Efemérides: 30 de Julio

UN DÍA COMO HOY 30 DE JULIO PERO DEL AÑO....

1958. 65 años cumple hoy la cantante, compositora y productora británica Kate Bush, nacida en Bexleyheath, Kent, descubierta por David Gilmour, el cual se quedó fascinado con su talento y su estilo cantando (el registro de Kate abarca cuatro octavas). El año de su debut en 1978 con el single 'Wuthering heights', fue la mujer más fotografiada del Reino Unido, ya que se convirtió en la primera inglesa en conseguir un nº1 en las listas británicas con un tema propio.

Desde entonces ha publicado nueve álbumes con un contenido ecléctico -combina baladas románticas con aires de rock psicodélico, folk y reggae- y una producción meticulosa. A su álbum debut 'The Kick Inside', le siguieron álbumes de gran éxito en Gran Bretaña como 'Never for ever' (1980) y 'Hounds of love' (1985) con temas como 'Babooshka' y 'Running up that hill'. En 1987 grabó el dueto 'Don't give up' con Peter Gabriel y, dos años después, el tema 'Love and anger', contenido en el álbum 'The Sensual World', es nº1 de las listas de rock alternativo en EEUU.

En 1991 participa en el álbum 'Two Rooms', tributo a las composiciones de Elton John y Bernie Taupin, con el tema 'Rocket man'. En 2005 publicó 'Aerial', su primer trabajo tras un largo silencio de doce años, del que se extrajo como single 'King of the mountain'. El mes de mayo de 2011 apareció 'Director's Cut'. Se trata de una recopilación de temas de dos álbumes anteriores, 'The Sensual World' y 'The Red Shoes', con nuevas mezclas y en algún caso, regrabaciones completas. Fue el primer álbum que apareció en su nuevo sello, Fish People.

El mismo año publica en noviembre su más reciente entrega, '50 Words for Snow', con siete nuevos temas de la cantautora con Steve Gadd a la batería. Su talento como compositora ha sido alabado por artistas como Tori Amos, Björk o Rufus Wainwright y puede afirmarse que es la solista británica de mayor éxito de los últimos treinta y cinco años.

En 2022 el tema 'Running up the hill' de 1985 cobró nueva importancia al verse incluido en la banda sonora de la serie Stranger Things emitida por Netflix. Fue top5 en el Reino Unido y top10 en el Hot100 de Billboard superando en ambos casos los posicionamientos en las listas de 1985.

1945. Hoy cumple 78 años el saxofonista estadounidense David Sanborn, ganador de seis premios Grammy, que hasta la fecha ha publicado un par de docenas de álbumes y es conocido por sus múltiples colaboraciones con músicos de pop como Paul Simon, Steely Dan o David Bowie. Aunque generalmente asociado con el 'smooth jazz', él personalmente rechaza el género y la etiqueta. El crítico Scott Yannow lo describió en 2011 como "el saxofonista más influyente en los intérpretes del jazz-pop y el R&B de los últimos 20 años"

David William Sanborn nació en Tampa (Florida) y se crió en St Louis (Missouri). De niño sufrió la polio, por lo que en la adolescencia le recomendaron como terapia para ensanchar sus pulmones, tocar el saxofón. Por aquella época, en St. Louis, sólo había bandas de R&B, por lo que sus primeros pasos con el instrumento fueron tocando con músicos legendarios como Albert King y Little Milton o en la orquesta de Gil Evans. Estudió en la Northwestern University, la única que por entonces impartía clases de saxofón, dirigidas por Fred Hemke. La universidad se encontraba cerca de Chicago y allí Sanborn se interesó por la rica tradición de blues de la ciudad. Sus mayores influencias fueron Hank Crawford, Lou Donaldson, Charlie Parker y Jackie McLean.

A finales de los años sesenta, David se había convertido en un músico de sesión muy solicitado. En 1967 se unió a la Paul Butterfield Blues Band, en la que permaneció hasta 1969, actuando con ellos en el Festival de Woodstock. En 1972 participó en el álbum 'Talking Book' de Stevie Wonder y en 1975 definió el sonido de 'Young Americans' de David Bowie.

