Lisa Lisa & Cult Jam - I Wonder If I Take You Home
I Wonder If I Take You Home es una canción grabada por Lisa Lisa and Cult Jam with Full Force en 1984. El productor discográfico Kenny Beck descubrió la canción en un "contenedor de basura" en Personal Records[¿dónde?] mientras buscaba canciones para incluir en su álbum debut con el sello. Quedó tan impresionado que creó un álbum recopilatorio de breakdance, 'CBS/SuzyQ', solo para incluir la canción.
Lanzó el álbum en Europa en CBS Records, e inmediatamente ganó popularidad como un éxito de baile entre los DJs de clubes allí. Pronto, los DJ estadounidenses comenzaron a tocar la canción en los Estados Unidos en Columbia Records. Después de que la canción recibiera una gran reproducción de estos DJ, "I Wonder If I Take You Home" alcanzó el número 1 en la lista Billboard Hot Dance Club Play durante una semana en junio de 1985.
Fue lanzado como sencillo el 10 de mayo de 1985 y es parte del álbum debut de Lisa Lisa & Cult Jam de titulo Lisa Lisa & Cult Jam with Full Force (02-Ago-1985).
En otras listas estadounidenses, alcanzó el puesto número 6 en la lista de R&B y alcanzó el puesto 34 en el Hot 100. En 1991, el sencillo fue certificado como disco de oro en los EE. UU. por la RIAA. En el extranjero, se ubicó en el puesto 12 en la lista de singles del Reino Unido y en el puesto 41 en los Países Bajos.
I Wonder If I Take You Home fue votado como el octavo mejor sencillo de 1985 en la encuesta anual de críticos Pazz & Jop de The Village Voice. Robert Christgau, el creador de la encuesta, la colocó en el duodécimo lugar de su propia lista de los mejores sencillos del año.
John Leland de Spin lo llamó un "clic de hip-pop adolescente ligero pero pegadizo. La pregunta " debería o no debería" rara vez se ha presentado con una apreciación tan aguda de los méritos de decir sí".
Lisa Lisa & Cult Jam, Full Force - I Wonder If I Take You Home (Official Music Video):https://youtu.be/P5m8lj5DCtI
1973. Paul McCartney and Wings, edita “Red Rose Speedway”. Es el segundo álbum de estudio de la banda de rock británico-estadounidense Wings, aunque se atribuye a Paul McCartney and Wings. Fue lanzado a través de Apple Records el 30 de abril de 1973, precedido por su sencillo principal, la balada "My Love". Al incluir el nombre de McCartney en los créditos del artista, el sencillo y el álbum rompieron con la tradición de los discos anteriores de Wings. El cambio se hizo en la creencia de que la falta de familiaridad del público con la banda había sido responsable del débil desempeño comercial del álbum debut del grupo en 1971, 'Wild Life'.
Antes de grabar el álbum, Wings reclutó al guitarrista principal Henry McCullough y lanzó su sencillo debut, "Give Ireland Back to The Irish", que fue prohibido por la BBC por su mensaje político. Las sesiones de grabación del álbum se llevaron a cabo a lo largo de 1972 en cinco estudios de grabación en Londres. El grupo también grabó los sencillos que no forman parte del álbum "Mary Had a Little Lamb", "Hi, Hi, Hi" y "Live and Let Die", el último de los cuales se publicó en junio de 1973. Originalmente planeado como un álbum doble, fue condensado en un solo LP a pedido de EMI. La compañía creía que el material no tenía un nivel lo suficientemente alto y tenía en cuenta las modestas ventas de los dos primeros sencillos de 'Wild Life' y 'Wings'. Los miembros McCullough y Denny Laine expresaron más tarde su decepción por la elección de las canciones del álbum sencillo.
'Red Rose Speedway' alcanzó el puesto número 5 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 1 en la lista Billboard Top LPs & Tape en los EE. UU., mientras que "My Love" encabezó el Billboard Hot 100 de EE. UU. respuesta de los críticos musicales, y varios críticos consideraron que las canciones eran intrascendentes y mediocres. Décadas después, continúa recibiendo críticas mixtas. El álbum fue reeditado en 1987 y 1993 con bonus tracks y remasterizado en 2018 como parte de Paul McCartney Archive Collection. La remasterización de 2018 incluye la versión reconstruida en doble LP del álbum.
1943. Nace Bobby Vee (de nombre real Robert Thomas Velline), en Fargo, Dakota del Norte Estados Unidos. Fue un muy popular intérprete de rock entre los adolescentes de los años sesenta, cosechando un buen montón de éxitos, pero poco a poco su estilo fue quedando caduco.
1948. Nace Wayne Kramer, en Detroit, Michigan Estados Unidos. Guitarrista de la banda de hard rock MC5, de la que fue uno de sus fundadores. En 1991 comenzó a grabar en solitario.
1966. Muere el cantante de folk Richard Fariña, en Carmel California, al estrellarse con su moto. Tenía 29 años. Estaba casado con Mimi Baez (hermana de Joan Baez), que ese día cumplía 21 años.
1983. Muere el bluesman Muddy Waters (de nombre real McKinley Morganfield), en Westmont, Illinois Estados Unidos, de un ataque al corazón. Tenía 70 años. Fue uno de los mejores representantes de lo que se conoce como blues de Chicago y algo así como el padre del blues moderno, resultando una de las grandes influencias para los pioneros del rock and roll, sobre todo por su manera de tocar la guitarra eléctrica (para los mismos Rolling Stones, fue influencia decisiva). En 1940, el musicólogo Alan Lomax ya le grabó por vez primera. Uno de los primeros acompañantes de su banda, con la armónica, fue Little Walker. Desde 1947 grabó para el sello Chess, convirtiéndose en uno de los pilares del mismo.
2015. Muere Ben E. King, intérprete del clásico ‘Stand By Me’, por causas naturales, a los 76 años. Nacido en Henderson, Carolina del Norte, el 23 de septiembre de 1938, se trasladó con su familia a Nueva York en 1947. Antes de iniciar su carrera en solitario formó parte de los Drifters, con los que grabó éxitos como ‘There Goes My Baby’ o ‘Save The Last Dance For Me’. Fue en 1961 cuando lanzó el single ‘Stand By Me’, con el que logró una enorme repercusión. ‘Spanish Harlem’ (producida por Phil Spector) y ‘Supernatural Thing – Part 1’ fueron otras de sus canciones de éxito. La Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos ha incorporado este mismo año ‘Stand By Me’ a su Archivo Nacional de Grabaciones.
Sheila E., es una percusionista y cantante estadounidense. Comenzó su carrera a mediados de la década de 1970 como percusionista de The George Duke Band.
Después de separarse del grupo en 1983, Sheila comenzó una carrera en solitario, comenzando con el lanzamiento de su álbum debut en 1984, que incluía su canción de mayor éxito, "The Glamorous Life". También vio un éxito con el sencillo "A Love Bizarre". A veces se la conoce como la "Reina de la percusión".
En 1985, se lanzó su segundo álbum, titulado 'Romance 1600'. Su sencillo principal "Sister Fate" no logró entrar en el Hot 100 de EE. UU.; alcanzó el puesto 36 en las listas de R&B. El segundo sencillo del álbum, "A Love Bizarre", tuvo más éxito, alcanzando el número 11 en el Hot 100 de EE. UU., convirtiéndose en la segunda y última vez que alcanza el top veinte del Hot 100 de EE. UU.
La pista que no pertenece al álbum "Holly Rock" llegó a los espectáculos en vivo y a la película Krush Groove.
Este concierto fue filmado el 09 de marzo de 1986 en el Warfield Theatre en San Francisco California, U.S.A. durante la gira 'Romance 1600 Tour'.
La banda tocó 32 canciones diferentes durante su stand de dos noches en Amsterdam.
