infancia y los recuerdos escolares. La letra habla de los momentos felices, pero también de la frustración y el sufrimiento que pueden estar asociados con la escuela, como los uniformes y los libros de texto. 
La canción es una evocación de la vida escolar, donde el cantante reflexiona sobre los días de escuela, especialmente los más felices, y recuerda los aspectos tanto positivos como negativos de esa etapa de su vida. La canción también menciona la importancia de recordar los buenos momentos y no preocuparse por las cosas que causan tristeza. 

Daryl Hall & John Oates, "Adult Education" (1984)
La canción se centra en la difícil situación de una adolescente en la preparatoria. A sus amigas solo les importa su ropa y el narrador le asegura que hay vida después de la preparatoria. La letra sugiere que es más sabia que su edad y, de hecho, está recibiendo una educación sobre el comportamiento de los adultos en la preparatoria.

W.A.S.P., "School Daze" (1984)
School Daze es una canción que habla sobre la rutina y la monotonía de la vida escolar, donde el protagonista se siente atrapado en una serie de eventos diarios insoportables. Las referencias a "alarm clocks wailing" (despertadores aullando) y "class bells screaming" (campanas escolares gritando) refuerzan la idea de una rutina diaria insoportable. La canción también puede interpretarse como una crítica a la educación formal y a la forma en que puede hacer que una persona se sienta atrapada. 

Extreme, "Mutha (Don't Wanna Go To School Today)" (1989)
Esta canción de Extreme, junto con otros singles como "Little Girls", "Kid Ego" y "Play With Me", explora temas relacionados con la infancia, el crecimiento y los deseos adolescentes. En particular, "Mutha (Don't Wanna Go To School Today)" aborda la perspectiva de un niño que no quiere ir a la escuela y el deseo de no crecer, una forma de resistencia infantil ante la autoridad. 

Stone Temple Pilots, "Art School Girl" (1996)
Según los intérpretes, es una metáfora que trata de una relación que ha perdido su significado y se ha vuelto obsesiva. La letra describe la desilusión y la sensación de que la relación ha perdido su brillo inicial, al punto de volverse una pesadilla que la persona no puede olvidar. 
Para más detalles, la canción "Art School Girl" no se basa en un evento real, sino que es una representación artística de una relación que ha ido perdiendo su valor y se ha vuelto tóxica para el narrador. La canción puede ser interpretada como una descripción de una relación que se ha vuelto monótona y repetitiva, donde la persona se siente atrapada y sin escape. 

Pearl Jam, "Education" (2003)
El tema central de esta canción es una reflexión crítica sobre el sistema educativo y su impacto en la identidad y la visión del mundo del individuo.
La letra plantea preguntas fundamentales sobre la validez y la relevancia de la educación recibida. Eddie Vedder parece cuestionar si lo que le enseñaron desde el principio lo ha llevado a un estado de temor o limitación.
La canción sugiere una búsqueda personal de la verdad y el conocimiento más allá de las estructuras formales de la educación. 
En esencia, "Education" invita a la introspección sobre cómo la educación moldea nuestra perspectiva y si esta nos empodera o nos restringe, abogando por una búsqueda activa y personal del entendimiento.

Erykah Badu, "Master Teacher" (2008)
Esta canción es una reflexión compleja y multifacética sobre la conciencia social, la responsabilidad individual y la búsqueda de la verdad en un mundo lleno de engaños y distracciones.
En resumen, "Master Teacher" es un llamado a la vigilancia, la conciencia crítica y la autoexploración en un mundo que a menudo intenta adormecer a sus habitantes. La canción anima a los oyentes a "mantenerse despiertos" ante las realidades sociales y a buscar su propia verdad y maestría interior.


Lista de canciones:

01.38 Special-Teacher, Teacher
02.Daryl Hall & John Oates-Adult Education
03.Morrisey-The Teachers are Afraid of The Pupils
04.Supertramp-School
05.George Michael-One More Try
06.Erykah Badu-Master Teacher
07.Van Halen-Hot For Teacher
08.Extreme-Mutha (Don't Wanna Go To School Today)
09.W.A.S.P.-School Daze
10.The Police-Don't Stand So Close To Me

11.Elton John-Teacher I Need You
12.Jethro Tull-Teacher
13.Pink Floyd-Another Brick in The Wall, Pt. 2
14.Dan Baird-I Love You Period
15.Paul Simon-The Teacher
16.Velvet Revolver-Just Sixteen
17.Stone Temple Pilots-Art School Girl
18.Pearl Jam-Education
19.Alice Cooper-School's Out
20.The Kinks-Schooldays
21.Elvis Costello and The Imposters-Penelope Halfpenny
22.Leonard Cohen-Teachers
23.ABBA-When I Kissed The Teacher


Todas las canciones que se tocaron en este programa las puede volver a escuchar:

- En Spotify: https://open.spotify.com/playlist/5iAU6aOJlhHS10FRnycLgv?si=F1DWv7qaTbK8gf0QTwTFzQ 

- En Qobuz: https://open.qobuz.com/playlist/32248441 

- En Youtube: https://youtube.com/playlist?list=PLjgI2tocSul_3SKNspbmp3TbhDwXWB3AG&si=FnlRCviVHe_UKcwG

Daryl Hall & John Oates - Adult Education


Daryl Hall & John Oates - Adult Education

Adult Education es una canción del dúo estadounidense Daryl Hall & John Oates, lanzada como sencillo en febrero de 1984. La canción se incluyó en el segundo álbum recopilatorio del dúo, Rock 'n Soul Part 1 ( 18-Oct-1983), y fue uno de los dos temas nuevos que se grabaron específicamente para el recopilatorio. El sencillo alcanzó el número ocho en el Billboard Hot 100 de EE. UU.

El video musical de "Adult Education", dirigido por Tim Pope, se desarrolla en lo que parece ser un templo o tumba de piedra iluminado con antorchas. Mientras Hall & Oates y su banda cantan, bailan y tocan con instrumentos modificados y objetos ceremoniales, un hombre de mediana edad con gorra de béisbol organiza y empuña varios ídolos, mientras canta. 