Ese mismo año debuta con su primer álbum, 'Taking Off', cuyo tema 'Butterfat' con su saxo pasado por wha-wha, ayudó a que las grandes dicográficas se sintieran interesados en la fusion jazz-pop. En su tercer álbum, 'Heart to Heart' (1978), amplió su sección de ritmo con arreglos de metales (cortesía de la Gil Evans Orchestra), muy bien recibidos por la crítica. Durante esos años también colaboró en las bandas de Steely Dan y Rickie Lee Jones. Con su siguiente trabajo, 'Hideaway', de 1980, que le supuso su primera nominación a un Grammy, Sanborn saltó al primer plano de la actualidad convirtiéndose en el saxofonista más conocido del pop.

Su primer gramófono dorado lo obtuvo en 1982 por su álbum millonario en ventas 'Voyeur' (1981). El resto de la década, además de alternar sus grabaciones con el saxo alto y soprano, experimentó con todo tipo de géneros y estilos y en 1984 publicó uno de sus álbumes más aclamados, 'Straight to the Heart'. En 1987 obtuvo un nuevo Grammy por su trabajo junto a Bob James en el álbum 'Double Vision' y dos años más tarde el tercero por 'Close-Up' (1988). Sanborn mantuvo su popularidad durante los años noventa con discos como su entrega de funk urbano en 'Upfront' (1992).

Un año antes sorprendió al mercado pop con una incursión en el jazz tradicional, 'Another Hand' con nuevos valores del género como Bill Frisell y Marc Ribot así como pesos pesados como Charlie Haden y Jackie DeJohnette. Asimismo, en 1993 grabó un álbum con el saxofonista avant garde Tim Berne. En 1995 apareció 'Pearls' con arreglos orquestales dirigidos por Johnny Mandel y en 1996 volvió a sus texturas tradicionales de R&B y pop urbano con 'Songs From the Night Before'.

En 1999 publico 'Inside' y participó con Eric Clapton en un show televisado desde el Madison Square Garden, celebrado para recoger fondos para el Crossroad Centre, una institución de rehabilitación de drogadictos, que el guitarrista creó en la isla de Antigua en 1997. Los trabajos más recientes de Sanborn han sido 'Only Everything' (2010), 'Quartette Humaine', de nuevo con Bob James en 2013 y 'Time and the River' publicado en 2015 que marcó su 40 aniversario como líder. Por otro lado, en 2011 estuvo actuando como DMS junto a George Duke y Marcus Miller.

1941. Hoy cumple 82 años el cantante, compositor y actor canadiense Paul Anka, nacido en Ottawa. Fue uno de los mayores ídolos de adolescentes de finales de los cincuenta. Evolucionó hasta tener un público adulto y, como intérprete y compositor de éxito, además de próspero productor y ejecutivo discográfico, ha logrado sobrevivir en el negocio hasta el segundo milenio.

Hijo de emigrantes sirios que poseían un restaurante en Ottawa, Paul mostró pronto sus habilidades, haciendo imitaciones con doce años. Con catorce años, 'tomaba prestado' el coche familiar para asistir a concursos de talentos en las radios locales y empezó a componer sus primeras canciones. Alentado por sus padres, grabó en 1956 su primer single, 'I confess' en el pequeño sello Riviera. Como miembro de un grupo vocal, los Rover Boys, viajó a Nueva York, donde consiguió una audición con el productor de ABC Records, Don Costa. Paul le cantó una canción que le había compuesto a una antigua 'canguro' que tuvo siendo pequeño, 'Diana'. A Costa le gustó, lo grabó, y el año 1957, la canción de Anka fue nº1 en ambos lados del Atlántico y ya lleva más de 10 millones de copias vendidas en el mundo.