Metallica cumplió su promesa de "no repetir el fin de semana" en Ámsterdam, presentando una lista de 16 canciones que no repitieron ni una sola pista del show de la noche del jueves de la banda en el mismo lugar.
Como lo hicieron el jueves por la noche, James Hetfield y compañía abrieron con un instrumental, esta vez "The Call of Ktulu" de 'Ride The Lightning' de 1984. Actuaron en un escenario en forma de anillo que permitió a una gran cantidad de fanáticos ver desde adentro una versión ampliada del "snakepit" de la gira 'Wherever We May Roam' de 1991-1992, con parlantes colgando de cables tendidos entre grandes torres con pantallas de video que rodean el escenario.
Coincidiendo con el jueves por la noche de otra manera, Metallica nuevamente interpretó tres canciones de su álbum '72 Seasons' recientemente lanzado: "If Darkness Had a Son", "You Must Burn!" y la pista del título. También lanzaron "Until it Sleeps" de 'Load' por primera vez en casi 15 años, antes de cerrar el fin de semana con un poderoso dúo de cierre de "One" y "Enter Sandman".
Metallica traerá a continuación su gira M72 'No Repeat Weekend' a París para espectáculos en el Stade De France el 17 y 19 de mayo. Las primeras fechas de la gira en Estados Unidos están programadas para el 4 y 6 de agosto en el Metlife Stadium en East Rutherford, Nueva Jersey. Los espectáculos del 18 y 20 de agosto desde Arlington, Texas, se transmitirán en salas de cine de todo el mundo.
El difunto cantante obtuvo más votos que Iron Maiden y Soundgarden combinados.
George Michael ganó la votación de los fanáticos del Salón de la Fama del Rock & Roll de este año, acumulando más de un millón de asentimientos del público.
Significa que el difunto cantante obtiene un conteo adicional para la inducción como parte de la clase de 2023, que se encuesta entre alrededor de 1,000 personas de la industria de la música que tienen su propio voto. Lo mismo se aplica a los subcampeones Cyndi Lauper, Warren Zevon, Iron Maiden y Soundgarden.
Aunque el voto de los fanáticos no garantiza la inducción, todos menos uno de los cinco líderes han recibido el honor desde que comenzó la encuesta pública: Dave Matthews Band no fue incluido en 2020. Los fanáticos pudieron votar una vez al día hasta que la encuesta cerró el Viernes.
Michaels había liderado desde marzo, tomando el relevo de Lauper, con Maiden y Soundgarden cambiando de lugar casi al mismo tiempo. Con esas excepciones, la tabla de líderes se había mantenido más o menos sin cambios desde febrero. El total de Michael de 1,040,072 fue más que la cuenta combinada de Maiden y Soundgarden de 876,722.
Con la votación completa, se espera que la clase de 2023 se anuncie en breve. Todavía podría incluir a algunos de los otros artistas que fueron preseleccionados: Willie Nelson, Kate Bush, Joy Division / New Order, Sheryl Crow, Spinners, Rage Against the Machine, White Stripes, Missy Elliott y A Tribe Called Quest.
El CEO de Rock Hall, Greg Harris, celebró recientemente la amplia variedad de nominaciones del año y dijo: “Es simplemente un gran grupo. Subraya la diversidad de lo que consideramos rock 'n' roll, y en realidad no es solo un sonido, son muchos sonidos, es una actitud y un espíritu".
Parecía una misión imposible en medio de la pelea legal entre Neal Schon y Jonathan Cain, pero funcionó.
Incluso el fanático más ferviente de Journey debe haberse sorprendido un poco cuando la banda insistió en que su gira del 50 aniversario continuaría en medio de una amarga pelea legal entre sus dos estrellas principales.
El guitarrista Neal Schon y el teclista Jonathan Cain aún se enfrentan en una sala del tribunal por una disputa derivada del cargo de millones de dólares a la tarjeta de crédito de una empresa. Ambos han terminado haciendo comentarios personales en contra del otro. Y aunque la mayoría de los músicos caerán en una línea como "el espectáculo debe continuar", tarde o temprano tiene que haber un punto de ruptura.
Y, sin embargo, como Schon publicó con orgullo en las redes sociales la semana pasada después de la última parada de la gira, “Journey acaba de terminar con mucho éxito nuestra gira de 40 fechas. ¡Adelante y hacia arriba!" Como si eso no fuera suficiente, agregó: “¡Vienen nuevas fechas geniales y el próximo año será increíble! Comenzando con arenas de nuevo y luego con estadios”. Eso siguió a su afirmación a principios de abril de que "las cosas están saliendo bien, amigos", cuando publicó una foto que mostraba a él y a Cain casi, pero no del todo, a una distancia de un apretón de manos durante un espectáculo.
Eso fue después de que las cosas parecieron desmoronarse aún más antes de que el espectáculo saliera a la carretera. Schon había querido que el ex miembro Gregg Rolie fuera de gira con ellos, para poner mayor énfasis en el legado de cinco décadas de la banda. Eso resultó en más comentarios negativos de los bandos opuestos y llevó al cantante Arnel Pineda a dejar salir algo de su exasperación. “Estoy con la banda para cantar el legado”, tuiteó. “Si algunos de ellos están cansados de que yo esté con ellos, con todos los medios pueden despedirme en cualquier momento”.
Otro ex integrante, el ex vocalista Jeff Scott Soto, le respondió a Pineda y le dijo: “No tienes nada [y] nadie ante quien responder, hermano; eres un corazón amable, gentil y enorme con un gran talento para igualar... Mantén el rumbo, recorre el rumbo. Estoy orgulloso de ser tu amigo”.
El baterista Dean Castronovo, quien recientemente regresó a la banda después de ser despedido en 2015, le dijo a UCR que aunque quería negociar una solución entre Schon y Cain, no fue posible. “Amo a esos dos muchachos”, dijo recientemente a UCR. “Es difícil para mí ver la confusión, porque son como hermanos para mí. Me rompe el corazón ver esto, pero, son cosas que solo tienen que resolver, por mucho que quiera ser un pacificador. Pero me doy cuenta de que se necesitará un milagro de Dios para arreglar esto, así que solo estoy esperando que Dios arregle esto. Es como, 'Yo solo oren para que resuelvan todo, porque esto es hermoso y me encantaría terminar mi carrera con ustedes'”.
Mientras tanto, agregó, el espectáculo debe continuar. “[Somos] profesionales”, argumentó. “La conclusión es que la música es más grande que esta BS. Esa es la belleza de esto. Puede haber todas las disputas y todas las peleas y toda la porquería que las acompaña, y sé que el 90 por ciento de las bandas tienen eso. Probablemente todos tengan eso; simplemente no lo hacen público. Pero la música es más grande que todo eso. La gente mira hacia arriba y dice: 'No me importa si se odian'. Las canciones son icónicas y las aman".
Castronovo insinuó que no era tan fácil convivir entre bastidores. “Tenemos que salir y tocar lo mejor que podamos, y lo hacemos”, argumentó. "Lo dejamos en la puerta y subimos y tocamos y es un hermoso espectáculo de dos horas... luego todos siguen su propio camino". Y agregó: “Y está funcionando. Realmente es."
En su propia entrevista reciente con UCR, Cain ofreció otra razón para seguir adelante. “Nunca en mis sueños más locos pensé que sería capaz de crear este tipo de longevidad duradera cuando se trata de escribir”, dijo, y agregó que estaba muy orgulloso del material que había coescrito con el ex-vocalista Steve Perry. “Fuimos capaces de crear estas canciones con Neal que significan mucho para tanta gente. Es bastante abrumador pensar en eso”.