Un adolescente con taparrabos y una adolescente envuelta en una sábana blanca cruzan una plataforma iluminada con luces modernas y suben una escalera para encontrarse con el hombre, quien parece bendecirlos con un ídolo animal. 

La chica se quita la sábana de la cabeza y parte del cuerpo, y el ritual continúa. Finalmente, ambos adolescentes son colocados sobre losas de piedra; el chico actúa aterrorizado y parece estar inmovilizado, mientras que la chica yace inmóvil, con el cuerpo envuelto en la sábana blanca. 

El video termina con el chico de pie detrás del altar de los ídolos y la chica sentada en la losa de piedra frente a él, mientras Hall & Oates y su banda siguen cantando, bailando y tocando instrumentos de fondo. 

Las tomas finales del vídeo muestran jeroglíficos y elementos ceremoniales esparcidos por la estructura.

Daryl Hall & John Oates - Adult Education (Official Video): https://youtu.be/XLYqTZKEpvs?si=5hL2HP-ovHPVu3Gf

Efemérides: 17 de Mayo.

UN DÍA COMO HOY 17 DE MAYO PERO DEL AÑO....


1974. 51 años cumple hoy Andrea Corr, nacida en Dundalk Irlanda cantante y voz solista del grupo The Corrs que forma junto a sus hermanos Jim, Sharon y Caroline. También ha hecho carrera en el cine y a pesar de su corta estatura (1,56) ha sido elegida varias veces la 'mujer más bella' o 'mujer más sexy' por numerosas revistas y encuestas.

Entre 1995 y 2005 The Corrs publicaron cinco álbumes de gran éxito, sobre todo en Irlanda y Reino Unido, con sus canciones y versiones de pop rock contemporáneo con sonidos tradicionales irlandeses: 'Forgiven, Not Forgotten' (1995), 'Talk on Corners' (1997), 'In Blue' (2000), 'Borrowed Heaven' (2004) y 'Home' (2005).

El año 2006 el grupo se tomó un descanso, ya que los hermanos de Andrea, Jim y Caroline estaban centrados en la crianza de sus hijos, por lo que la cantante comenzó en 2007 una carrera en solitario grabando el álbum 'Ten Feet High' con una oferta bien distinta al folk-pop del grupo y coproducido por su paisano Bono. Su segundo y último trabajo hasta la fecha, 'Lifelines', se publicó en 2011 y es un álbum con versiones de canciones que han significado algo en la vida de Andrea. Incluye temas de Velvet Underground, John Lennon, Ron Sexsmith, Blue Nile, Nick Drake y Daniel Johnston. El año 2015 la banda se volvió a reunir y publicaron su sexto álbum: ‘White Light’, al que siguió en 2016 una gira europea’. Su entrega más reciente fue ‘Jupiter Calling’ en noviembre de 2017.

Hoy cumple 64 años Enya, cantante irlandesa que con su álbum 'Watermark' aparecido en 1988 obtuvo un fulgurante éxito internacional con sus temas new-age y ese sonido característico de capas superpuestas con su voz y fondos sintetizados con reverberación. Continuó su éxito en los noventa y en 2001 se convirtió en la artista solista más vendedora de Irlanda. Ha ganado cuatro premios Grammy y sus ventas superan los 80 millones de copias.

Enya compone todas sus canciones con la colaboración de Ricky Ryan a la producción y la esposa de este, Roma Ryan, que suele escribir las letras. A 'Watermark' le siguieron 'Sheperd Moons' (1991) con el que logra su primer Grammy al 'mejor álbum de new age' y 'The Memory of Trees' (1995) por el que logra el segundo en la misma categoría.

El año 2000 se publicó 'A Day Without Rain', asimismo merecedor de un Grammy y el disco más vendido de Enya, sobre todo gracias a la utilización del tema 'Only time' como fondo musical cuando se recordaba los atentados del 11 de septiembre de 2001 en las televisiones y radios estadounidenses. En 2002 graba la canción 'May it be', nominada a un Oscar, compuesta para la película 'El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo'. Con su álbum 'Amarantine' de 2005, logró su cuarto Grammy.

Enya no es una estrella del pop al uso. No realiza shows en vivo, en parte por la dificultad para reproducir su música en directo y mantiene una estricta privacidad de su vida personal. Adquirió como residencia personal un castillo en Killiney, al sur de Dublín por 2,5 millones de libras que nombró 'Manderley' según la casa del personaje de su novela favorita, 'Rebeca' de Daphne du Maurier. Los acosos de diversos fans la obligaron a gastar un cuarto de millón adicional en medidas de seguridad.

En 2008 apareció 'And Winter Came...' y el año 2009 se publicó el compilatorio 'The Very Best Of Enya'. En 2011 anunció en una entrevista que estaba grabando material nuevo para un álbum en los estudios Abbey Road de Londres. Con el título 'Dark Sky Island' se publicó en noviembre de 2015.



1942. Nace Taj Mahal (de nombre real Henry Saint Clair Fredericks), en Nueva York. Intérprete y compositor de blues. Taj Mahal ha experimentado a lo largo de su carrera con multitud de estilos: folk, reggae, música caribeña, jazz, gospel, R&B, zydeco, músicas africana, latina y hawaiana. Grabó su primer disco en 1968, el imprescindible “Taj Mahal”. También son discos a descubrir: “The natch’l blues” (1968) y “Giant step” (1969).



1948. Nace Dick Gaughan (de nombre completo Richard Peter Gaughan), en Glasgow Reino Unido. Músico folk escocés, en los años setenta formó parte de The Boys of the Lough y de Five Hand Reel.



1949. Nace Bill Bruford (de nombre completo William Scott Bruford), en Sevenoaks Reino Unido. Batería de rock progresivo. Ha formado parte de los grupos Yes, Gong, U.K. y King Crimson.



1958. Nace Paul Di’Anno (de nombre real Paul Andrews), en Londres Reino Unido. Primer vocalista de Iron Maiden. Muere en 2024.