El año siguiente, Anka colocó cuatro canciones más en el Top20, incluyendo 'You are my destiny' y 'Crazy love', atemperando la rebelión general que emanaba el rock and roll, con letras que más que llamar a la desobediencia, se cuestionaban educadamente la autoridad paterna. Compuso uno de los últimos hits de Buddy Holly, 'It doesn't matter anymore' y se introdujo en el mundo del cine con films como 'Let's Rock' y 'Girls Town'. En 'Girls Town' apareció su mayor éxito en América, 'Lonely boy', el primero de una serie de hits en 1959, como 'Put your head on my shoulder', 'Time to cry' y 'Puppy love' (escrita para Annette Funicello).

En 1961, cuando toda la locura adolescente por Paul Anka había pasado, Paul contaba veinte años, era multimillonario, poseía su propio sello discográfico, unas 125 canciones escritas y el reconocimiento de haber compuesto y grabado el single ('Diana') más vendido de todos los tiempos después de 'White Christmas' de Bing Crosby. En vez de dormirse en los laureles Anka se dirigió al público adulto y se reinventó apareciendo en el Copacabana. También tuvo una corta etapa 'italiana' , en la que colaboró con los compositores Ennio Morricone, Lucio Battisti y el letrista Mogol. En Italia grabó un docena de singles (algunos en italiano), como 'Ogni giorno' (1962), 'Piangerò per te' (1963) y 'Ogni volta' (1964). Ésta última fue interpretada por Anka en el Festival de San Remo de 1964 y sólo en Italia, vendió más de un millón de discos. Firmó con RCA Records y en una jugada maestra adquirió los derechos de sus viejos éxitos e hizo una fortuna sólo con reediciones. Diversificó su carrera apareciendo en películas como 'El día más largo' de 1962, a cuya banda sonora aportó la canción del mismo título.

Paul Anka fue de los primeros cantantes pop en aparecer en los shows de Las Vegas. También condujo programas de TV en EEUU, como 'Hullabaloo', 'The Midnight Special' y 'Spotlite'. Realizó giras por Asia y por Europa (donde conoció a su mujer, la modelo parisina Anne de Zogheb). Compuso la canción de presentación de 'The Tonight Show', que se mantuvo en antena unos 30 años y reescribió y tradujo la letra francesa de la canción 'Comme d'habitude', convirtiéndola (muy a pesar de Sinatra, que confesó en una ocasión odiar la canción) en 'My way', uno de los mayores éxitos comerciales de Frank. También a Tom Jones le proporcionó uno de sus mayores éxitos, 'She's a lady'.

Aunque desde 1963 sólo tuvo un hit en el Top40, en 1974 volvió al nº1 con '(You're) Having my baby', un dueto grabado en Muscle Shoals (Alabama) con su protegida, Odia Coates. Sus siguientes dos singles, 'One man woman/One woman man' y 'I don't like to sleep alone', fueron ambos Top10, y su single en solitario 'Times of your life' (1975) fue nº7.

En los ochenta y noventa continuó sus shows internacionales y en los casinos de Las Vegas, y su discografía en esta etapa consta únicamente de compilaciones de éxitos y conciertos en directo. En 2005 grabó 'Rock Swings' un álbum con standards contemporáneos, como 'Wonderwall' y 'Smells like teen spirit' cuyo éxito originó una secuela, 'Classic Songs: My Way' (2007), que incluye más standards y duetos con Michael Buble y Jon Bon Jovi. Precisamente de duetos consta una de sus últimas entregas discográficas, 'Duets' (2013). Su publicación más reciente fue 'Making Memories' en 2021.

1936. Hoy cumple 87 años el guitarrista de blues Buddy Guy, nacido en Lettsworth Louisiana. Aunque su música suele ser etiquetada como 'Chicago blues', su estilo es único e inclasificable. Puede variar desde el blues más profundo y tradicional a imprevisibles y radicales amalgamas de blues, soul, free jazz y rock progresivo que mutan en cada actuación de Guy.