Podría decirse que el catálogo de la banda hace una declaración más fuerte que algunos de los problemas de personal a lo largo de los años. “Es especial cuando te conviertes en la banda sonora de la vida de las personas, y traen a sus hijos y dicen: 'Esto es lo que escuchaba cuando era niño'”, dijo Cain, antes de ofrecer otra perspectiva de cómo logró llegar al escenario. y entregar los bienes en medio de una tensión innegable. “Nunca miré por encima del hombro, de verdad”, explicó. “Diría que mi padre fue mi mentor, y ese fue su consejo: nunca mires atrás. Así que no lo hice, y me ha servido bien”.
Parece obvio que la banda continuará, pero la forma que tomará sigue siendo incierta. Rolie, cuya perspectiva es interesante como antiguo miembro que terminó desempeñando un breve papel de estrella invitada en la gira, argumentó: “Journey se ha convertido en un tren de carga fuera de control sin frenos. La gente entra y sale; ha habido todos estos cambios, pero Journey continúa. Simplemente sigue y sigue. Estoy orgulloso de haber sido parte de la construcción de algo como esto que ha llegado a millones de personas y continúa haciéndolo”.
La tecnología vuelve a imaginar "New" y "Grow Old With Me".
Un usuario de YouTube llamado Dae Lims ha utilizado inteligencia artificial para reimaginar material en solitario de John Lennon y Paul McCartney como canciones de los Beatles.
La versión recreada por IA de "New", la canción que da título al álbum de McCartney de 2013, mezcla más armonías vocales en la canción y agrega notablemente partes de la melodía que suenan como si Lennon estuviera cantando. La voz de McCartney también suena más ágil que en el original, más un reflejo de su voz más joven durante sus días en los Beatles.
Los cambios son aún más notables en la versión recreada por IA de "Grow Old With Me" de Lennon. El original fue grabado por el icónico cantante como una demostración en 1980 y fue lanzado póstumamente en el álbum 'Milk and Honey' de 1984. La versión AI agrega más profundidad a la melodía, con armonías vocales más amplias y un arreglo instrumental más completo, que recuerda a las pistas clásicas de los Beatles.
Aunque Dae Lims brinda muy poca información sobre el proceso de creación de estas pistas, el perfil del usuario dice "Nada es real", citando una famosa línea del éxito de los Beatles de 1967 "Strawberry Fields Forever".
De hecho, en el mundo de la IA en constante evolución, nada parece real. La tecnología se ha convertido rápidamente en un tema candente en la industria de la música, con algunos artistas que abogan por una mayor regulación gubernamental de la música generada por IA, mientras que otros respaldan la reutilización carta blanca de sus voces en canciones de IA.
La semana pasada, un productor musical anónimo lanzó la canción "Heart on My Sleeve", con voces aparentemente cantadas por el rapero Drake y el cantante pop The Weeknd. Se convirtió en un éxito viral antes de ser eliminado de los sitios de transmisión, ya que la canción generada por IA no contaba con la aprobación de ninguno de los artistas ni de sus respectivos sellos discográficos.
The Glamorous Life es una canción escrita por Prince, grabada por la percusionista estadounidense Sheila E. y producida por ambos. La canción tiene una letra que refleja un cinismo por la decadencia y el materialismo de la protagonista de la canción, referida en tercera persona, que "quiere llevar una vida glamorosa", aunque es consciente de que "sin amor, no es mucho". .
The Glamorous Life es la canción principal y la canción de cierre del álbum debut en solitario de Sheila E. de titulo The Glamorous Life (05-Jun-1984), y alcanzó el número siete en la lista Billboard Hot 100 de EE. UU., así como el número uno en la lista Billboard Hot Dance Music/Club Play. La pista obtuvo dos nominaciones a los premios Grammy y tres nominaciones a los premios MTV. En 2019, se lanzó la demostración original de Prince de la canción en su álbum póstumo 'Originals'.
The Glamorous Life se lanza como sencillo el 02 de mayo de 1984.
1933. Hoy cumple 90 años Willie Nelson, cantautor country nacido en Abbot Texas. Un auténtico icono de la música norteamericana que estudió música por correspondencia y compuso su primera canción con siete años. Antes de ser, en los años setenta, uno de los que formaban el movimiento 'outlaw', ya componía grandes temas para otros en los sesenta: 'Hello Walls' (Faron Young), Pretty Paper (Roy Orbison) o 'Crazy' (Patsy Cline).
En las décadas siguientes tuvo numerosos éxitos como solista como 'Blue eyes crying in the rain' (1975), 'If you've got the money, I've got the time' (1976), 'Georgia on my mind' (1978), 'On the road again' (1980), 'Always on my mind' (1982) y 'To all the girls i've loved before' (1984) haciendo un curioso dueto con Julio Iglesias. En 1985 formó junto a Johnny Cash, Waylon Jennings y Kris Kristofferson el supergrupo country The Highwaymen con los que grabó tres álbumes.
Hasta la fecha, Willie Nelson ha publicado 73 álbumes de estudio, 14 en directo y 130 singles, 25 de los cuales alcanzaron el nº1 en las listas de country. Sus ventas (solo en Estados Unidos) superan los 40 millones de copias, además de haber ganado 10 premios Grammy, 7 American Music Awards y 11 premios de la Country Music Association. El año 2013 salieron a la venta 'Let's Face the Music and Dance', una selección de clásicos del pop, jazz, rock y country, y 'To All The Girls...', álbum de duetos con cantantes femeninas. Le siguió 'Band of Brothers' en el que ofrecía nueve composiciones nuevas y en junio de 2015 apareció 'Django & Jimmie', el sexto álbum grabado en colaboración con Merle Haggard que fue nº1 en las listas country y top20 en el Billboard200. En febrero de 2021 se puso a la venta ‘That's Life’, su segundo tributo a Sinatra, tras 'My Way' en 2018 y en marzo de 2023 publicó su más reciente trabajo, 'I Don't Know a Thing About Love' el álbum nº 73 de sus carrera.
1899. Nace Duke Ellington, en Washinton D.C. Estados Unidos. Uno de los más importantes compositores e intérpretes de jazz clásico, también fue un extraordinario arreglista. En gran medida, sobre sus soluciones se sustenta gran parte del jazz orquestal. Murió en 1974.
1922. Nace Toots Thielemans, en Bruselas Bélgica. Intérprete e introductor de la armónica en el jazz. Ha colaborado con gente como Miles Davis, Quincy Jones, Bill Evans o Charlie Parker, con el que llegó a integrarse en su grupo a comienzos de los años cincuenta. Murió en agosto de 2016.
1931. Nace Lonnie Donegan (de nombre real Anthony James D.), en Glasgow Reino Unido. Compositor, intérprete y pionero del skiffle. En 1955 publicó el single ‘Rock island line’/’John Henry’, y el primer álbum en 1958: “Tops with Lonnie”. Murió en 2002.
1934. Nace Otis Rush, en Filadelfia, Pensilvania Estados Unidos. Guitarrista y vocalista de blues. Comenzó a grabar en Chicago en los años cincuenta y fue uno de los ídolos de los guitarristas de blues surgidos en Gran Bretaña en la década siguiente.
1942. Nace Klaus Voorman, en Berlín Alemania. Bajista de rock, ilustrador y fotógrafo. Fue miembro de Manfred Man y la Plastic Ono Band. En los años sesenta convivió con los Beatles en Hamburgo, posteriormente les diseñó la portada de “Revolver”. En la actualidad continúa trabajando como diseñador gráfico, ilustrador y pintor.
1945. Nace Tammi Terrell (de nombre real Thomasina Montgomery), en Filadelfia, Pensilvania Estados Unidos. Vocalista de soul, integradada en el sello Motown hizo pareja con Marvin Gaye en diferentes grabaciones. Murió en 1970 como consecuencia de un tumor cerebral.
1968. Nace Carnie Wilson, en Los Ángeles, California Estados Unidos. Hija de Brian Wilson. En 1989 formó, junto a su hermana Wendy y Chynna Phillips –hija de Michelle y John Pillips (The Mamas & The Papas)–, la banda de pop Willson Phillips. El grupo se disolvió en 1993.
