No fue una pérdida abrumadora en medio de su gira multimillonaria de 1973, pero más problemas estaban en camino.
A Led Zeppelin le robaron más de $ 200,000 en efectivo el 29 de julio de 1973 de una caja de seguridad en su hotel de la ciudad de Nueva York.
Difícilmente una pérdida paralizante, ya que se acercó al final de una gira que recaudó más de $ 4 millones. Pero era casi una señal de que la carrera del legendario grupo había llegado a su punto máximo y más problemas estaban en camino.
A partir del 4 de mayo, Led Zeppelin comenzó a recorrer los EE. UU. en su gira más ambiciosa. Al final de la carrera, más de 30 ciudades en más de 20 estados (más Vancouver) fueron conquistadas sistemáticamente por el ataque de alto decibelio de Zeppelin. En el camino, se rompieron récords de asistencia de décadas de antigüedad, se establecieron nuevos récords de taquilla e incontables mentes quedaron asombradas por el poder absoluto y devastador de Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones y John Bonham disparando a toda máquina.
Para conmemorar y capitalizar este éxito, el equipo de dirección de Led Zeppelin decidió filmar las últimas tres noches de la gira en el Madison Square Garden de Nueva York. Y aunque tomó tres años y algunas maniobras legales, las actuaciones finalmente llegarían a los cines y tiendas de discos como 'The Song Remains The Same' de 1976.
Pero, ¿Cómo desaparecieron misteriosamente $200,000 de la banda de la caja de seguridad no tan segura en el lujoso Hotel Drake en algún momento entre el segundo y el tercer concierto? Según el gerente de la gira, Richard Cole, todo el dinero se contabilizó cuando marcó la casilla alrededor de la 1 a. m. del 29 de julio, pero no se encontraba por ningún lado cuando volvió a abrirla alrededor de las 7:30 p. m.
Ni la policía ni los detectives del hotel pudieron encontrar pruebas de que la caja había sido manipulada a la fuerza, y la dirección de Zeppelin parecía casi reticente a insistir más en el asunto, dado el origen nebuloso de la gran cantidad de dinero en efectivo involucrada. Según relatos de periódicos de la época, Cole les dijo a los detectives que el dinero en cuestión provenía de la gira actual y se mantuvo disponible porque la banda tenía "muchos gastos que pagar".
El robo nunca ha sido resuelto. Quienquiera que lo tomó, al menos dejó los cinco pasaportes dentro de la caja, para que la banda pudiera regresar a Inglaterra y recuperarse de la larga travesía por los Estados Unidos. Es posible que Led Zeppelin se haya ido a casa un poco más pobre de lo que esperaban, pero la verdad detrás del misterio de 40 años podría haber sido mucho más costosa que $ 200,000.
Su filosofía era simple: "Si te sientes fuerte, sé fuerte".
ZZ Top desveló una potente verdad universal con su éxito de 1983 "Sharp Dressed Man": La nitidez no es una estética única para todos, sino un estado del ser.
Esto fue una revelación para el trío, que hasta entonces había labrado una exitosa carrera tocando blues-rock sureño, pero que la crítica establecía los consideraba patentemente anticuados. ZZ Top alcanzó el oro una década antes con el Top 10 'Tres Hombres', pero sus fortunas habían comenzado a decaer a medida que los '70s se mezclaban con los '80s.
Regresaron de un paréntesis de dos años con 'Degüello', de 1979, que vendió platino, pero los sonidos sintetizados de 'El Loco' de 1981 alienaron a los fanáticos y vendieron la mitad que su predecesor. En retrospectiva, 'El Loco' abrió una puerta a través de la cual ZZ Top cargaría audazmente en su próximo disco, 'Eliminator' de 1983.
"Sin duda, hay cosas locas que suenan interesantes" en 'El Loco', dijo Billy Gibbons a Classic Rock en 2021. "La intriga de estos artilugios recién descubiertos estaba empezando a ponerse de moda, pero no teníamos un maestro o guía. Ni siquiera teníamos un manual de instrucciones. Solo estaba presionando botones y [encontrando] algo que sonaba un poco vulgar".