1963. Nace Page McConnell, en Philadelphia, Pennsylvania Estados Unidos. Teclista del grupo Phish.



1965. Nace Trent Reznor, en Mercer, Pennsylvania Estados Unidos. Cantante, multiinstrumentista y compositor de Nine Inch Nails.



1971. Paul y Linda McCartney editan el álbum “Ram”, en la práctica el segundo en solitario de Paul y una de sus indiscutibles grandes obras.



1973. Nace Josh Homme, en Joshua Tree, California. Cantante y guitarrista de las bandas de hard rock Queens of the Stone Age, Eagles of Death Metal y Them Crooked Vultures.



1978. Lou Reed inicia los conciertos que darán lugar al LP “Take No Prisoners”, en el que como ilustración de la portada reproduce sin autorización un dibujo del sevillano Nazario, creador de “Anarcoma”.



1996. Muere Johnny “Guitar” Watson, en Yokohama, Japón, mientras realizaba una gira. Tenía 61 años. Fue uno de los vocalistas y guitarristas imprescindibles del blues moderno.



2012. Muere Donna Summer, en Florida, a causa de un cáncer. Tenía 63 años. Bajo la producción de Giorgio Moroder, Donna Summer se convirtió en la década de los setenta en la reina de la música disco, con canciones como ‘I Feel Love’, ‘Last Dance’, ‘Hot Stuff’ o ‘Bad Girls’.



2016. Muere Guy Clark a los 74 años, compositor e intérprete tejano de country y folk. A lo largo de su carrera publicó más de veinte álbumes y, como dice la necrológica de su página de Facebook, abrió el camino a Rodney Crowell, Jim McGuire, Steve Earle, Emmylou Harris, Joe Ely, Lyle Lovett, Verlon Thompson, Shawn Camp o Vince Gill.Johnny Cash, David Allan Coe, Vince Gill, Ricky Skaggs, Steve Wariner, Hayes Carll, Brad Paisley,  John Denver, Alan Jackson, Rodney Crowell, The Highwaymen y Kenny Chesney, son algunos de los músicos que han grabado las canciones de Clark, mientras que Emmylou Harris le acompañó en varias grabaciones. En 2013 Glark publicó su último disco, “My Favorite Picture of You”, dedicado a su mujer, la cantautora Susanna Clark, fallecida el año anterior.



2020. Muere el bluesman Lucky Peterson, a los 55 años, en Dallas, Texas. Guitarrista, organista y vocalista, Lucky Peterson era uno de los más destacados representas del blues contemporáneo. Introdujo góspel, soul, rhythm and blues y jazz en el blues del suglo XXI.


Discos publicados un 17 de Mayo:

• 1965 - ARETHA FRANKLIN - 'Yeah!!!'
• 1966 - THE ISLEY BROTHERS - 'This Old Heart of Mine'
• 1969 - THE WHO - 'Tommy'

• 1971 - PAUL & LINDA MCCARTNEY - 'Ram'
• 1971 - ELTON JOHN - '17-11-70'
• 1972 - THE JACKSON 5 - 'Lookin' Through the Windows'
• 1973 - BACHMAN-TURNER-OVERDRIVE - ‘Bachman–Turner Overdrive'
• 1974 - BUDGIE - 'In for the Kill!'
• 1976 - RAINBOW - ‘Rising'
• 1978 - THE KINKS - 'Misfits'
• 1979 - PATTI SMITH GROUP - ‘Wave'

• 1980 - JOAN JETT - ‘Joan Jett'
• 1985 - DIRE STRAITS - 'Brothers in Arms'
• 1985 - CHRIS REA - 'Shamrock Diaries'
• 1988 - JUDAS PRIEST - 'Ram It Down'
• 1988 - VINNIE VINCENT INVASION - 'All Systems Go'
• 1989 - THE DOOBIE BROTHERS - 'Cycles'

• 1993 - SLOWDIVE - 'Outside Your Room' (EP)
• 1993 - VAN MORRISON - 'A Night in San Francisco'
• 1994 - AMERICA - 'Hourglass'
• 1994 - BBM - 'Around the Next Dream'
• 1994 - THE FLYING BURRITO BROTHERS - 'Eye of a Hurricane'
• 1994 - VIOLENT FEMMES - 'New Times'
• 1994 - JULIO IGLESIAS - 'Crazy'
• 1996 - KING CRIMSON .- 'Thrakattak' (JAP)
• 1999 - THE FLAMING LIPS - ‘The Soft Bulletin' (EUR)
• 1999 - MOBY - 'Play'
• 1999 - HARD RAIN - 'When the Good Times Come'
• 1999 - ROBYN - 'My Truth'
• 1999 - EVERGREY - 'Solitude, Dominance, Tragedy'
• 1999 - LAMB - 'Fear of Fours'

• 2000 - TANKARD - 'Kings of Beer' (GER)
• 2004 - MORRISSEY - 'You Are the Quarry'
• 2004 - BUNBURY - 'El viaje a ninguna parte'
• 2004 - ASH - 'Meltdown'
• 2004 - GRAHAM COXON - 'Happiness in Magazines'
• 2005 - SYSTEM OF A DOWN - 'Mezmerize'
• 2005 - HAREM SCAREM - 'Overload'
• 2005 - VAN MORRISON - 'Magic Time'
• 2005 - HUEY LEWIS AND THE NEWS - 'Live at 25'
• 2005 - JAGUARES - 'Crónicas de un laberinto' (MEX)
• 2006 - PET SHOP BOYS - 'Fundamental' (JAP)

• 2010 - ANNIHILATOR - 'Annihilator'
• 2010 - KELIS - 'Flesh Tone' (UK)
• 2010 - LCD SOUNDSYSTEM - 'This Is Happening' (EUR)
• 2010 - THE EIGHTIES MATCHBOX B-LINE DISASTER - 'Blood and Fire'
• 2010 - GOD IS AN ASTRONAUT - 'Age of the Fifth Sun'
• 2011 - BABASÓNICOS - 'A propósito'
• 2011 - WARRANT - 'Rockaholic'
• 2013 - DAFT PUNK - 'Random Access Memories'
• 2013 - THE NATIONAL - 'Trouble Will Find Me'
• 2013 - LA BARRANCA - 'Eclipse de memoria'
• 2013 - THIRTY SECONDS TO MARS - 'Love, Lust, Faith and Dreams' (NED)
• 2019 - RAMMSTEIN - 'Untitled (Rammstein)'
• 2019 - STEEL PULSE - 'Mass Manipulation'
• 2019 - DIONNE WARWICK - 'She's Back'
• 2019 - BIG BIG TRAIN - 'Grand Tour'
• 2019 - THE NATIONAL - 'I Am Easy to Find'
• 2019 - CRAZY LIXX - 'Forever Wild'
• 2019 - TYLER THE CREATOR - 'Igor'