1993. Muere el guitarrista, cantante, compositor y productor Mick Ronson, de cáncer de hígado. Tenía 46 años. Entre finales de los sesenta y comienzos de los setenta colaboró intensamente con David Bowie, definiendo el sonido de la guitarra del glam rock en discos como “Space oddity” y “Ziggy Stardust”. También fue coproductor de “Transformer”, de Lou Reed.
2008. Carly Simon publica “This Kind Of Love”, su primera grabación con material inédito desde el año 2000.
2016. Brian Eno publica “The Ship”, un discoinspirado en el hundimiento del Titanic y la Primera Guerra Mundial que contiene dos largas piezas: ‘The Ship’ y ‘Fickle Sun’, que está dividida en tres movimientos: (I) ‘Fickle Sun’ (II) ‘The Hour Is Thin’ y (III) ‘I’m Set Free’ (este, versión de un tema de The Velvet Underground).
2016. El blusero italiano Zucchero regresa con el disco “Black Cat”, que producen Don Was, Brendan O’Brien y T-Bone Burnett. Una de las nuevas canciones, ‘Streets Of Surrender’ (‘Non ci si arrende’, en la versión italiana) ha sido compuesta por el líder de U2, Bono, y cuenta con la guitarra de Mark Knopfler.
'Musicology Live 2004ever Tour' fue una gira de conciertos del artista estadounidense Prince para promocionar su álbum 'Musicology'. La gira comenzó el 27 de marzo de 2004 en Reno, Nevada y concluyó el 11 de septiembre en San José, California. Fue un éxito comercial, ganó $87,4 millones en 77 espectáculos en 52 ciudades de los Estados Unidos y vendió más de 1,4 millones de entradas. Prince dijo que uno de los objetivos de la gira era "traer de vuelta la música y la maestría musical en vivo".
En abril de 2004, Prince lanzó su trigésimo álbum de estudio 'Musicology' de Columbia Records después de dejar los antiguos sellos discográficos Warner Bros. y Arista. El álbum siguió a los lanzamientos de 2003 'Xpectation' y 'N.E.W.S.' Al hablar sobre el álbum, Prince declaró:
"Soy realmente un artista y un músico de corazón, eso es lo que hago. La musicología no tiene fronteras ni formatos. Hace mucho tiempo que debería volver al arte y la artesanía de la música, de eso se trata este álbum. La escuela está en sesión".
El cantante dio una pequeña actuación en el Teatro El Rey de Los Ángeles en febrero para mostrar algunas de las nuevas canciones del álbum, donde también anunció planes para una próxima gira. Las fechas de la gira se anunciaron más tarde ese mes en América del Norte. Abrió los Premios Grammy de 2004 con Beyoncé y también fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll el mismo año. Poco después se anunciaron más fechas de la gira.
La gira Musicology también aumentó las ventas del álbum 'Musicology' porque los asistentes al concierto recibieron una copia de 'Musicology', con el costo del álbum incluido en el precio de la entrada para la gira. Esto llevó a la revista Billboard y a Nielsen SoundScan a cambiar su metodología de datos de listas: para futuros lanzamientos de álbumes, Billboard dice que los clientes "deben tener la opción de agregar el CD a la compra de boletos o renunciar al CD por un precio reducido de solo boleto".
Este concierto fue filmado el 29 de marzo de 2004 en el Staples Center de Los Angeles, CA, USA durante la gira 'Musicology Live 2004ever Tour'.
Lista de canciones:
01.Musicology
02.Let's Go Crazy
03.I Would Die 4 U
04.When Doves Cry
05.Baby I'm A Star
06.Shhh...
07.D.M.S.R.
08.I Feel 4 U
(con fragmentos de 'A Love Bizarre' (Instrumental) y 'The Glamorous Life' (Instrumental) [Sheila E. covers])
09.Controversy
10.God
11.The Beautiful Ones
12.Nothing Compares 2 U
13.Insatiable
14.Sign O The Times
15.The Question Of U
16.Let's Work
(con fragmentos de 'The One' [The New Power Generation cover])
17.U Got The Look
18.Life 'O' The Party
19.Soul Man
(Sam & Dave cover)
20.Kiss
21.Take Me With U
22.Acoustic Medley: "4ever in My Life" / "12:01" / "On the Couch" / "Little Red Corvette" / "Sometimes It Snows in April" / "7"
Pioneros en el manejo de su imagen, el logo de la banda estadounidense se ha impreso sobre artículos de todo tipo, de los más exclusivos hasta los más bizarros.
KISS, se sabe, fue pionera de la industria musical en el manejo de su imagen y la producción de merchandising. “Todos nuestros discos venían con un catálogo y un sobre con su correspondiente estampilla, para que los fans no pagaran, con cosas cool de la banda para pedir por correo, ¡algo que ninguna banda había hecho hasta ese momento!”, cuenta Gene Simmons en su libro 'Sex Money KISS', de 2003. “Ese negocio fue tan exitoso que tuvimos que abrir enormes depósitos en California solo para armar paquetes y entregar pedidos que llegaban por miles, día y noche. Los fans eran insaciables. Querían TODO. Teníamos comics, hebillas de cinturón y muñecos. Kiss fue la número uno en licencias, merchandising, venta de discos y conciertos. La banda se convirtió en un sinónimo de Estados Unidos”.
Simmons, se ha contado tantas veces, tenía visión de negocios. Y casi nada lo detuvo a la hora de imprimir el logo en todos lados. Quizás el producto más sorprendente salido de su imaginación sea el ataúd kissero lanzado en 2001. La presentación fue un acontecimiento marketinero en sí, mientras Gene salía en notas declarando cosas como “amo vivir, pero este producto hace que la alternativa se vea bastante bien”. Costaba en el momento unos 3,300 dólares y, lamentablemente, uno de sus usuarios fue Dimebag Darrell, el guitarrista de Pantera asesinado en el escenario, durante un concierto en 2004. Gene donó el féretro.
Buscar merchandising de KISS en plataformas de venta online como MercadoLibre o eBay es adentrarse en un universo con miles de opciones. La banda le vendió la licencia a quien estuviera dispuesto a pagarla. “KISS rompió récords antes en manos de Elvis o The Beatles. Hemos licenciado literalmente miles de productos con nuestras caras alrededor del planeta. Desde una Hello Kitty kissera hasta una cancha de golf bajo techo en Las Vegas, un lugar donde todo se ilumina con una luz negra”, amplía Simmons en otro de sus libros, Yo, S.A. Construye un ejército de uno. Libera a tu dios interior del rock. Triunfa en la vida y los negocios. “El golf está junto al hotel Hard Rock. Te puedes casar ahí también, en la capilla Hotter Than Hell (como el disco del 1974). Un día, un grupo de nudistas alquiló la cancha. Así que también tuvimos hasta golf kissero y nudismo. Todo puede suceder”.
Desodorantes corporales, Mini Coopers, una lengua inflable erótica, profilácticos, el clásico Pinball Bally de los setenta (que se puede comprar en eBay por unos 10,000 dólares), muñecos cara de papa, M&M, vinos, cervezas. Todo puede ser vendido con la marca KISS.
El programa de tele El precio de la historia mostró varios casos de coleccionistas y los exorbitantes precios que se pagan por ítems que pertenecieron a los enmascarados. En cierto episodio, un cliente llega al famoso local de Las Vegas con una guitarra que, dice, perteneció a Paul Stanley y fue destrozada en escena. Finalmente, un experto asesor interviene y le pone un número a la Gibson Marauder 1970: 8,000 dólares, que según Corey, a cargo de la operación, es un precio muy alto para pagar por un instrumento roto. Aunque reconoce: “Cualquier cosa de KISS se vende”.