ZZ Top necesitaba adaptarse a los sonidos cambiantes de la música rock, donde la nueva ola lista para el club había reemplazado su fórmula obscena de blues-rock. Gibbons "me preguntó qué podíamos hacer", recordó Terry Manning, ingeniero de ZZ Top desde hace mucho tiempo. "Empecé a ir a clubes y a estudiar ritmos. El mercado había cambiado bastante respecto al rock 'n' roll basado en el blues. Así que se me ocurrieron algunas ideas que podríamos implementar para hacer un álbum muy diferente".
El resultado fue 'Eliminator', un tour de force de 11 canciones con ganchos del tamaño de Texas, una producción súper ingeniosa y ritmos estremecedores que fueron optimizados para la pista de baile, con muchos tempos uniformemente en el estadio de béisbol de 125 bpm. El obsceno boogie de bar de ZZ Top seguía intacto, pero se filtraba a través de un prisma futurista de nueva ola que podía enfrentarse cara a cara con las fuerzas pop dominantes de la época.
El LP no solo se mantuvo firme; venció a la competencia.
Estimulado por un trío de sencillos, "Gimme All Your Lovin'", "Sharp Dressed Man" y "Legs", con videos conectados dirigidos por Tim Newman, 'Eliminator' vendió la asombrosa cantidad de 10 millones de copias en los Estados Unidos y se ganó el cariño de ZZ Top audiencia nueva y fresca.
"Gimme All Your Lovin'" presenta a un humilde empleado de una gasolinera que es llevado a dar un paseo en el icónico cupé 'Eliminator' por un trío de mujeres explosivas (incluida la modelo y actriz Daniele Arnaud y la ex Playboy Playmate Jeana Tomasino). En el video de "Sharp Dressed Man", se deshace de sus trapos de gasolinera por ropa elegante y formal, una metáfora visual de la improbable reinvención de ZZ Top como reyes de la moda.
"Tim fue un gran director", dijo Gibbons a Classic Rock. "Con lo cual quiero decir que nos dijo que no éramos mucho para mirar, y que necesitaríamos algunas chicas bonitas en la mezcla para endulzar la historia. Trajo un libro ilustrado de modelos a nuestra primera reunión. Le dije: 'Bueno, baje la velocidad aquí y tomemos esto página por página'".
No importaba que Gibbons, el también barbudo bajista Dusty Hill y el bigotudo baterista Frank Beard carecieran de la apariencia de una supermodelo. Con sus videos en constante rotación de MTV, se convirtieron en avatares de arrogancia. "La vestimenta elegante depende de quién seas", dijo Hill a Spin en 1985. "Si estás en una motocicleta, el cuero realmente afilado es genial. Si eres un punk rockero, puedes ser elegante de esa manera. Puedes ser agudo o no agudo en cualquier modo. Todo está en tu cabeza. Si te sientes agudo, sé agudo".
Lanzado como sencillo en julio de 1983, "Sharp Dressed Man" alcanzó el puesto número 8 en la lista Mainstream Rock Airplay de Billboard y se convirtió en una de las canciones emblemáticas de ZZ Top. Apareció en el primer videojuego de Guitar Hero, sirvió como tema musical para el reality show Duck Dynasty y aterrizó en el puesto 43 en la lista de 2009 de Guitar World de los 50 mejores solos de guitarra.
"Esa canción y todo el álbum realmente abrazan la simplicidad de la música blues y techno con el complejo desafío de cómo combinarlos", dijo Gibbons a Guitar World. "La pista simplemente tiene una entrega realmente estridente, que es un buen punto de ignición en el escenario, sentado en el portón trasero en medio de la nada, bebiendo una bebida fría, o donde sea que estés. Simplemente te hace algo".
“Quiero gobernar el mundo”, admitió la cantante antes del lanzamiento de su álbum homónimo.
Se le preguntó a Madonna sobre sus objetivos en las primeras etapas de la grabación de su álbum debut. “Quiero gobernar el mundo”, respondió ella.
Sorprendentemente, lo haría. Pero esta conquista global tuvo un comienzo humilde.
Después de mudarse a Nueva York desde Michigan, Madonna pasó por varios proyectos. Consiguió trabajos como corista y bailarina. Tuvo breves períodos en The Breakfast Club y Emmy and The Emmys. Aunque ninguno de ellos resultó fructífero, estos primeros conciertos ayudaron a Madonna a establecer relaciones dentro de la escena de clubes de música de Nueva York.