• 2024 - BILLIE ELISH - 'Hit Me Hard and Soft'
• 2024 - BETH GIBBONS - 'Lives Outgrown'
• 2024 - COLLECTIVE SOUL - 'Here to Eternity'
• 2024 - LITTLE FEAT - 'Sam's Place'

Alan Parsons 'The Neverending Show': Live in The Netherlands

"The Neverending Show: Live in The Netherlands" fue filmado en el mes de Mayo de 2019 en Países Bajos durante la gira 'The Secret'.

El álbum se considera una excelente manera de experimentar a la banda en vivo y capturar todo el espectro de su carrera.


Seamos sinceros, Alan Parsons demostró buen juicio y un gusto exquisito al grabar con bandas legendarias como Ambrosia y Pink Floyd (aunque no juntos, aunque eso habría sido interesante) en los setenta. Probablemente podría haberse alimentado de eso durante el resto de su carrera musical.

Desde entonces, ha tenido que conformarse con 12 álbumes en el Top 40 de Billboard en Estados Unidos, 5 de ellos en el Top 10. Y 11 nominaciones al Grammy.

Frontiers lo fichó hace 3 años y lanzó su álbum en solitario, 'The Secret', en 2019 (con Lou Gramm, Mark Mikel y Jason Mraz). Semanas después, Parsons grabó 'The NeverEnding Show' en directo en Utrecht, con sus acompañantes habituales, PJ Olsen, Todd Cooper, Jeff Kolman y otros, solo unos meses antes de que la pandemia azotara con fuerza.

La mayoría de los álbumes en directo son versiones de gira de un lanzamiento de estudio reciente de una banda, pero solo uno de los temas de 'The Secret' está aquí. En cambio, Parsons representa una obra significativa a través de veinte temas extraídos del pasado y del presente, que nos llegan aquí en dos CD y un DVD (más un extra: un nuevo tema de estudio teatral, "The Neverending Show").

El tema "Secret", "One Note Symphony", que hace referencia a la frecuencia resonante del Universo (la frecuencia Schumann), abre el concierto. Refleja de forma inquietante su trabajo con Floyd: una sinfonía de rock contenida, de construcción firme y capas uniformes. Como era de esperar, Parsons consigue mezclar la música con equilibrio, claridad y fuerza.

La respuesta del público es entusiasta, aunque educada. Es casi como si quisieran escuchar la música, ¡guau! Por supuesto, este nunca iba a ser un concierto en vivo crudo, estridente, con el sudor goteando del techo. Es una actuación equilibrada y completa de una banda impecable, que plasma un mosaico de piezas musicales en un paisaje sonoro altamente visual, sin que se desvíe ni un pelo ni se manche la belleza de la música.

Eso significa que incluso las piezas más íntimas, como el pop funky de "Damned If I Do", el rock soleado de la costa oeste de "Don't Answer Me" (con ecos de Ambrosia resonando con fuerza), y quizás también el "I Wouldn't Want To Be Like You", con un toque de Toto, logran hacerse un hueco en un escenario concurrido y apropiárselo.

Y así sigue la historia. Hay tantas canciones geniales que es imposible mencionarlas todas... las grandes, como "Games People Play", "Time" y "Eye In The Sky", están todas presentes. Y la interpretación de la banda es impecable. Realizados en vivo, estos son veinte fragmentos de música cuidadosamente seleccionados a partir de una carrera de 20 álbumes (de estudio) que abarca 45 años, y que suman un total de 120 minutos de excelente música que nos llega en vivo, en sonido envolvente y Dolby Stereo.


Lista de canciones:

00:00:00 Opening Titles
00:02:33 One Note Symphony
00:06:56 Damned If I Do
00:11:42 Don’t Answer Me
00:16:10 Time
00:22:01 Breakdown / The Raven
00:27:46 I Wouldn’t Want To Be Like You
00:32:51 Miracle
00:36:19 Psychobabble
00:42:40 Luciferama
00:47:47 Don’t Let It Show
00:52:52 Interviews
00:54:42 I Robot
01:00:24 Limelight
01:05:29 Standing On Higher Ground
01:10:16 As Lights Fall
01:14:25 I Can’t Get There From Here
01:19:14 Prime Time
01:28:12 Presentación de los músicos
01:29:44 Sirius / Eye In The Sky
01:36:18 Old And Wise
01:41:41 (The System Of) Dr. Tarr And Professor Fether
01:45:31 Games People Play
01:49:55 Closing
01:51:44 The Neverending Show (Bonus Music Video)

Músicos:
Alan Parsons – guitarra, voz, teclados, percusión 
P. J. Olsson – voz 
Guy Erez – bajo 
Todd Cooper – voz, saxofón 
Danny Thompson - batería 
Tom Brooks – teclados, coros 
Dan Tracey – guitarra, voz 
Jeff Kollman – guitarra, voz 


Alan Parsons 'The Neverending Show': Live in The Netherlands: https://youtu.be/vlQo0Ds2v0M?si=zMNr8-QxCds0Cp46

Hace 40 años: A pesar de “A View To a Kill”, Duran Duran se desmorona

Fuente: ultimateclassicrock.com

El intento de Duran Duran de reunirse a mediados de los '80s les dio una canción número uno, pero luego todo se vino abajo de todos modos.