La música, por supuesto, también es parte de esta particular industria. En la Argentina tienen una relación muy especial con la banda en este aspecto. Los discos editados en ese país escalan a un valor interesante, incluso a nivel internacional. Tapas cambiadas, versiones con canciones extra o discos dobles que salieron como simples. Los sellos discográficos y el “que salga como sea” argentino hicieron que algunos LP locales sean buscados por fans alrededor del mundo.
Javier Ciavatta, cordobés y kissero de alma, tiene una de las colecciones de KISS más grandes y organizadas. Más de mil quinientos vinilos, casetes e incluso magazines (8 track, en Estados Unidos) inconseguibles, hechos en el país. Su tesoro también incluye más de dos mil quinientos objetos con el nombre de la banda. “¿Un museo kissero? Estoy en eso, pero solo para amigos. Tengo un terreno en el fondo de casa y estamos armando algo”, dice Javier.
Sobre las rarezas argentinas, Javier explica: “El caso de 'Hotter Than Hell', de 1974, es un claro ejemplo de las malas traducciones. Salió en dos formatos. Uno con la tapa con una especie de subtítulo debajo del título 'Más Caliente Que El Infierno', y otra reedición, en 1981, con una tapa completamente diferente a la original. Esas cosas que solo suceden en Argentina”. Los sellos locales no solo cambiaban portadas. “El ejemplo de esto es el 'Alive!', de 1976. Separaron un disco doble en dos simples y cambiaron la portada del disco dos. Usaron la foto de un sobre interno para armar otro arte”, continúa Javier. “En el caso de 'Rock and Roll Over' armaron una reedición del disco en 1980 y le cambiaron toda la portada con una especie de mancha de sangre con los cuatro músicos”.
El coleccionismo, claro, tiene un costado comercial. Y el coleccionismo Kissero es de los más caros. Por la inventiva en la forma de editar, los discos argentinos de la banda entran dentro de los más buscados. El más caro, el Santo Grial de los cazadores de tesoros, es un simple argentino de la canción “Yo”, con y “El juramento” en el lado B, un sencillo de 'Music From The Elder', de 1981. “Es la figurita difícil”, cuenta Javier.
“Es un simple muy raro porque venía con tapa y no había tantos así. En el estado en que lo tengo, debe rondar los 1,500 dólares. Otra rareza es el compilado 'Lo Mejor De KISS', de 1978. El sello Microfon editaba lo que quería y de la forma en que quería. Un disco como ese se puede vender en la plataforma especializada Discogs arriba de los 600 dólares”.
A principios de los ochenta, salieron una figuritas kisseras en Argentina. No había álbum donde pegarlas, pero venían con un chicle. La serie completa constaba de 66 figuritas y 20 calcomanías, con frases hermosas al dorso de las imágenes para describir a cada músico. La de Paul Stanley decía: “Paul, capricorniano, el ilustre Cupido del rock and roll e hipnótico maestro del ritmo en guitarra. Se ve a sí mismo como atravesando los corazones de millones de personas como un titilante componente de la sensual imagen de KISS”. De colección.
El ícono del shock rock también ha revelado algunos detalles sobre su próxima entrega discográfica.
Pionero del rock teatral y padrino del shock rock, Alice Cooper lleva más de cinco décadas en la escena musical. Y ahora, continuando con su legado, sus seguidores tienen algo que esperar, ya que el icono del rock anuncia reediciones ampliadas de lujo de sus álbumes clásicos, 'Killer' y 'School’s Out'. Aparentemente, estas entregas especiales incluirán algunas rarezas como grabaciones inéditas en vivo, extraídas de sus espectáculos en la década de los 70.
La edición de lujo de 'Killer' incluirá tres versiones de estudio alternativas de ‘You Drive Me Nervous’, ‘Under My Wheels’ y ‘Dead Babies’, junto con una grabación en directo inédita de la actuación de la banda en el Mar Y Sol Pop Festival de Puerto Rico que se llevó a cabo el 2 de abril de 1972. Este set se centra en canciones de 'Killer', aunque un repaso de ‘Public Animal #9’ adelanta su continuación.
Por otra parte, la entrega extendida de 'School’s Out' incluye la lista de canciones original, reforzada por las versiones sencillas del tema que da nombre al álbum y de ‘Gutter Cat vs. The Jets’. Así mismo, podremos escuchar dos temas inéditos: una versión alternativa de ‘Alma Mater’ y una primera maqueta de ‘Elected’, que más tarde aparecería en Billion Dollar Babies en 1973. Esta edición también incluye un directo inédito grabado en un concierto en Miami el 27 de mayo de 1972, sólo unas semanas antes de dar inicio a las sesiones de 'School’s Out'.
Los dos álbumes llegarán en formatos de 2CD y 3LP, así como en vinilo, que replicarán los diseños del embalaje de los LP originales. En el caso de 'Killer', la funda se abre para mostrar un calendario de 1972 con una foto de Cooper en la horca. Por su parte, la portada de 'School’s Out' parece una mesa de madera que se abre para mostrar el disco envuelto en ropa interior femenina.
Además de las reediciones, Cooper ha adelantado el título provisional de su próximo álbum de estudio, producido por Bob Ezrin, que dará continuación a 'Detroit Stories', de 2021. “Creo que se va a llamar 'Road', porque esta es la banda que está en la carretera”, explicó Cooper recientemente en conversaciones con SiriusXM. Aparentemente, el título hace referencia al hecho de que el LP se está grabando con su banda de gira, así como ha señalado que “la mayoría de las canciones tratan sobre la carretera”.
El lanzamiento oficial de las ediciones de lujo será el próximo 9 de junio, pero sus seguidores ya pueden preordenar a través de Rhino. Mientras tanto, puedes ver la lista de canciones de estas entregas especiales a continuación:
Lista de canciones de 'Killer' Deluxe Edition
LP1: Álbum Original Remasterizado
Lado 1
01. ‘Under My Wheels’
02. ‘Be My Lover’
03. ‘Halo Of Flies’
04. ‘Desperado’
Lado 2
01. ‘You Drive Me Nervous’
02. ‘Yeah, Yeah, Yeah’
03. ‘Dead Babies’
04. ‘Killer’
LP2: En vivo desde el Festival Mar Y Sol Pop, Puerto Rico (April 2, 1972)
Lado 1
01. ‘Be My Lover’
02. ‘You Drive Me Nervous’
03. ‘Yeah, Yeah, Yeah’
04. ‘I’m Eighteen’
Lado 2
01. ‘Halo Of Flies’
02. ‘Is It My Body?’
LP3: En vivo desde el Festival Mar Y Sol Pop, Puerto Rico (April 2, 1972)
Lado 1
01. ‘Dead Babies’
02. ‘Killer’
03. ‘Long Way To Go’
Lado 2
01. ‘Under My Wheels’
02. ‘You Drive Me Nervous’ (Alternate Version)
03. ‘Under My Wheels’ (Alternate Version)
04. ‘Dead Babies’ (Alternate Version)
Lista de canciones de 'School’s Out' Deluxe Edition
A lo largo de más de cuarenta años, debieron superar accidentes y tragedias, pero volvieron más fuertes después de cada golpe.
“¡Nos vemos la próxima!”. Los fans de todo el mundo saben perfectamente lo que Gahan quiere decir cuando deja el escenario: además de decirles “gracias, adiós”, les está prometiendo que volverá en cuatro años para una nueva Celebración Negra.