Una vez que lanzó una carrera en solitario, Madonna llevó su demostración a algunos de los lugares nocturnos más populares de la Gran Manzana, tratando de convencer a los DJ para que tocaran su música. Su música llamó la atención del DJ Mark Kamins en Danceteria, quien ayudó a Madonna a conocer a Seymour Stein, presidente de Sire Records.
“Ella era un estudio”, admitió Stein más tarde. “Pude ver lo ambiciosa que era, lo fuerte que era”.
Stein firmó con Madonna su primer contrato discográfico, que inicialmente era una garantía de tres sencillos con la opción de hacer un álbum completo. Después de que los primeros sencillos "Everybody" y "Burning Up" se convirtieran en éxitos de club, el álbum recibió luz verde.
Encontrar la dirección musical correcta para Madonna sería imperativo para su éxito. La muerte de la música disco había dejado a la música dance en un estado de cambio constante, pero había un claro vacío que ella debía llenar.
“Realmente sentimos que si combinábamos disco, R&B y new wave, tendríamos algo realmente genial”, dijo Michael Rosenblatt, representante original de A&R de Madonna en Sire Records, al New York Post. “Inventamos un formato”.
Kamins produjo "Everybody", pero Madonna quería a alguien más experimentado para manejar su LP. Reclutó a Reggie Lucas, que había trabajado con cantantes de R&B como Stephanie Mills, Phyllis Hyman y Roberta Flack.
“Cuando Warner Bros. me llamó para trabajar con Madonna, yo era el gran marcador”, dijo Lucas a Rolling Stone. “Parece ridículo en retrospectiva, pero yo era un profesional establecido y ella no era nadie. Me reuní con ella en un pequeño apartamento que tenía en el Lower East Side. Pensé que era vivaz, sexy e interesante, y que tenía mucha energía”.
El escepticismo abundaba: “La mayoría de las personas alrededor de Madonna a nivel corporativo no la entendieron y en su mayor parte no les gustó”, dijo Lucas.
“Podías verlos retroceder ante su bohemia. Todos pensaban que estaba loca y asquerosa. Nunca diría que era una rockera punk, pero solía usar pantalones cortos de niños pequeños y camisetas blancas con agujeros, y luego tenía pequeños anillos en las orejas”, agregó Lucas. “Ella no era la persona más rara que había conocido, ¿sabes? ¡Había trabajado con Sun Ra! Entonces, después de salir con 'Heliocentric Worlds of Sun Ra', Madonna no parecía particularmente vanguardista”.
Madonna solo tenía un puñado de canciones cuando ingresó al estudio para grabar su debut homónimo, incluidas "Everybody" y "Burning Up". Había estado jugando con "Think of Me" y "I Know It" durante meses. Otro original, "Lucky Star", parecía preparado para el éxito: muchos dentro del sello discográfico de Madonna lo eligieron como el sencillo revelación, aunque Madonna no tenía tanta confianza.
Lucas escribió dos canciones para el LP, "Physical Attraction" y "Borderline", cuando él y Madonna comenzaron a discutir. Lucas quería embellecer las canciones con arreglos pop densos, mientras que ella prefería un sonido más escaso. Madonna finalmente despidió a Lucas antes de la finalización del álbum y trajo al DJ del club John "Jellybean" Benítez para remezclar parte del material.
Tenía siete canciones en la lata pero necesitaba una pista más para completar a 'Madonna'. Con poco tiempo y dinero, Benítez sugirió "Holiday". La canción, escrita por Curtis Hudson y Lisa Stevens-Crowder, ya había sido transmitida por varios actos, incluida la ex cantante de Supremes, Mary Wilson.
“Recuerdo llamar a Quincy Jones [y] simplemente decirle: ‘Oye, estoy haciendo este disco. ¿Algún consejo que puedas dar?’”, dijo Benítez al New York Post. “Y básicamente dijo: ‘Confía en tus instintos. Ve a hacer algo que vayas a tocar’”.
En solo unos días, Madonna y Benítez pudieron convertir "Holiday" en un sencillo que definió una era. Aún así, Madonna no obtuvo fanfarria inicial. Lanzado el 27 de julio de 1983, el álbum no entró en el Billboard 200 hasta el 3 de septiembre, cuando debutó en el puesto 190.