Para entonces, el grupo se había dividido en dos bandos, siguiendo las líneas divisorias creadas por The Power Station y Arcadia, dos proyectos paralelos que abordaban temas más amplios. El cantante Simon Le Bon, el tecladista Nick Rhodes y el baterista Roger Taylor cofundaron Arcadia, después de que el bajista John Taylor y el guitarrista Andy Taylor comenzaran a trabajar con The Power Station. (Roger Taylor conectó ambos mundos, contribuyendo también con la percusión en las sesiones de The Power Station).

Entonces llegó James Bond. O, más concretamente, un John Taylor, aunque admitía estar borracho, se topó con el productor de la franquicia cinematográfica Cubby Broccoli en una fiesta de Wimbledon. La novia de Taylor, Janine Andrews, quien tuvo un papel secundario en 'Octopussy' de 1983, los presentó.

"¿Cuándo vas a encontrar a alguien decente para interpretar una de tus canciones temáticas?", se quejó Taylor, según 'Notorious: The Unauthorized Biography'.

A pesar del insulto, Broccoli se sintió intrigado y organizó una reunión con John Barry, compositor de Bond desde hacía mucho tiempo, y con el productor Jonathan Elias, en el piso de Taylor en Knightsbridge. Taylor llegó a esto con sinceridad, y durante una aparición en 'Good Morning America' en 1985 comentó que era un poco "obsesionado con las trivialidades" de la serie.

Barry y Taylor congeniaron, pero enseguida todos volvieron a beber, así que no se avanzó mucho. "Sabe más de lo que he hecho que yo mismo", se maravilló más tarde el compositor de Bond. "Eligía una escena de una película vieja —y quiero decir vieja— y hablaba de ella como si tuviera que recordarla como si fuera ayer".

En consecuencia, las sesiones para el tema propuesto para Bond comenzaron con poco más que la sensación por parte de Duran Duran de que necesitaban estar a la altura. A estas alturas, el quinteto no había publicado un álbum con material nuevo en más de un año.

"Siempre pienso que [un tema de Bond] necesita algo emocionante, algo sorprendente, algo que te impacte un poco", declaró Le Bon a NME. "Ya sea un cambio de acorde, un cambio rítmico o incluso un giro lírico, una sorpresa siempre es buena".

Barry no estaba interesado en aportar mucho en cuanto a dirección, trabajando más como editor. Eso dejó a Duran Duran buscando puntos en común por su cuenta. Una vez que lo hicieron, todo encajó.

"En realidad, no se le ocurrieron las ideas musicales básicas", confirmó Simon más tarde. "Escuchó nuestras ideas y las ordenó. Y por eso sucedió tan rápido, porque supo separar las buenas de las malas y las arregló. Tiene una forma genial de trabajar arreglos de acordes brillantes. Trabajaba con nosotros prácticamente como el sexto miembro del grupo, pero sin presionarnos en absoluto".

Dieron con un sonido de teclado punzante de Rhodes, cuya programación de sintetizador le dio a la canción emergente una sensación de peligro futurista y entrecortada. Titulada posteriormente "A View To a Kill", como el título de la película de Bond, la canción representó un paso audaz hacia la modernidad para una serie que durante años se había basado en baladas suaves y cantadas como temas.

"Teníamos un enfoque que queríamos adoptar, en la forma en que compusimos la música, que era nuestro estilo", dijo John Taylor en 'Good Morning America'. "Realmente no pensamos en lo que nos había precedido. Queríamos darle algo muy contemporáneo y muy Duran Duran. No pensamos mucho en qué artistas debíamos seguir. Si hubiéramos pensado en los artistas que debíamos seguir, nunca lo habríamos logrado".

El productor de The Power Station, Bernard Edwards, estuvo presente para ayudar a suavizar las cosas entre las dos facciones, pero la canción cobró vida propia, disipando brevemente cualquier reticencia que quedara.

"No intentamos escribir una que sonara como Eartha Kitt o Tom Jones", declaró Le Bon al 'Irish Examiner'. "Queríamos hacer un tema de Bond de Duran Duran y asegurarnos de que sonara así".

Lanzada el 6 de mayo de 1985, "A View To a Kill" alcanzó el número 1 del Billboard Hot 100 en julio. Esto debería haber fortalecido a Duran Duran, ya que subieron al escenario ese mismo día ante unas 100,000 personas para el Live Aid en el Estadio JFK de Filadelfia. Sin embargo, el evento estelar mundial, a pesar de ser transmitido a 1,500 millones de personas en todo el mundo, marcó un triste final.

Duran Duran - The Reflex (Live Aid 1985): https://youtu.be/qNLMdYHHv3c?si=K1TYW33cqNrLt0sY


"En el escenario, tocamos con todas nuestras fuerzas", escribió John Taylor en 'In The Pleasure Groove: Love, Death and Duran Duran'. "Pero cuando cayó el telón de nuestra actuación... ninguno de nosotros tenía ni idea de que caía el telón del primer acto de nuestra carrera y de nuestras vidas juntos".

El rodaje de un videoclip, filmado en París con el famoso equipo de dirección de Godley y Creme, ya había insinuado que "A View To a Kill" no sería suficiente para mantener unido a Duran Duran.

"Todos los miembros de la banda estaban en planetas diferentes, en universos diferentes. Toda la grabación del videoclip consistía en tomas individuales: Simon hace esto aquí, Nick hace esto allá", añadió John Taylor. Andy Taylor, en sus memorias, 'Wild Boy: My Life in Duran Duran', admitió: "Fue entonces cuando decidí que haría el videoclip de Bond y me largaría de allí".

Interpretaron diligentemente su nuevo éxito en el Live Aid, pero algo faltaba. "Había nerviosismo en ambos bandos; nuestra relación no había mejorado desde París", escribió John en 'In The Pleasure Groove'. "En realidad, las cosas habían empeorado". Esta tensa situación se manifestó de diversas maneras, señaló.

"Cuando Simon, Nick y Roger volaron, estábamos en equipos diferentes", declaró John Taylor a 'The Guardian'. "Andy y yo nos habíamos dejado crecer el pelo y hacíamos lo típico del rock estadounidense. Ellos hacían lo típico del arte europeo esotérico. Todo estaba en los cortes de pelo. El destino estaba a la vista".