Buddy aprendió las primeras nociones de guitarra en un arco 'diddley' de fabricación casera de dos cuerdas. Más tarde conseguiría una guitarra acústica Harmony, que ahora descansa en el Rock and Roll Hall of Fame. A comienzos de los años cincuenta tocó con varias bandas de Baton Rouge y, tras moverse a Chicago y ganar una competición de guitarristas que se llevó a cabo con la participación de Otis Rush y Magic Sam, Buddy cayó bajo la influencia de Muddy Waters quien lo llevó a Chess Records. Chess fue su discográfica hasta 1968, pero Leonard Chess, cuyos gustos eran muy tradicionales, tildaba la música de Guy de 'ruidosa' y lo mantuvo relegado como músico de sesión en las grabaciones de Muddy Waters, Howlin' Wolf, Little Walter, Sonny Boy Williamson, Koko Taylor, entre otros.

En 1967, por fin se publicó 'I left my blues in San Francisco', que estilísticamente era muy similar a todos los del boom del soul de la época. Durante esos años apareció en varias grabaciones de Junior Wells en Vanguard Records, hoy consideradas de los mejores muestras del 'chicago blues' de los años sesenta.

En 1969 apareció junto a Eric Clapton, Jack Bruce, Buddy Miles, Led Zeppelin, Stephen Stills y Jon Hiseman entre otros, en el 'Supershow', unas actuaciones filmadas en una fábrica abandonada de Staines (Inglaterra). Pretendía ser una reunión de grandes músicos al estilo del 'super session' de Al Kooper y Mike Bloomfield.

En los setenta, Buddy Guy cayó en el olvido, como la mayoría de músicos de blues que inspiraron e instigaron el blues-rock que practicaban ahora sus discípulos los cuales recibían la fama y el reconocimiento. Eric Clapton fue uno de los que se acordó de Guy en 1990 y lo contrató para que formara parte del grupo con el que Clapton realizó 42 conciertos en el Royal Albert Hall de Londres a lo largo de dos años. Un 'grandes éxitos' de esos conciertos, '24 Nights', se publicó en 1991.

Ese mismo año, Guy obtuvo un contrato de grabación con Silvertone Records. Su primer álbum con el nuevo sello, 'Damn Right, I've Got The Blues', fue un gran éxito y contaba con colaboraciones de Eric Clapton, Jeff Beck, Mark Knopfler y los Memphis Horns. Recibió un Grammy al mejor álbum de blues contemporáneo. En 1993 y 1994 repitió premio y éxito con 'Feels like Rain' y 'Slippin' In', y desde entonces, ha publicado más de una docena de álbumes de estudio, además de varios discos en directo y recopilaciones de sus primeras grabaciones. Su entrega más reciente fue 'Rhythm & Blues', publicado en julio de 2013, que supuso su cuarto album en alcanzar el nº1 en las listas de blues, tras 'Sweet Tea' (2001), 'Skin Deep' (2008) y 'Living Proof' (2010), por el que obtuvo su sexto premio Grammy.

Ha sido llamado 'el puente entre blues y rock and roll' y fue el enlace histórico entre los pioneros del blues eléctrico de Chicago como Muddy Waters y Howlin' Wolf y los más contemporáneos Eric Clapton, Jeff Beck, Hendrix, Jimmy Page y Stevie Ray Vaughan. Éste último dijo: "Sin Buddy Guy no existiría Stevie Ray. Buddy tiene la increíble capacidad de ir de un espectro a otro. Puede tocar con el silencio más silencioso que jamás hayas oido ¡y también puede tocar de la forma más ruidosa que jamás hayas oido!. Yo acostumbro tocar fuerte, la mayoría de las veces, pero los tonos de Buddy son sencillamente increíbles... ¡el puede ponerle tanta emoción usando tan poco volumen!".