Luego, "Holiday" comenzó a ascender en las listas dance, antes de cruzar al Hot 100, donde alcanzó el puesto 16. La popularidad de la canción marcó la introducción principal de Madonna. Su éxito, seguido de los siguientes sencillos "Lucky Star" y "Borderline", cada uno de los cuales alcanzó el Top 10, ayudó a impulsar a 'Madonna' a las ventas multiplatino.
Más tarde, Madonna expresaría su pesar por la rapidez con la que se armó su debut, lamentando que "no tenía el control" y deseando que el LP tuviera "más variedad". De todos modos, Madonna se erige como uno de los debuts más impactantes en la historia de la música, el momento en que un futuro ícono subió con confianza al escenario mundial.
Smokin' In The Boys Room es una canción grabada originalmente por Brownsville Station en 1973 en su álbum 'Yeah!'. Alcanzó el número 3 en Canadá y en el Billboard Hot 100 de EE. UU., y luego fue certificado por la RIAA.
La canción trata sobre los estudiantes que esperan evitar ser atrapados violando la prohibición de fumar de su escuela fumando cigarrillos en el baño de niños. La canción comienza con una recitación hablada, y los versos y una parte del coro son en su mayoría hablados, en lugar de cantados.
La canción fue versionada en 1985 por Mötley Crüe lanzado como sencillo el 24 de junio de 1985 y se incluye en el tercer álbum de estudio de la banda de titulo Theatre Of Pain (21-Jun-1985), "Smokin' In The Boys Room" alcanzó el puesto 16 en el Billboard Hot 100 de EE. UU. y se convirtió en el primer éxito Top 40 de Mötley Crüe. Su versión de la canción aparece en la película de 1986 'The Wraith' dirigida por Chieffallo. Una versión de LeAnn Rimes de la canción apareció en el álbum 'Nashville Outlaws: A Tribute To Mötley Crüe'.
La versión de Crüe estuvo acompañada de un video musical conceptual con Michael Berryman como director de la escuela. El video se centra en un estudiante de secundaria llamado Jimmy que es maltratado e incomprendido en la escuela. Después de que el director lo regaña por (sinceramente) afirmar que un perro se escapó con su tarea, Jimmy frustrado va al baño de niños donde ve a Mötley Crüe en los espejos. La banda lo empuja a través del espejo para que se una a ellos, y Jimmy y Mötley Crüe observan una visión distópica de la escuela a través de una ventana con barrotes.
Al final del video musical, el director se disculpa con Jimmy y ofrece una A por la tarea que falta; en cambio, Jimmy no acepta y rompe la tarea. Después de que Jimmy se aleja, Nikki Sixx se asoma por el espejo y arrebata el tupé del director estupefacto.
1949. Hoy cumple 74 años el baterista británico de rock Simon Kirke, nacido en Londres. En 1968 forma junto a Paul Kossoff, Paul Rodgers y Andy Fraser el grupo Free, con el que -en los cuatro años que estuvieron juntos- tuvieron una gran influencia en los grupos de rock a ambos lados del Atlántico.
Su mayor éxito, 'All right now' (1970) fue nº1 en más de veinte países. En 1990 había sido radiado más de un millón de veces en las emisoras americanas y en el año 2000 alcanzó la cifra de dos millones de emisiones en el Reino Unido. Tras la disolución de Free en 1973 Simon Kirke y Paul Rodgers continuaron juntos para formar Bad Company con Mick Ralphs (Mott the Hoople) y Boz Burrell (King Crimson).
Entre 1974 y 1996 publicaron una docena de álbumes, algunos de ellos de gran éxito, con temas como 'Can't get enough' (1974), 'Good lovin' gone bad', 'Feel like makin' love' (1975), 'Young blood' (1976) y 'Holy water' (1990). A pesar de varios cambios en la banda a mediados de los ochenta, Simon fue el único miembro original que se mantuvo en la formación y en 2008, con Rodgers y Ralphs de nuevo en sus filas, (Burrell murió de un infarto en 2006) realizaron varias giras por Estados Unidos y el Reino Unido, tras las cuales anunciaron una nueva disolución del grupo por un tiempo indefinido.