John Barry y Duran Duran fueron nominados al Globo de Oro en 1986 a Mejor Canción Original, pero para entonces Roger y Andy ya se habían marchado. "A View To a Kill" fue la última canción grabada por la formación original de cinco miembros hasta que Duran Duran finalmente se reunió en 2001.

Andy Taylor, quien finalmente se separó de nuevo en 2006, se sorprendió por el fin de Live Aid: "Cuando bajamos del escenario en Filadelfia, no hubo abrazos de felicitación ni sonrisas amistosas. Era como si fuéramos completamente desconocidos el uno para el otro, y sería la última vez que tocáramos juntos en casi dos décadas".

Aun así, Duran Duran logró un éxito duradero, a pesar de lo difícil que a veces fue alcanzarlo: "A View To a Kill" sigue siendo el primer, y hasta ahora único, tema de Bond en encabezar la lista estadounidense.

"Las canciones de Bond tienen que ser grandes, ¿No?", declaró John Taylor al 'A.V. Club'. "Tienen que tener grandiosidad. Es como diseñar un Rolls-Royce. Quieres que sea completamente vanguardista, pero siempre tendrá la impresionante parrilla del radiador en el frontal. Hay ciertos criterios que deben cumplirse. Pero creo que lo logramos con esa canción. De verdad que lo logramos."

Duran Duran - A View To A Kill: https://youtu.be/Fp4CR2HcHLQ?si=TZrrIxnD4QqiV9GA

15 bandas de rock que no merecen todo el odio que reciben

Fuente: ultimateclassicrock.com

Reggie Jackson, miembro del Salón de la Fama del Béisbol, dijo una vez: "Los aficionados no abuchean a nadie". 


Es el tipo de cita que se imprime en materiales motivacionales y se parafrasea en anuncios de bebidas energéticas, pero su mensaje es cierto. Los aficionados reservan su odio más intenso para los grandes nombres, algo que se aplica tanto a la música como a los deportes.

Todos los grupos de rock, por muy venerados que sean, han sido objeto de un desprecio injusto en algún momento. Se ha dicho que los Beatles están sobrevalorados. Se ha ridiculizado la voz de Bob Dylan. Alguien, en algún lugar, incluso ha descrito la forma de tocar la guitarra de Jimi Hendrix como "simplemente normal". Estas críticas son solo el precio de la fama, pero algunas bandas han recibido mucho más desprecio que sus pares.

A continuación, destacamos 15 bandas de rock que no merecen todo el odio que reciben. En todos los casos, estos artistas son éxitos indiscutibles: ganadores del Grammy, miembros del Salón de la Fama del Rock & Roll, millonarios multiplatino y leyendas de su época. Aun así, por diversas razones, también han sido blanco de críticas.

Hemos hecho todo lo posible por analizar las fuentes de este odio. Para algunos, se debió a la decisión de una banda de tomar un nuevo rumbo musical. Para otros, el resentimiento creció tras un cambio de formación importante. Luego está el clásico cliché de venderse, una queja que los fans suelen lanzar contra los grupos cuando alcanzan una popularidad masiva.

Sean cuales sean las razones absurdas que existan, decimos que ya es suficiente. Estos grupos han soportado las críticas durante demasiado tiempo, y es hora de darles un respiro.

15 Bandas Que No Merecen Todo el Odio Que Reciben

KISS
Así que piensas que la pintura facial es ridícula, los atuendos cursis y las personalidades exageradas son irritantes. Aun así, no puedes descartar el impacto irremplazable de KISS en la historia del rock. Puede que el grupo no haya inventado la producción teatral, pero sin duda la perfeccionaron, transformando los conciertos en eventos imprescindibles. Su catálogo incluye algunas de las canciones más memorables jamás grabadas, como "Rock and Roll All Nite", "I Was Made for Lovin' You" y "Beth". Quienes se burlan y descartan a KISS como una banda de trucos no entienden la cuestión. El grupo vivía, respiraba y exudaba decadencia del rock and roll, sin importarle el vestuario.



Eagles
La culpa, al menos en parte, la tiene El Gran Lebowski. Después de todo, ver al famoso personaje de Jeff Bridges gritar "¡Odio a los malditos Eagles!" sin duda influye. Pero el odio innecesario hacia el grupo se remonta a mucho antes de la película de los Cohen Brothers de 1998. El surgimiento de los Eagles a principios de los '70s coincidió con un cambio de guardia, ya que el folk rock de paz y amor de los '60s dio paso a un sonido más refinado. Se consideraba que los Eagles capitalizaban la popularidad del folk rock de los '60s, a la vez que ponían fin al género con sus hazañas comerciales. Otros detestaban a la banda por tomarse demasiado en serio a sí mismos, por sus años de consumo de drogas o por ser demasiado "californianos" (sea lo que sea que eso signifique). En última instancia, estos argumentos son vanos y a menudo surgen de una combinación de celos y elitismo musical. Los Eagles son una banda legendaria, y sus más de 200 millones de álbumes vendidos demuestran que la historia está de su parte.



Journey
Hay pocas bandas en el mundo que no cambiarían su carrera por la de Journey. La lista de reconocimientos parece interminable, con discos multiplatino, la incorporación al Salón de la Fama del Rock & Roll y una increíble selección de temas atemporales. Y, sin embargo, el odio se cierne sobre esta banda. ¿Por qué? Para algunos, se reduce a un drama interno. A pesar de todo su éxito, Journey ha estado aparentemente en un estado de agitación durante gran parte de su carrera. Los cambios de formación han sido frecuentes, con muchos momentos ásperos en el camino. Otros críticos la califican de cursi o indulgente, algo extraño considerando que hay otros que, de alguna manera, han esquivado tales críticas. Luego está el grupo que aún le guarda rencor a Journey por su separación del cantante clásico Steve Perry. Este tipo de crítico puede ser especialmente vocal (te estamos hablando a ti, Andy Cohen), pero necesitan pasar página (al igual que la banda).