Después del concierto final del 'Global Spirit Tour', el 26 de julio de 2018 en el Waldbühne de Berlín, los tres miembros de Depeche Mode regresaron por separado a sus hogares: Dave Gahan a Nueva York, Martin Gore a Santa Bárbara y Andy Fletcher a Londres. Lo que siguió fue un largo silencio de radio por parte de la banda, que sólo se rompió ocasionalmente con un par de posteos en Instagram de sus esposas, Grainne Fletcher y Jennifer Sklias-Gahan: vacaciones en Sitges, la llegada de un cachorrito, Harper, a la familia Fletcher; una temporada en la isla de Montauk, un par de eventos sociales en Nueva York, partidos de los Knicks a los que Dave fue con su hijo… Gore, por su lado, se mantuvo aún más discreto. En noviembre de 2020, la ceremonia virtual de la llegada de la banda al Salón de la Fama del Rock and Roll fue su única aparición pública tras la cancelación del concierto previsto para mayo del mismo año (en el que el exintegrante Alan Wilder los hubiera acompañado en el escenario).
El ritmo circadiano de la banda se había visto singularmente trastocado por la sucesión de restricciones y confinamientos a causa del Covid: en los primeros días de 2021, en lugar de anunciar un nuevo trabajo con la banda, Martin Gore lanzó un proyecto solista para el histórico sello Mute Records. En 'Electric Ladyboy', el estudio de su casa, el compositor en jefe de Depeche Mode había aprovechado el período de pandemia para complacer su amor por la electrónica, y producir un EP conceptual, 100% instrumental e industrial, 'The Third Chimpanzee', en el que se sumerge en un cuestionamiento sobre la relación entre seres humanos y animales. Cinco pistas oscuras y tecnoides, pensaron los fans… ¿Será un aperitivo para un próximo opus de Depeche Mode? La alegría duró poco, y la decepción no tardó en inundarlos.
Un año después, fue el turno de Gahan de presentar un trabajo solista: 'Imposter', un disco de covers producido con sus compañeros de The Soulsavers. El cantante parecía satisfecho con una libertad artística recién descubierta. Estaba totalmente agotado por el faraónico 'Global Spirit Tour' y declaró a Rolling Stone Francia: “¡Me tomó un buen tiempo volver a sentirme humano!”.
En marzo de 2022, cuando el manager y “asesor espiritual” Jonathan Kessler llamó para recordarle que había llegado el momento de hacer un nuevo disco de Depeche Mode, el líder tenía sentimientos encontrados al respecto: “Un nuevo proyecto de DM significa al menos tres años de trabajo entre el estudio y la gira. Después de tanto encierro, me había acostumbrado a la vida que estaba viviendo, con mi familia y amigos en casa. Era algo realmente bueno para mí. Me preguntaba si realmente quería correr el riesgo de irme. Y hacer todo, todo, todo esto una vez más”, admite.
El cantante, plagado de dudas, se entregó a… el universo: “Estaba tratando de averiguar si quería hacer un disco con Depeche Mode o no, así que le hice la pregunta al universo. Para ser honesto, puede sonar extraño, pero la canción “Speak To Me” me llegó en respuesta… Podía escuchar la melodía y algunas letras en mi cabeza. Recuerdo haber corrido a mi habitación de hotel para grabar una nota de voz en el teléfono. Tuve un presentimiento para toda la canción. Eso no me sucede muy a menudo, pero cuando pasa, es un mensaje muy fuerte que viene de afuera. Solamente tienes que estar ahí con tu antena lista para recibirlo. Me parecía algo muy espiritual, como si viniera de otro lugar, fuera del espacio. Para mí, fue algo así como la respuesta a mi pregunta y la respuesta fue: ¡sí! ¡Quiero hacerlo, quiero grabar esta canción con Depeche Mode, con Martin!”.
De vuelta en Santa Bárbara, Gore también estaba pasando por una crisis creativa: “Con la pandemia, me había sentido un poco atascado con las palabras. Tal vez porque, como la mayoría de las personas, en realidad no estaba haciendo nada. Estaba ahí en casa, dando vueltas, como todos. Mi lugar de trabajo está a solo dos minutos a pie desde casa. No hay mucha inspiración cuando la única salida son esos dos minutos. Richard Butler, el cantante de Psychedelic Furs, me contactó para preguntarme si podíamos escribir un par de canciones juntos. ¡Y fue genial! Me llenó de ideas nuevas. Él fue el que me abrió la puerta”.
La dupla escribió siete temas. “No sabíamos qué hacer con ellos. Supongo que la idea original habría sido hacer un proyecto juntos. Me gustaron mucho las canciones y pensé que realmente encajaban con toda la estética de Depeche Mode, así que le propuse a Richards que tal vez podríamos usarlas para nuestro nuevo álbum”.
En la primavera de 2022, los planetas finalmente se alinearon y allanaron el camino para el decimoquinto trabajo de Depeche Mode: una docena de demos estaban listos y, como condición sine qua non, Gore y Gahan acordaron colaborar de forma remota, a través de “reuniones de FaceTime e intercambios de archivos en WeTransfer”, dicen ambos, muy divertidos. Dos históricos de los tours de la banda, Peter Gordeno y Christian Eigner, volvieron para la ocasión, así como el productor James Ford ('Spirit', de 2016) y Marta Salogni, que mezcló 'Imposter' de Gahan (2021).
Durante el proceso de escritura, el álbum resultó ser más introvertido y emotivo que lo que 'Spirit' había sido político y extrovertido, con letras resueltamente imbuidas de los cuestionamientos existenciales de la banda.
Llegar a los 60 parece haber afectado profundamente a ambos. “En mi mente, todavía tengo 25 años y estoy tratando de armar mi vida, pero un pedazo de mi ser se siente muy cómodo con quien soy ahora, con quién paso el tiempo y con esta vida increíble que tengo la suerte de tener. Está más allá de lo que jamás podría haber imaginado”, admite Gahan. “Es solo una marca, mental y físicamente no me siento como si tuviera 60 años, ¡pero de alguna manera tienes que admitirlo! Tienes 60 y piensas: ‘Realmente es como si tuviera al menos un dedo del pie en la tumba’”, bromea Gore.
Muchas de las canciones tocan la muerte de diferentes maneras. Eso llevó a Gore a buscar un título que englobara esta idea. “Un día estaba hablando con alguien que me mencionó el concepto de 'Memento Mori'. Nunca había oído hablar del término antes y, cuando lo busqué, quedé impresionado. Estaba esa historia sobre el general romano que regresaba de la batalla y había una especie de multitud adoradora frente a él. Y tenía a alguien que le recordaba, a sus espaldas, que era mortal, diciéndole ‘Memento Mori’. Me gustó toda la imagen”.
Esta elección convenció a Gahan. Pero antes de que los tres pudieran reunirse en el estudio, el título adquirió un significado mucho mayor. El 26 de mayo de 2022, Andy Fletcher murió brutalmente, de forma repentina, a causa de una disección aórtica, en su casa de Londres. Más allá de la conmoción que se sintió en la industria de la música y los fans de Depeche Mode en todo el mundo, lo que vivieron Gahan y Gore fue algo mucho más inmenso e indescriptible.
“Lo último en el mundo que Martin y yo esperábamos era recibir una llamada de Jonathan diciéndonos que Fletcher había muerto”, dice el cantante. Pensaban que Fletcher, un tipo tan hogareño y el menos inclinado de los tres a los excesos de cualquier tipo, iba a sobrevivirlos. “Aún hoy todavía me parece extraño y surrealista que no esté. Tengo que recordar que fuimos a su funeral, con su familia y amigos, fue un día desgarrador”, dice, todavía profundamente entristecido.
Gahan tuvo la oportunidad de reencontrarse con Fletch en Londres durante la gira de 'Imposter' a finales de 2022. Martin Gore no puede decir lo mismo: para él, perder al que fuera su amigo desde los once años años fue “el mayor dolor” de su vida: “Siento que estuvo conmigo en la línea de combate todo el tiempo”, agrega el músico. Es muy duro. Nadie podría haber imaginado que el último momento de complicidad que ambos habrían tenido sería aquel Zoom al momento de aceptar su lugar en el Salón de la Fama del Rock and Roll.