También Clapton manifestó su pasión por su música: "Buddy Guy fue para mí lo que Elvis significó para otros". Eric, nada proclive a los halagos también llegó a afirmar: "Buddy Guy es sin ninguna duda el mejor guitarrista vivo. Su forma de tocar revolucionó el blues rock". Jimi Hendrix, cuyas acrobacias con la guitarra tocando por encima de la cabeza o con los dientes estaban inspiradas en Buddy que ya las practicaba años antes, dijo: "El paraíso es estar tumbado a los pies de Buddy Guy mientras lo escuchas tocar su guitarra". Todo un 'músico de músicos', al que actualmente se le puede ver casi cada noche en Chicago sentado junto a la barra del Legends, el mejor local de blues de la ciudad, que Buddy regenta con orgullo. En julio de 2015 publicó el álbum 'Born to Play Guitar' que, de nuevo, obtuvo el Grammy en 2016 al mejor álbum de blues. Asimismo lo recibió su trabajo más reciente: 'The Blues Is Alive and Well' aparecido en junio de 2018.

1944. Hoy cumple 79 años el actor, cantante y compositor de pop y reggae Jimmy Cliff, nacido en St. James Jamaica. Acreditado junto con Marley de jugar un papel fundamental en la introducción de la música reggae en el mundo, Cliff nunca se ganó la reputación mesiánica de su colega. A pesar de que Cliff es bien conocido entre los aficionados al reggae, muy pocos conocen su música más allá de sus temas standard más populares y pese a su tremenda energía y capacidad de trabajo (que ha generado 29 álbumes), tampoco ha logrado con ellos un éxito comercial consistente.

La familia de Cliff desciende de las bandas de esclavos afrocaribeños fugitivos llamadas 'maroons' (cimarrones), que escaparon a determinadas zonas de la parte oeste de la isla. Estas zonas, muy montañosas y con una gran densidad de selva virgen, se convirtieron en un refugio ideal para los esclavos que lograban huir de sus captores españoles y portugueses a comienzos del siglo XVII, formando pequeñas comunidades o bandas que entraron en conflicto con los colonos ingleses que arribaron a la isla tras la derrota española, al mismo tiempo que supusieron un foco de rebelión y resistencia popular y un orgullo para la población afrocaribeña.

James Chambers, hoy conocido como Jimmy Cliff, nació en una de esas zonas de 'maroons', en la localidad rural de Somerton en el condado de St. James Parish. Fue el segundo de un matrimonio de trabajadores agrícolas. Su madre los abandonó poco después de nacer Jimmy, por lo que fue criado por su padre, que además de trabajar en el campo, también se ganaba la vida como sastre. Jimmy recuerda sus primeras influencias: "Mi padre se pasaba la vida cantando. No teníamos ni radio ni TV. Mi hermano y yo tocábamos la guitarra y la batería y ese era el mejor entretenimiento". Con trece años dejó la escuela y dirigió sus pasos hacia la más cosmopolita Kingston con el fin de estudiar o aprender algo con lo que ganarse la vida. El sabía sin embargo antes de poner el pie en la capital jamaicana que su sueño era triunfar en la música. "Qué se suponía que iba a hacer con mi vida? ¿Trabajar en un campo de bananas? ¿o en uno de caña de azúcar? Llegué a Kingston para asistir a la escuela nocturna y aprender un oficio, pero mi intención real era cantar"

Una vez superada su primera etapa de adaptación a la gran ciudad, Jimmy, mientras seguía asistiendo a la escuela nocturna, adoptó su nombre artístico y comenzó a ofrecerse a todos los productores discográficos locales. "Un día pasé frente a un restaurante que además era una tienda de discos y convencí al propietario de que se dedicara a la producción y fundara un sello discográfico, empezando conmigo" No fue tan fácil como lo cuenta. El establecimiento se llamaba Beverley y Cliff, astutamente, compuso una canción con el mismo nombre, 'Dearest Beverley' que tocaba frente a la tienda todos los días, esperando que el propietario del negocio, Leslie Kong se animara a grabarla. Aquel fue el principio del sello 'Beverley's' y de la carrera de Kong, que llegaría a ser el productor musical más importante de la isla. Cliff grabó su primer single, 'Daisy go me crazy' con sólo catorce años y su tercera grabación, 'Hurricane Hattie' fue un hit en Jamaica. Cliff permanecería con Kong hasta la muerte de éste por un infarto en 1971.