Coldplay
La faceta de Chris Martin y su inofensiva personalidad de soft rock han inquietado a una parte del público durante años. La obsesión posterior del cantante con letras tecnicolor y una infusión de música del mundo no ha ayudado. Pero al final, hay algo innegable: Martin y su banda saben cómo escribir una canción pegadiza. Coldplay ha sido una de las bandas más populares del mundo durante más de 20 años, vendiendo más de 100 millones de álbumes y logrando la gira más exitosa en la historia del rock. Incluso si se descartan algunas de las incursiones más recientes de la banda en el pop, sus primeros álbumes se consideran triunfos artísticos. Su álbum debut, 'Parachutes', fusiona con maestría la melancolía y la esperanza, mientras que 'A Rush of Blood to The Head', de 2002, se erige como una obra maestra posmilenio.



Guns N' Roses
Incluso sus detractores reconocen el impacto monumental que Guns N' Roses tuvo en el rock y la cultura popular en general, conmocionando a fans de todo el mundo cuando llevaron su dinámico sonido hard rock al mainstream. Aun así, el resentimiento persiste en torno a la banda por muchas otras razones. Primero, estaban las numerosas disputas públicas de Axl Rose con otros artistas, como Metallica, Nirvana y Mötley Crüe. Si eras un fan incondicional de cualquiera de estos grupos, rápidamente desarrollabas desprecio por GNR. 
Roses también tenía una forma de enfadar a sus propios fans, llegando con frecuencia horas tarde a las actuaciones y, en ocasiones, reprendiendo al público cuando no le daban suficiente energía. Luego está el asunto de 'Chinese Democracy', la obra maestra de Guns N' Roses, que durante tanto tiempo se gestó y resultó ser una gran decepción. La emoción de los oyentes por el álbum se convirtió en sentimientos de traición, lo que llevó a algunos a volverse en contra de la banda.



Pearl Jam
Aparentemente, esto se reduce a que los oyentes se dividen en dos grupos: o aman el sonido de la voz de Eddie Vedder o lo detestan por completo. El líder de Pearl Jam claramente ha sabido aprovechar al máximo su talento. A lo largo de 12 álbumes de estudio, con más de 85 millones de copias vendidas, Pearl Jam se ha consolidado como una potencia del grunge. Si bien su música siempre estará vinculada a los '90s, la longevidad de la banda se extiende mucho más allá de esa época. Vedder, como vocalista y compositor principal, ha sido fundamental para el sonido de Pearl Jam, y sin duda no habrían alcanzado su estratosférica fama sin él. Si quienes lo odian quieren odiarlo, que así sea. Este tipo solo puede sonar como él mismo. 



Styx
"Styx es una de las mejores bandas de rock estadounidenses y solo recibió mala fama porque la mayoría de los críticos son unos cínicos imbéciles". Esta cita proviene de la película 'Big Daddy' de Adam Sandler, y es sorprendentemente acertada. Styx se forjó una base de fans fieles combinando el mundo del hard rock con el progresivo. A pesar de no haber sido nunca los favoritos de la crítica, acumularon éxitos con temas como "Lady", "Come Sail Away" y "Babe". Su incursión en álbumes conceptuales (véase 'Paradise Theatre' (1981) y 'Kilroy Was Here' (1983)) fue ciertamente polarizante, pero considerando el enorme éxito comercial de ambos lanzamientos, es difícil señalar esa época como la fuente del odio continuo. También hay fieles seguidores de Dennis DeYoung que se han vuelto en contra de la banda desde que decidieron dejar atrás a su cantante original. Aun así, la impresionante obra y el largo legado de Styx deberían eclipsar cualquiera de estos problemas. 



Creed
El post-grunge fue una época interesante para el rock. Inmediatamente después de que el sonido de Seattle invadiera las radios de todo el mundo, una nueva ola de artistas llegó tras él. Aunque influenciados por bandas como Nirvana y Pearl Jam, estos nuevos grupos tenían algunas características diferentes. El sonido era menos monótono, las guitarras eran más antémicas y el cantante casi siempre presentaba una corona de rock grave. Entre los artistas más importantes de la era post-grunge se encontraba Creed. El grupo complementó su estilo con elementos cristianos, con matices religiosos que algunos oyentes encontraron desagradables. Otros se encendieron con la onda general de Creed, encarnada por el melenudo Scott Stapp, quien parecía un líder de rock inventado años antes de que Chat GPT siquiera existiera. Nada de esto, por supuesto, impidió que Creed se convirtiera en un éxito comercial masivo. El grupo debutó en 1996 y rápidamente encontró una gran base de seguidores en todo el mundo. Su popularidad ayudó a impulsar el movimiento post-grunge, al que pronto le seguirían muchos artistas con ideas afines. Incluyendo…



Nickelback
Justo después de Creed llegó Nickelback, la respuesta canadiense al fenómeno post-grunge. Con una fortuna para los estribillos pegadizos, Nickelback emergió repentinamente como uno de los grupos más rentables de finales de los '90s. A pesar de su abrumador éxito comercial, incluyendo los éxitos "How You Remind Me" y "Photograph", pronto se desarrolló una imagen negativa en torno a Nickelback. La banda era vista como floja o carente de energía. Con el avance de la década del 2000 y el surgimiento de nuevos grupos más "artísticos" en la escena indie, Nickelback se convirtió en un saco de boxeo fácil para la era post-grunge, que muchos ya habían dejado atrás. Por ejemplo, Patrick Caney, de los Black Keys, afirmó una vez que el rock and roll estaba muriendo porque "la gente se conformó con que Nickelback fuera la banda más grande del mundo... Así que se conformaron con la idea de que la banda de rock más grande del mundo siempre iba a ser una mierda". A pesar de estas críticas, Nickelback ha disfrutado de un resurgimiento en los últimos años, ya que el público reconoce que nunca merecieron la ola de odio que recibieron.



Mötley Crüe
El caso de Mötley Crüe es interesante. Después de todo, ser odiado era simplemente parte del plan maestro. Desde el primer día, la banda rebelde de Sunset Strip se propuso causar sensación. Ibas a amarlos o a odiarlos, pero no podías ignorarlos. El plan funcionó a la perfección, y Mötley Crüe se convirtió en uno de los grupos más exitosos y polémicos de su época. Los fans celebraron el estilo salvaje y hedonista de la banda, mientras que los detractores se opusieron a lo que percibían como sexismo y masculinidad tóxica. Al final, fueron Mötley Crüe quienes rieron al último, con una carrera increíble que abarca más de cuatro décadas. Además, ¿Qué sería del rock and roll sin sexo y drogas?