Al comienzo de su carrera, habían sido considerados erróneamente como “maricones que usan delineador y bailan como idiotas detrás de sus máquinas”. Durante casi cuarenta años fueron “outsiders”. Pero Depeche Mode se ha convertido en una banda de culto. En su discurso de aceptación, la banda dijo estar “honrada y orgullosa de unir(se) al Club” que ha recibido a muchos de sus ídolos, desde Bowie hasta Iggy Pop. “Qué ironía, ¿no? Probablemente fue como que les clavamos una espina”, bromea Gahan, “pero ahora ya no nos ignoran al menos”.
Durante su discurso, el cantante se pregunta cómo habría sido su vida “si no hubiera encontrado la música”. Fletcher, que tenía un gran sentido del humor, no pudo evitar hacer enojar al frontman: “¡Todavía estarías robando autos, Dave!”. Gahan recuerda con cariño ese momento: “Siempre será un recuerdo fuerte para mí porque los tres nos reíamos juntos de nuestros viejos chistes y nos burlábamos el uno del otro ¡Extrañaré mucho a Fletch!”.
A Fletcher también le gustaba bromear sobre su papel en la banda. Los roles de sus dos compañeros estaban bastante bien definidos, y él solía decir que su trabajo era “vagabundear”. Se sabía que no tenía ningún papel musical específico. La leyenda dice que sus teclados, en el escenario, ni siquiera estaban enchufados. Los dos sienten la pérdida de Andy de la manera más profunda: “Después de su fallecimiento realmente entendimos lo importante que era su presencia para nosotros”, dice Gore. “Dave y yo no somos personas super sociales, pero Andy sí. Si alguna vez teníamos que hacer algo, [Fletch] entraba y empezaba a hablar con todos, y Dave y yo podíamos escondernos en un rincón”.
Pero, lejos de ser el alma de la fiesta, Fletcher nunca era el que quería pedir otra cerveza en el pub o quedarse jugando al metegol con un par de fans en un backstage después de un recital. Era callado, discreto, pero se decía que era fuerte como una piedra y que garantizaba el frágil equilibrio de una banda muy ciclotímica. Un elemento crucial y enigmático en la química del trío, Fletcher hacía de árbitro entre sus compañeros. Sin embargo, siempre minimizaba su papel: “Tenemos una regla de oro: si uno de los tres está realmente en contra de algo, seguimos su opinión. A veces Dave y yo estamos de acuerdo, a veces Dave y Martin están de acuerdo y yo no… Es realmente un esfuerzo de equipo”, le dijo a Rolling Stone Francia en 2017. Sin embargo, Fletcher también tenía sus propias debilidades. Desde finales de la década de 1980 sufría ataques de ansiedad agravados por el estrés de las giras, los conflictos internos de la banda y la adicción a las drogas del cantante. Sufrió una fuerte crisis nerviosa que le obligó a abandonar el 'Exotic Tour 94' para buscar ayuda en una clínica. Gahan declaró que le hubiera gustado “haber sido un poco más bueno con él”. Se dio cuenta tarde del importante papel que jugó Andy, con quien compartió “la mayor parte de la vida adulta”. “Todas las cosas locas que te pasan cuando compartes el camino con alguien, las experiencias que tienes con esa persona, todas las cosas que te pasan, incluso las veces que sientes que está todo mal entre los dos. ¡Cuántas veces nos sentamos a reírnos de alguna pavada! Estas son las cosas que extrañaré de Fletch”.
Gore y Gahan se cruzaron con su viejo amigo y mentor Daniel Miller, director de Mute Records, en el funeral de Fletch. Estaban abrumados por las emociones, pero tenían que tomar una decisión importante con respecto al futuro de Depeche Mode. Si bien el frontman había pensado seriamente que la historia de la banda tenía que terminar ahí, Gore lo convenció de que Fletch habría querido que siguieran adelante: “Habría sido impensable para él la idea de que su muerte hubiera causado el final de la banda. Teníamos todo listo para empezar a grabar a principios de julio, así que decidimos continuar con ese cronograma a pesar de que no sabíamos cómo iba a ser. Tal vez iba a ser demasiado emotivo. Pero pensamos que Andy hubiera querido que siguiéramos. También pensé que iba a ser bueno para nuestro estado mental, dejar un poco de lado el dolor, después de estar mayormente sin hacer nada durante dos años, mentalmente sería algo bueno, ponernos en movimiento y empezar a trabajar de nuevo”. Hasta el pasado julio, los dos miembros restantes no se vieron cara a cara. El fallecimiento de Fletcher los obligó a buscar nuevas formas de colaborar.
“Fue un verdadero desafío”, agrega Gahan. “En el estudio no tanto, no cambió mucho lo que estábamos haciendo musicalmente, pero Martin y yo tuvimos que aprender a comunicarnos de una manera diferente”.
“Andy era el pegamento que nos unía; era el tejido conectivo de la banda. Pero ahora que quedamos nosotros dos, definitivamente estamos mucho más cerca, más cerca que nunca”, dice Gore. “Fue parte de lo que hemos construido juntos durante los últimos 40 años y es extraño que él no esté. Es super extraño. Es una experiencia completamente nueva ser parte de Depeche Mode ahora”, admite el cantante.
Hasta hoy, los dos músicos siguen teniendo que lidiar con la ausencia de su compañero de banda. “Cuando estábamos grabando con Martin, nos reíamos y compartíamos recuerdos felices de Fletch. Lo extrañamos mucho”, agrega. “Cuando algo así sucede en tu vida, las canciones cambian: toman una forma distinta, empiezan a tener diferentes significados cuando las cantas también”.
“Dave y yo colaboramos en una canción del disco y en una de las cuatro pistas que van a salir después. Creo que esta es la primera vez que trabajamos en una canción que efectivamente sale en uno de nuestros discos. Hicimos un par de canciones antes, pero sólo como bonus tracks o lados B”, dice Gore con orgullo. El título del álbum, no lo cambiaron después de la muerte de Fletch: “Creo que lo consolidó, en todo caso”, dice Gore. “Después de la muerte de Andy, tuvo todavía más sentido para mí, como un recordatorio de que somos mortales y que necesitamos vivir la vida, no perder el tiempo”.
“Memento Mori significa ‘recuerda que vas a morir’. Muchas de las canciones nos recuerdan que nuestro tiempo es fugaz y que hay que aprovecharlo al máximo, de forma positiva”, añade Gahan (en 1996, Dave fue declarado clínicamente muerto después de una sobredosis de speedball, ¡así que sabe de lo que está hablando!).
“Obvio que todos van a pensar que escribimos todas estas canciones a los ponchazos después de la muerte de Andy –agrega Gore–. Pero todo estaba planeado de antes”.
El equipo se reunió en 'Electric Ladyboy', el estudio de Gore en Santa Bárbara, y después en el 'Shangri-La', del productor Rick Rubin, en Malibú. También se sumó el último miembro de la “familia DM”, el director artístico Anton Corbijn. Gracias a James Ford, a quien “le gusta trabajar rápido y no aburrirse con los temas”, grabaron doce canciones a lo largo de ocho semanas y “otros cuatro temas que saldrán más adelante”, promete el compositor. Marta Salogni, la ingeniera de sonido del disco, tiene una fuerte tendencia a explorar el color y las técnicas de grabación reel to reel. “No tenía idea de su amor por las viejas grabadoras a cinta, pero creo que tuvo un gran impacto en el sonido del disco”, explica Gore. “Hay muchas atmósferas con las que contribuyó, a veces de formas más sutiles, creando texturas y pequeños loops de sonido”. 'Memento Mori' está más arraigado a la electrónica que 'Spirit', el álbum anterior de la banda. “No sé si era algo que teníamos la intención de hacer. No es que hayamos dicho: ‘Vamos a hacer un álbum que suene a las raíces de nuestro sonido de los 80’”, explica Gore. “Definitivamente es más electro, pero también usamos guitarras, batería, bajo, incluso cuerdas en algunas pistas. No es que nos hayamos limitado a usar solo la electrónica, pero creo que es lo que sobresale un poco más, sí. Dicen que la fruta no cae muy lejos del árbol”, dice divertido.