Kirke ha colaborado con otros muchos músicos como Wilson Pickett, Bo Diddley, Ray Charles, Jerry Lee Lewis, Keith Richards, Ronnie Wood y Eric Clapton, asi como con la Ringo Starr's All Star Band, con la que ha realizado giras en tres ocasiones. En 2005 publicó su primer álbum en solitario, 'Seven Rays of Hope', al que siguió en 2011, 'Filling the Void' y en 2017 'All Because of You'.
1943. Nace Richard Wright, en Londres Reino Unido. Teclista, fue, junto a Roger Waters (bajista) y Nick Mason (batería), fundador de Pink Floyd, grupo al que estuvo unido hasta 1979, cuando durante la grabación de 'The Wall' sus agrias diferencias con Waters le llevaron a abandonar la formación, aunque siguió un par de temporadas más unido a la banda en directo en calidad de músico contratado. En 1987, regresó a la reflotación de unos Pink Floyd bajo el exclusivo mando de Gilmour. En 2005, se unió a sus antiguos colegas para participar en el festival Live 8. En Pink Floyd, Wright jugó el papel, durante los años de gloria del grupo, de hombre discreto, dejando que David Gilmour y Roger Waters ejercieran de líderes e ideólogos. En solitario grabó dos álbumes: “Wet dream” (1978) y “Broken China” (1996). Murió en septiembre de 2008.
1944. Nace Michael Bloomfield, en Chicago, Illinois Estados Unidos. Guitarrista y cantante de blues-rock. Formó parte de The Paul Butterfield Band, acompañó al primer Bob Dylan eléctrico –participó en la grabación de “Highway 61 revisited”–, junto a Al Kooper y Stephen Stills grabó, en 1968, el aclamado álbum «Super session». Murió en 1981.
1962. Nace Rachel Sweet, en Akron, Ohio Estados Unidos. Cantante de pop-rock de la new wave, fue lanzada desde Inglaterra por el sello Stiff. Discografía: “Fool around” (1978), “Protect the innocent” (1980), “Then hi kissed me” (1981), “Blame it on love” (1982).
1965. Nace Delfeayo Marsalis, en Nueva Orleans. Trombonista de jazz y productor musical. Pertenece a toda una saga de músicos de jazz: es hijo de Ellis Marsalis, y hermano de Wynton, Brandford y Jason. Debutó con 17 años en la producción y ha dirigido grabaciones de entre otros, Marcus Roberts y Harry Connick Jr. También ha ejercido de instrumentista para otros músicos, como Max Roach, Ray Charles o Art Blakey. Grabó su primer disco en solitario en 1992.
2017. Los británicos The Fall publican el álbum “New Facts Emerge”.
2017. Alice Cooper publica “Paranormal”, un álbum que cuenta con la producción de Bob Ezrin y las colaboraciones de Billy Gibbons (ZZ Top), Larry Mullen (U2) y Roger Glover (Deep Purple).
'Viva! Hysteria' es un álbum doble en vivo de la banda de rock inglesa Def Leppard lanzado el 22 de octubre de 2013. El álbum fue grabado los días 29 y 30 de marzo de 2013 durante la residencia de la banda del mismo nombre en el Hard Rock Hotel and Casino (Las Vegas).
El primer disco, tomado de la presentación de la banda el 30 de marzo, contiene las 12 pistas del álbum 'Hysteria' de Def Leppard de 1987, seguido de dos éxitos de su álbum 'Pyromania' de 1983, que fueron "Rock of Ages" y "Photograph".
El segundo disco tiene una selección de cortes más profundos, muchos de los cuales la banda no había tocado en muchos años o incluso décadas antes de la residencia.
La banda interpretó las canciones del segundo disco bajo el alias Ded Flatbird como el "acto de apertura" del espectáculo, antes de tocar todas las canciones del álbum 'Hysteria' como Def Leppard más tarde esa noche.
En este ocasión solo veremos la presentación del 30 de marzo que contiene las 12 pistas del álbum 'Hysteria' de Def Leppard de 1987, seguido de dos éxitos de su álbum 'Pyromania' de 1983, que fueron "Rock of Ages" y "Photograph".