Green Day
Green Day se inició tocando en pequeños clubes sucios por todo el norte de California. La escena seguía el protocolo tradicional del punk: atrevida, rebelde y decididamente DIY. Así que cuando Green Day firmó con una importante discográfica en 1993, fue recibido con desprecio por sus primeros fans. Green Day fue acusado de traicionar sus raíces y venderse. “Antes de Nirvana, a cualquiera que intentara pasar de un sello independiente a uno importante, proveniente de la escena punk, le explotaba en la cara”, recordó el líder Billie Joe Armstrong a Variety en 2025. “Terminaban haciendo discos que sonaban fatal y sacrificando su sonido. En aquel entonces, pensábamos que era imposible… Esperábamos llegar a ser tan grandes como Fugazi o algo así, pero sobre todo en el Área de la Bahía, viniendo de la [revista punk] Maximum Rocknroll y la escena de Gilman Street, la gente estaba muy nerviosa con los grandes sellos y corporaciones, con quiénes estaban afiliados y con la gente que entraba y se infiltraba en la escena”. 
Cuando 'Dookie' explotó en 1994, Green Day se convirtió repentinamente en el símbolo de una nueva ola de popularidad punk. El pop punk, como se le llamaría más tarde, encontró el ataque abrasador del género aumentado por un coro radiofónico. Nada de esto, por supuesto, logró apaciguar a los primeros seguidores incondicionales de Green Day. Algunos han dejado que la traición perdure por más de 30 años. Es hora de dejar ir y celebrar al grupo como una banda que definió una generación.



Génesis
Génesis realmente tiene dos historias diferentes: los primeros años de la banda con Peter Gabriel y su auge comercial con Phil Collins como líder. Si bien probablemente haya gente en algún lugar que tenga problemas con la era Gabriel, son los años de Collins los que realmente reciben el desprecio. El mayor problema fue el cambio de sonido de la banda. Al principio, Génesis era una banda de rock progresivo, el tipo de artista del que los intelectuales presumían con sus amigos. Cuando Collins tomó las riendas en 1975, condujo al grupo directamente hacia el pop comercial. Aquellos primeros fans se sintieron repentinamente ofendidos, y muchos se negaron a seguir a la banda por este nuevo camino. Incluso cuando Genesis se convirtió en una de las bandas más importantes del planeta, la gente arremetía contra el material pop de Collins, con acusaciones de "vendimiento" que resonaban entre los oyentes. Décadas después de su apogeo, debería ser fácil respetar las diferentes pero igualmente impresionantes épocas de Genesis; sin embargo, algunos críticos se niegan a abandonar su hostilidad.



U2
El desprecio por U2 a menudo puede variar según la edad del crítico. Los cínicos de los '80s rechazaron a la banda debido a su sobresaturación en la radio y MTV. La siguiente generación de críticos a menudo cita la agenda política de Bono y su carácter, en ocasiones, sermoneador, como la razón de su rencor. Luego está la infame debacle de 'Songs of Innocence' de 2014, cuando U2 tuvo su álbum automáticamente en iPhones de todo el mundo, lo que generó una reacción generalizada. Aun así, nada de esto debería eclipsar el increíble legado que U2 ha forjado a lo largo de sus casi 50 años de carrera. 



Dave Matthews Band
Según todos los informes, Dave Matthews es un hombre amigable y afable, el tipo de estrella de rock con la que te encantaría tomar una cerveza. Su banda forjó su estilo distintivo fusionando una amplia gama de estilos, incluyendo rock, blues, funk y folk. Realmente no hay nada ofensivo en la música ni en la actitud del grupo, ya que han intentado cultivar un ambiente de "todos son bienvenidos" durante décadas. Entonces, ¿por qué odiar? Gran parte se reduce al tiempo y al lugar. Cuando Dave Matthews Band saltó a la fama mundial, se convirtieron en un grupo favorito de un cierto sector de universitarios. ¿Ves a un tipo jugando hacky sack en el patio de la universidad? Probablemente era un fan de Dave Matthews. ¿Ese otro tipo con poncho y sandalias Teva y una guitarra acústica? Sin duda es fan de DMB, y probablemente esté a punto de tocar "Crash Into Me" junto a una fogata. La reacción negativa contra este subconjunto cultural llevó a muchos críticos a centrar su atención en la banda. En realidad, Dave Matthews Band es una banda multiplatino, con un impresionante catálogo de material que merece ser apreciado en lugar de ridiculizado.



Limp Bizkit
Mira, lo entendemos. La era del new metal de principios de los 2000 fue… extraña. La afinación Drop D dominaba las ondas radiales, mientras que los shorts Dickies y los tatuajes de estrellas decoraban a casi todos los músicos de MTV. Y la figura emblemática de la era fue, sin duda, Limp Bizkit. Tan omnipresente era la imagen y el sonido de la banda que una gorra roja de los Yankees al revés era todo lo que uno necesitaba para indicar su fanatismo. Pero como cualquier cambio cultural importante, el péndulo pronto osciló en la dirección opuesta. La cultura de los colegas, como se la llamaría en retrospectiva, fue objeto de rebelión. Las ventas de álbumes de Limp Bizkit cayeron, y el comportamiento cada vez más errático de Durst lo convirtió en una estrella de rock que había perdido el rumbo. Sin embargo, a pesar de todo el odio, la gente olvida lo que catapultó a Limp Bizkit al estrellato en primer lugar. Te retamos a no mover la cabeza al escuchar "Rollin'". O a no romper cosas cuando escuchas... umm..."Break Stuff". Limp Bizkit no es arte, pero nunca se pretendió que lo fuera. Sus canciones son para fiesta, mosh y para pasar una noche desenfrenada. Por eso, tuvieron mucho éxito.