El álbum se abre con una especie de hechizo oscuro, “My Cosmos Is Mine”. “¡Basta, basta, basta de miedo, no aquí, no hay guerra, no hay dolor!”, repite frenéticamente el cantante como si recitara un mantra. Gore, a quien normalmente no le gusta analizar sus letras, explica: “Esta canción puede parecer un poco psicodélica. Es el último tema que escribí para el disco, justo después de que los rusos invadieran Ucrania. Sentí que estaba llegando a un punto de ruptura porque el mundo parece estar fuera de nuestro control. Cada vez nos tiran más cosas por la cabeza. Así que esta canción, para mí, fue un intento de recuperar el control de mi cosmos, de mi propia cabeza y decir: ‘¡Fuera! Por favor, ¡este espacio es mío!’”. “Este es probablemente mi tema favorito del disco ahora mismo. Abre el disco a la perfección. ¡Ojalá lo hubiera escrito yo, pero es de Martin!”, dice con entusiasmo el cantante.
Gahan, que “ama el trabajo en equipo”, contribuyó con tres canciones propias: “Waging Tongue”, coescrita con Gore, “Before We Down” y “Speak to Me” con Christian Eigner, Peter Gordeno, James Ford y Marta Salogni. Esta es la última canción del disco, y es una especie de góspel moderno y relajante.
El equipo aporta una coherencia musical que no escuchamos desde 'Black Celebration' o 'Violator'. “Para nosotros, ‘hacer música’ todavía significa tratar de hacer un álbum, algo que fluye en conjunto y que se puede escuchar como un todo. Todavía me resulta muy extraño que la mayoría de la gente hoy tienda a escuchar temas individuales. 'Memento Mori' es un álbum conceptual completo, una experiencia global de letras y sonidos”, agrega Gore.
El disco aborda las dualidades más significativas para Depeche Mode (amor/odio, cielo/infierno, luz/oscuridad, vida/muerte, sexo/espiritualidad) a través del cuestionamiento existencial de una banda ante la vanidad de la vida humana, el paso del tiempo y el intento de tener la resiliencia necesaria para enfrentar la muerte de un viejo amigo y compañero de banda. “Estoy listo para la toma final”, canta Gore en “Soul With Me”. A los 60, le gusta decir que está “tan confundido como siempre” acerca de la espiritualidad y la religión. “Todo es tan extraño para mí que ni siquiera quiero intentar involucrarme con ninguna religión. Definitivamente diría que soy agnóstico: pero cuando miro alrededor, veo un lugar maravilloso y sorprendente y tengo la idea en la cabeza de que todo esto no puede estar aquí por nada. ¿Hay algo más por ahí? Tal vez extraterrestres… quién sabe… Cuando vivía en Inglaterra, me fui a vivir a una casa antigua, construida en el siglo XVI, que había sido una panadería. La primera factura de luz que llegó fue tan descomunal que tuvimos que hacer un chequeo de las instalaciones. Estaba en el sótano mirando el medidor de electricidad, mientras alguien desenchufaba varios electrodomésticos arriba. Estaba en silencio ahí abajo, pero de repente escuché una voz que me gritaba claramente: ‘¿Qué estás haciendo?’. Miré alrededor, subí a la parte de arriba de las escaleras para asegurarme de que no hubiera alguien del otro lado hablando a través de la puerta… Y no había nadie. Entonces, obviamente, te empiezas a preguntar si te lo imaginaste o no. Así que definitivamente estoy preparado para creer que hay cosas que no entendemos”.
Curiosamente, los fantasmas también acechan en el primer single del disco, “Ghosts Again”, cuyo video en blanco y negro, realizado por Anton Corbijn, está inspirado en la película El séptimo sello (1957) de Ingmar Bergman.
Gahan y Gore, en cuyos rostros desputan las marcas de la edad, llevan capa negra y bastón en forma de calavera y juegan al ajedrez en la azotea de un rascacielos, mientras esperan que la Parca venga a buscarlos. El director de arte admite que estas imágenes morbosas pueden desconcertar a algunas personas, pero también están imbuidas de mucho humor negro y nostalgia positiva, como nos recuerda Gahan: “Una canción como ‘Ghosts Again’ es un ejemplo perfecto de esta tristeza melancólica, pero también hay un sentimiento de alegría. La vida está llena de melancolía, tristeza y desilusión, pero en eso también hay alegría, hay que buscarla y encontrarla. A veces en la música, en una canción, en una melodía, o en la voz de alguien, la escucho. Cuando escuché el demo por primera vez, me hizo sentir feliz”, explica. “La melodía tiene este mismo tipo de oscuridad gótica irónica, que al mismo tiempo trae alegría, diversión y casi humor”.
Esta pegadiza canción, con su melodía optimista, debutó en el puesto 27 en el chart alternativo de Billboard y se convirtió de inmediato en un peso pesado de la radio mainstream. A mediados de febrero, la banda viajó a Europa a dar una serie de shows de promoción, de París a Londres, pasando por Berlín y Milán, antes de regresar a Estados Unidos para finalizar la lista de canciones de la gira.
La banda y la empresa Live Nation anunciaron el 'Memento Mori Tour' durante una conferencia de prensa internacional en Berlín en octubre pasado. Al momento de esta nota, la banda está emocionada y ansiosa al respecto: “Recientemente estuvimos hablando con Martin sobre lo que significaba para nosotros hacer música y subir al escenario para darle alegría y un sentido de unidad a la gente en un mundo con tantos problemas. Definitivamente es una experiencia extraña, pero estamos orgullosos de poder hacerlo”, dice Dave. “Estoy trabajando muy duro en este momento para asegurarme de que estoy físicamente listo para volver a salir de gira, aunque mi cuerpo piensa distinto.‘¡Para!’, me dice. ‘¡No puedes hacer eso!’”, explica riéndose a carcajadas. “Me encanta sorprenderme a mí mismo. Siempre intento desafiar la pérdida de gravedad”, dice entre risas y más risas.
El misterio que aún no se revelaba al momento de esta entrevista es la escenografía que Anton Corbijn crearía para el 'Memento Mori Tour' y la forma en que le rendiría homenaje a Fletcher en el escenario. “No vamos a reemplazar a Fletch, no hay razón para reemplazarlo”, insiste el vocalista en la rueda de prensa en Berlín. “Él va a estar en espíritu, estoy seguro, para juzgarnos”, agrega. El dúo trabaja con el multiinstrumentista Peter Gordeno y el baterista Christian Eigner en la mejor manera de interpretar e integrar las nuevas pistas. “Creo que estas nuevas canciones funcionarían bien en vivo y encajarían con canciones de nuestra historia”, dice Gore en tono positivo. Más allá de la acogida entusiasta de este regreso inesperado de la banda, uno no puede dejar de preguntarse si este decimoquinto álbum, lejos de ser un intento de encontrar resiliencia, no será el canto del cisne de Depeche Mode. Al respecto, Gore sigue siendo tan escurridizo como siempre: “Siempre nos tomamos cada proyecto como se va dando, sin grandes planes para el futuro. Esta filosofía parece haber funcionado muy bien hasta ahora y espero que siga beneficiándonos”.
El filósofo Gahan, en cambio, espera con ansias la posteridad: “La música y la banda… la pregunta: ¿qué es DM? Sí, somos nosotros dos, Dave y Martin [risas]… Pero hay tantas cosas que siempre van a estar ahí incluso cuando Martin y yo ya no estemos, porque ese es el poder de la música”.