Revirtió su declinante fortuna con una sentida canción inspirada en sus hijos.
Cualquier músico con una carrera ilustre de una década está destinado a acumular algunos remordimientos en el camino. Rod Stewart no fue la excepción, y aprovechó sus penas en el éxito de mitad de carrera "Forever Young", lanzado como sencillo en julio de 1988.
El roquero rompecorazones seguía siendo una fuerza formidable en las listas de éxitos a finales de los '80s, pero las ventas de sus álbumes habían ido disminuyendo gradualmente durante años, y los sencillos de éxito eran menos garantías que una década antes. La suerte de Stewart se revirtió con 'Out of Order' de 1988, que coescribió y coprodujo con el guitarrista de The Power Station Andy Taylor (antes de Duran Duran) y el bajista Bernard Edwards (antes de Chic).
El primer sencillo del álbum, "Lost in You", alcanzó el número 12 en el Billboard Hot 100, una señal de lo bueno que está por venir. Pero fue el segundo sencillo del álbum el que quedaría grabado en el canon de las canciones de todos los tiempos de los Stewart.
El cantante tenía en mente a sus hijos, Sean Stewart, de 7 años, y Kimberly Stewart, de 8, cuando escribió "Forever Young" con su guitarrista Jim Cregan y el teclista Kevin Savigar. "Me encanta 'Forever Young' porque era una canción muy sincera sobre mis hijos", dijo Stewart a Mojo en 1995 (a través de Songfacts). "De repente me di cuenta de que me había perdido unos buenos cinco años de la vida de Sean y Kimberly porque estaba muy ocupado de gira todo el tiempo".
Stewart podría haber tenido a otra persona en mente, al menos inconscientemente, mientras escribía "Forever Young": Bob Dylan, quien lanzó dos versiones de una canción con el mismo nombre en 'Planet Waves' de 1974.
La letra de la canción de Stewart ("Que el buen Dios te acompañe / Por cada camino que recorras... Que la buena fortuna te acompañe / Que tu luz guía sea fuerte") era literal y temáticamente similar a la de Dylan ("Que Dios te bendiga y te guarde siempre / Que todos tus deseos se hagan realidad... Que siempre sepas la verdad / Y veas la luz que te rodea"), tanto que Stewart se sintió obligado a limpiar la pista con Dylan antes de lanzarla.
"La canción es en gran medida la canción de Rod", dijo el manager de Stewart, Arnold Stiefel, a Los Angeles Times. "Surgió después de una conversación larga y muy conmovedora que tuvo con su hijo de 6 años el año pasado. Hubo una gran empatía entre ellos, lo que creo que realmente conmovió a Rod. Y según recuerda, vio una película en Inglaterra casi al mismo tiempo llamó 'Forever Young', que es de donde vino el título.
"Sin embargo, cuando estábamos armando el álbum, alguien señaló que había una canción de Dylan con el mismo título", continuó Stiefel. "Así que escuchamos las dos canciones. Y sería justo decir que, si bien la melodía y la música no son para nada iguales, la idea de la canción es similar. La arquitectura de la letra de la canción es muy Dylan, hay similitudes definidas".
Stiefel agregó que "no recibió respuesta de Bob directamente, pero su abogado transmitió el mensaje de que no tenía ningún problema con la canción, pero que sí quería participar en la propiedad de la canción". Stewart acreditó a Dylan como coautor de "Forever Young" y ambas partes acordaron dividir las regalías en partes iguales, y según los informes, Stewart donó su parte a organizaciones locales de atención médica para personas sin hogar en todo Estados Unidos.
Fue una victoria para ambas leyendas del rock, ya que "Forever Young" también saltó al número 12 en el Billboard Hot 100 y se convirtió en una de las canciones más interpretadas de Stewart, con más de 1,200 interpretaciones en vivo, según setlist.fm. 'Out of Order' generó otros dos éxitos Top 15, el No. 4 "My Heart Can't Tell You No" y el No. 11 "Crazy About Her", y superó los 2 millones de ventas en los EE. UU., lo que lo convierte en el LP más grande de Stewart desde 'Blondes Have More Fun' de 1978.
A los 43 años, el cantante había desafiado las leyes del envejecimiento de las estrellas del pop, no por primera vez ni por última vez.