Siguieron otros hits locales como 'King of kings', 'Miss Jamaica' y 'Pride and passion'. En 1964 fue uno de los artistas escogidos por el gobierno de Jamaica como representación y promoción musical del país en la Feria Mundial de Nueva York y en una gira por EE.UU. Al terminar la gira, Cliff fue contratado por Chris Blackwell, presidente de Island Records y se trasladó a Londres. En sólo dos años Jimmy había logrado pasar de patear las calles de Trenchtown a dar los primeros pasos de una carrera internacional en la capital británica. Island intentó colocar a Cliff en el mercado rock, pero no funcionó. Además, Cliff tuvo que enfrentarse al racismo inglés, a un gobierno que quería deportarle y a caseros que no estaban dispuestos a alquilar sus apartamentos a gente que no fuese blanca.

Su eclecticismo musical y cultural le permitió fusionar sus influencias jamaicanas con ritmos y sonidos más urbanos como el R&B y el soul. Aunque los discos que grababa con Island tenían escasa relevancia, con una banda que creó para realizar giras por el circuito de clubs europeos, sí tuvo bastante éxito, sobre todo en los países escandinavos y en Francia, donde sigue teniendo un leal grupo de seguidores. Su primer álbum en el mercado internacional fue 'Hard Road to Tavel' (1968). Contenía la canción 'Waterfall', que ganó el primer premio en un Festival Internacional de la Canción en Brasil. Allí, Jimmy se queda prendado de la cultura brasileña y permanece seis meses escribiendo los temas del álbum que marcaría su despegue internacional definitivo.

En 1969 se publicó el álbum 'Wonderful world, beautiful people', que contenía, además del tema que daba título al disco, 'Many rivers to cross', una de las canciones más frecuentemente asociadas a Cliff, y 'Vietnam', de la que Dylan opinaba que era la mejor canción protesta que había oído en su vida. También por esta época publicó el single que contenía la versión de 'Wild world' de Cat Stevens, que no fue incluida en el álbum y que fue su último hit en EE.UU hasta 1983.

En 1972 fue elegido para encarnar el papel de Ivanhoe 'Ivan' Martin en el clásico film de reggae 'The Harder They Come', dirigido por Perry Henzell. La banda sonora del film fue un gran éxito y fue uno de los primeros discos que comenzaban a llevar el reggae a audiencias internacionales, con temas como 'You can get it if you really want', 'The harder they come' y 'Sitting in Limbo'. Aunque el dinero que obtuvo Cliff por participar en la película no superó los $10.000, su popularidad creció hasta tal punto que pudo afianzar su carrera de artista del reggae. Aún así priorizó sus valores sociales y espirituales y viajó a Africa para explorar las raíces de su raza y su nueva fe musulmana, a la que se había convertido.

Siguió publicando álbumes, del orden de uno por año, pero ninguno cumplía las expectativas comerciales de los mercados americano y británico. Su preferencia por la cultura africana como reafirmación de sus orígenes y su conversión al Islam fueron interpretados por muchos de sus críticos como un rechazo a la cultura afro-caribeña lo que tampoco ayudó que su música fuese apreciada por los puristas del reggae y los círculos culturales jamaicanos. Sin embargo, Cliff pronto comprobó que su público estaba fuera de los grandes mercados americanos y británicos, descubriendo como en países como Nigeria, Sudáfrica, Brasil, Suecia y la entonces Unión Soviética el jamaicano era inmensamente popular. Su álbum más destacado de los que produjo en la segunda mitad de la década de los setenta fue 'Give Thankx' (1978), con temas como 'Bongo man', 'She is a woman' o 'Footprints'.

En 1984 Cliff regresó a Jamaica, donde seguía manteniendo residencias en Kingston, Montego Bay y Somerton. Continuó con su eterno eclecticismo, mezclando la ética de la vida rastafari con los ideales del Islam, viviendo a caballo entre Jamaica y el Reino Unido y cultivando sus mercados en África y en la Europa continental. Su álbum 'The Power and the Glory' (1984) fue su mayor éxito en EE.UU después de 'The harder they come'. Mejor recibido aún fue su trabajo en Europa, donde realizó una exitosa gira de 41 conciertos. El single 'Reggae night' fue disco de oro en Francia y un gran éxito en las pistas de baile europeas.

Su siguiente álbum, 'Cliff Hanger' (1985) fue merecedor de un Grammy, siendo su mayor éxito en EE.UU. hasta 1993 con temas como 'Sunrise', 'Arrival' y 'Brown eyes'. En 1986 contribuyó con su voz en los coros del álbum 'Dirty Work' de los Rolling Stones y dos años después se incluyó su canción 'Shelter of your love' en el film 'Cocktail'. En 1993 consiguió otro nº1 en Francia y un Top20 en Estados Unidos con su versión de 'I can see clearly now' de Johnny Nash, que fue incluida en la banda sonora de la película 'Cool Runnings'. En 1995 grabó con Lebo M el tema 'Hakuna Matata' de la banda sonora de 'El Rey León'.

En 2002, Cliff presentó su nuevo disco en Europa, 'Fantastic Plastic People'. En este trabajo hay colaboraciones de Joe Strummer, Annie Lennox y Sting, así como nuevas canciones muy evocadoras de los viejos éxitos de Cliff. En 2004, Cliff da un giro a su música introduciendo ritmos electrónicos, para su álbum 'Black Magic'.

A finales de 2011 publicó el EP 'Sacred Fire', producido por Tim Armstrong y grabado con aparatos vintage, con temas como 'A hard rain's a-gonna fall', 'Guns of Brixton', 'Ruby Soho' o 'Ship is sailing'. Actualmente sigue activo realizando giras y el año 2012 publicó el álbum 'Rebirth', por el que recibió el Grammy a 'mejor álbum reggae. Alcanzó el puesto 83 de las listas inglesas y el 76 de las americanas, convirtiéndose en el trabajo de Cliff mejor posicionado en los rankings de ventas de toda su carrera. Su entrega más reciente fue 'Refugees' en 2022.

1957. Nace Rat Scabies (de nombre real Christopher Millar), en Kingston-on-Thames Reino Unido. Batería del grupo punk The Damned.

1965. Los Rolling Stones publican en Estados Unidos el álbum “Out Our Heads”, el cuarto que lanzan en ese país; y el tercero en Inglaterra, donde se lanzaría en septiembre de aquel mismo año. La edición estadounidense, con portada distinta a la británica, varió enormemente en contenido. Gracias a ‘(I Can’t Get No) Satisfaction’, alcanzó el número uno en Estados Unidos.

1966. The Troggs alcanzan el número uno en las listas de Billboard con la demoledora “Wild Thing”. El salvajismo también podía escalar a los primeros puestos de las listas.

2003. Muere Sam Phillips, en Memphis. Fundador y productor del sello Sun Records, donde comenzó grabando blues y rhythm and blues, para ser el sello que se hizo con el primerísimo Elvis Presley, además de Johnny Cash, Carl Perkins, Jerry Lee Lewis… Fue uno de los nombres esenciales en el nacimiento del rock and roll. Sin él nada habría sido igual. Por derecho, tiene su propio rincón en la historia del rock, siempre unido a su sello, todo un icono de la industria musical independiente.

2002. Bruce Springsteen publica “The Rising”, su primer trabajo de estudio con la E Street Band en dieciocho años. Es un disco marcado por los atentados de Nueva York del 11 de septiembre de 2001 y los cambios que produjeron, aunque bajo una mira optimista. Es un Springsteen orientado hacia el rock y dejando un buen disco.

2015. Muere la cantante de country Lynn Anderson, de un infarto, en Nashville, a los 67 años. En 1966 Anderson publicó su primer single, ‘For Better or for Worse’, interpretado a dúo con Jerry Lane. Pero no fue hasta 1970 cuando llegó su gran éxito, ‘(I Never Promised You a) Rose Garden’, un tema compuesto por Joe South. Luego llegaron canciones como ‘You’re My Man’, ‘Fool Me’, ‘Top of the World’ o ‘Wrap Your Love All Around Your Man’.